Finnes det en kunst objektivt sett bedre enn en annen?

Vi vet alle at kunst, som så mange andre ting, er subjektiv. Derimot, Finnes det en kunst objektivt sett bedre enn en annen? Kan vi finne en kunstnerisk stil eller en tid der dens kunstneriske manifestasjon objektivt sett er bedre enn de andre?

Vi foreslår en vandring gjennom kunsthistorien for å finne ut om det virkelig finnes en kunst som objektivt sett er bedre enn en annen.

• Relatert artikkel: "De 8 grenene av humaniora (og hva hver av dem studerer)"

Finnes det en objektivt bedre kunst?

I noen perioder av historien har dette absolutt blitt trodd. Det er grunnen til at forfattere som Vasari under renessansen forringet gotisk kunst og kalte den "barbarisk" kunst (gotisk kunst, som er der navnet kommer fra). Barokken var også en annen av de mye utskjelte stilene med fremkomsten av den franske revolusjonen og klassisismen. Men hvilken grunn var det for disse betraktningene?

Årsaken var ingen ringere enn mentalitetsendringen og derfor tilsynekomsten av fordommer. På Vasaris tid hadde renessansen tatt over kunsten, så alt som ikke passet inn i en "klassisistisk" visjon ble ansett som en mindre, mindre utviklet kunst. Det samme skjedde århundrer senere med barokken og spesielt rokokkoen. De franske revolusjonære så på sistnevnte som adelens kunst og derfor en kunst som måtte ødelegges.

Så I hvilken grad er kunstneriske vurderinger gjenstand for fordommer?

• Du kan være interessert i: "De 10 grenene av filosofi (og deres viktigste tenkere)"

Men hva er kunst, egentlig?

Her må vi innføre en presisering. Hva er kunsten? En definisjon så mange som den er kompleks (og komplisert). Royal Spanish Academy tilbyr ulike definisjoner av ordet. Blant dem er følgende: "Kapasitet, evne til å gjøre noe", og "Manifestasjon av aktivitet hvorigjennom det som er ekte tolkes eller det som forestilles fanges opp med plastisk, språklig eller stemt”. Vi tror at RAE i andre forstand har truffet spikeren på hodet. La oss se det nøye: "... hvorigjennom det som er ekte tolkes eller det som er forestilt blir fanget." Det er klart: kunst har to veier: representasjonen av virkeligheten (noen ganger strengt, som vi vil se senere) eller legemliggjørelsen av transcendente konsepter. I tillegg må vi legge til at begge tingene ikke er i strid med hverandre, selv om de får oss til å tro det.

På sin side, den eminente E. H Gombrich, i sin berømte kunst historie, begynner sin introduksjon med å hevde at: «Kunst eksisterer ikke egentlig. Det er bare kunstnere. Dette var en gang menn som tok farget jord og grovt tegnet formene til en bison på veggene i en hule; i dag kjøper de fargene sine og tegner skilt til T-banestasjonene”. Og så legger han til: "Det er ingen skade å kalle alle disse aktivitetene kunst, så lenge vi tar i betraktning at et slikt ord kan bety mange forskjellige ting, på forskjellige tider og steder, og så lenge vi legger merke til at kunst, skrevet ordet med stor A, ikke eksisterer, siden kunst med stor A i hovedsak har å være et spøkelse og et avgud...”.

Med andre ord, for den prestisjetunge historikeren, hvis bare kunstnere eksisterer, og det derfor ikke er noe kunstideal (at kunst med stor bokstav som kommenterer), så betyr det at det faktisk ikke finnes noen kunstnerisk stil eller epoke bedre eller verre enn andre. For å gjennomføre denne korte turen vil det være svært nyttig å stole på konkrete eksempler; på denne måten vil det være mye lettere å forstå hva Gombrich mente med en slik uttalelse.

• Relatert artikkel: "Hva er de 7 kunstene? Et sammendrag av dens egenskaper"

Komposisjon, form, perspektiv

La oss ta bisonen som Gombrich kommenterer som eksempel. Dere har alle i tankene det typiske forhistoriske maleriet, laget i ly av en hule. La oss stille et spørsmål. Er denne fremstillingen realistisk? Ikke nøl med å svare, for svaret er "nei".

Kunstneren som malte bisonen hadde ikke til hensikt å representere en ekte bison, med sine volumer, sitt perspektiv og sine realistiske detaljer. Det er faktisk ikke noe perspektiv i det hele tatt; tegningen er helt flat (selv om det i noen eksempler kan noteres markerte forsøk på realisme). Uansett er resultatet det samme: dyret avbildet på veggen eller taket i hulen representerer en idé, et konsept, ikke en ekte bison.

La oss sammenligne den forhistoriske bisonen med et maleri fra 1800-tallet; For eksempel, Angelus bønn i marken, av maleren Ignacio Díaz Olano fra Vitoria.

Vi vil observere at på lerretet, maleren har laget en omhyggelig fremstilling, praktisk talt fotografisk, fra anatomien til to okser. Volumene er perfekte, perspektivet er tilstrekkelig; vi har følelsen av å være tilstede i scenen, som om vi var en del av øyeblikket representert. Kort sagt: Díaz Olano fanger et fragment av virkeligheten.

På dette tidspunktet stiller vi et spørsmål. Er Díaz Olanos lag objektivt sett bedre? Når det gjelder oppløsning, tegning, perspektiv og teknikk, selvfølgelig ja. Perspektivet, volumene, de realistiske tonene i maleriet; de har ingenting å gjøre med den flate figuren, i nøytrale farger, som vi så på veggen i hulen. Nå, betyr dette at Díaz Olanos arbeid er objektivt sett bedre, generelt sett, enn den forhistoriske bisonen? Svaret, i dette tilfellet, vil utvilsomt være "nei".

• Du kan være interessert i: "De 10 grenene av filosofi (og deres viktigste tenkere)"

Uttrykket, konseptet, ideen

La oss ta et annet eksempel som vil illustrere veldig godt hva vi mener. Og det er ingen ringere enn Henrettelsene 3. mai, fra Goya.

Flink. Sammenlign det nå med en annen opptaksscene: Henrettelse av Torrijos og hans følgesvenner på strendene i Malagaav Antonio Gisbert.

La oss starte med det andre. I Torrijos, alt er perfekt. Igjen, sammensetningen har ingen feil; heller ikke perspektivet, ikke volumene, heller ikke tegningen eller teknikken. Det er formelt sett et perfekt bilde. I tillegg introduserer Gisbert også uttrykk i sitt arbeid: hvis vi ser nøye, hver av ansiktene til de som skal dø uttrykker en annen følelse, alt fra den mest uutholdelige frykten til den mest fantastisk.

La oss nå gå til Goyas henrettelser. Kan vi si at formelt sett er Torrijos bedre løst? Vel, til tross for å snakke om Goya, er svaret nok en gang "ja". Gisberts lerret er et fotografisk øyeblikksbildeÅ fange et virkelig øyeblikk i livet. Igjen, og som med angelusen av Díaz Olano, ser det ut til at vi er på stranden, med Torrijos og hans følgesvenner. Det som faktisk er veldig spennende med maleriet er at det ser ut til at vi er en del av gruppen av fanger som venter på sin tur til å dø, gitt punktet hvor betrakterens utsikt befinner seg. Når det gjelder ansiktene, ikke mer å si; Gisbert tok notater om originale portretter av ofrene, og møtte også slektninger til de avdøde for å trofast gjenskape trekkene til de henrettede.

Nå, hvis vi går til Goyas maleri, vil vi se at ansiktene ikke er identifiserbare. Til å begynne med skjuler franskmennene (bødlene) ansiktene sine, som om de skammer seg. I tillegg dekker de fleste av de skuddene ansiktet med hendene. De få som viser ansiktene sine ser for oss ut til å være karnevals- eller marerittmasker i stedet for mennesker. Det er ingen individualiserte fraksjoner; Goya maler terror i sin reneste form.

La oss gå til spørsmålet. Betyr dette at Gisberts maleri objektivt sett er bedre enn Goyas? Åpenbart ikke. Og fordi? Fordi, rett og slett, Gisberts intensjon når han utfører sin Torrijos var ikke det samme som Goyas da han malte sin henrettelser. Den første ønsket å vise upåklagelig virkelighet, mens den andre han uttrykte sinne og frustrasjon gjennom børsten. Gisbert opplevde ikke skytelaget til Torrijos; dessuten malte han bildet flere tiår senere. Goya levde de skjebnesvangre dagene i mai.

• Relatert artikkel: "Hva er kreativitet? Er vi alle "ville-være genier"?

Akademiismens ballast

Fra 1700-tallet og fremfor alt på 1800-tallet, akademisk kunst (som maleri av Torrijos) regnes som toppen av maleri og skulptur. Den perfekte komposisjonen, oppløsningen i et sømløst perspektiv, riktig proporsjon mellom tegnene... vitenskapelige arbeider har faktisk ingen formelle feil å peke på.

Det er imidlertid ikke mindre sant at i løpet av 1800-tallet ble uttrykket og ideen glemt. Med andre ord, "hva" ble utvannet, og bare "hvordan" gjensto. Helt i motsetning til det som hadde vært andre «kunster» i historien, hvor det som hadde seiret fremfor alt annet var konseptet, ideen som var representert. Dette er en av grunnene til at blant annet middelalderkunst i stor grad har vært foraktet siden 1700-tallet; hans konseptuelle, transcendente stil passet ikke med den rådende akademismen.

Hvis vi ønsker å verdsette et kunstverk riktig, må vi huske på at vi i vår verdsettelse bærer ballasten til akademisismen. Og vær forsiktig, for vi mener ikke med dette at akademisk kunst er dårlig, tvert imot; men det er sant at vi i mange år har blitt lært at den eneste "gode" kunsten er en som respekterer de formelle retningslinjene for blant annet perspektiv, volum og komposisjon tingene. Og dette gjør selvfølgelig at vi går på villspor og vi er ikke i posisjon til å verdsette de andre «kunstene» som selvfølgelig har verdi i seg selv.

For retningslinjene som trengs for å verdsette et verk, er ikke bare de som Akademiet har diktert oss i århundrer. Det er andre, for eksempel uttrykksevne, følelse og idé som derimot er de som dikterte andre tiders og kulturers kunst. Skal vi tro at en romansk Madonna og barn er "verre" enn en Venus av Praxiteles? Selvfølgelig ikke. De er døtre av to konsepter og to veldig, veldig forskjellige verdener.

Men, og som alt relatert til kunst, er avgjørelsen opp til hver enkelt. I denne artikkelen foreslår vi bare et annet utseende og fremfor alt egnet for hvert spesifikt arbeid; et blikk som tar hensyn til konteksten, de tekniske mulighetene og forfatterens personlighet.