Luis Buñuel: hovedfilmer og scener av spansk kino

Luis Buñuel har vært en av de mest særegne filmskaperne på filmscenen. Hans filmspråk og hans måte å forstå kino på har fungert som en referanse for store regissører gjennom historien.

I nesten all filmografien til den aragonesiske regissøren kan du se egenskaper ved hans personlighet. Kinoen hans snakker om en ikke-konformistisk person med sin tid og veldig kritisk til konvensjoner borgerlige og religiøse, som til og med førte til at han forlot hjemlandet og kjempet mot sensur fra øyeblikk.

Hans arbeid tar sikte på å åpne øynene til en konformistisk seer, undergrave den etablerte sosiale orden og sette spørsmål som samfunn, familie, i søkelyset. religion, borgerskap eller politikk, alt dette uten å savne hentydninger til drømmeverdenen og individets indre verden, temaer som alltid har vært besatt.

Det er ingen tvil om at Luis Buñuels kino markerte en flott scene i kinohistorien. Regissøren brukte filmkunst som et slags lerret der han fanget alle bekymringene som skjedde i hans indre verden.

Buñuel gjorde noe som svært få filmskapere fra den tiden kunne oppnå: lage senere generasjoner vil arve kinoen deres, og til tross for tidens gang, at den klarer å fortsette å røre samvittigheten og lage reflektere.

1. Surrealistisk scene

På midten av 1920-tallet dro Buñuel til Paris. Der delte han ideer med forskjellige kunstnere på den tiden og opprettholdt utilsiktet sin første kontakt med den surrealistiske strømmen da han møtte André Breton.

Senere ble han en del av den surrealistiske gruppen, som han sympatiserte med og tok strømmen til sitt maksimale uttrykk i filmmediet med filmen En andalusisk hund (1929).

En andalusisk hund (1929)

Det handler om din debut som en regissør som skrev med Salvador Dalí. Det regnes som et av de største surrealistiske verkene i kinohistorien. I 1929 hadde den premiere i Paris på Studie av Ursulines og forårsaket en stor kontrovers for datidens kritikere.

Det er en film som inviterer betrakteren til å gå inn i drømmenes verden, og la virkeligheten til side. Det går utover hvor sansene våre eller vår fornuft styrer oss. Uvirkeligheten hersker og åpner døren til en ulogisk fortelling. Hva gjør det åpent for forskjellige tolkninger.

Fra første øyeblikk er filmen allerede sjokkerende. En mann (Buñuel) dukker opp på en balkong som sliper en barberhøvel, og deretter ser man hvordan han klipper et kvinnes øye. Det er en av de mest berømte scenene i filmen.

Fra dette øyeblikket er filmen nedsenket i et autentisk skuddspill som, skjønt tilsynelatende betyr de ikke noe, de klarer å generere opplevelser i betrakteren takket være en fantastisk montering.

I de fleste tilfeller bruker den det lenket sammen. Et fremtredende eksempel er når maur dukker opp fra rytterens hånd og plutselig blir til en kvinnes armhulehår og deretter en pinnsvin.

Det bryter også med linearitet takket være den usammenhengende bruken av undertekster som, i stedet for å veilede betrakteren, villede: "Det var en gang", "Åtte år senere", "Mot tre om morgenen", "Seksten år før" og "I vår".

Gjennom årene har forskjellige tolkninger av filmen blitt tegnet, selv om ingen er helt nøyaktige. Buñuel selv beskrev det:

Filmen er ikke noe annet enn en offentlig appel til attentat.

Virkeligheten er at selv om han aldri klarte å forklare årsaken til denne filmen, er det underliggende elementer som vil opprettholde hele karrieren, for eksempel hans besettelse med døden, drømmeverdenen og underbevissthet.

Imidlertid, selv om en analyse av filmen kan være gyldig, En andalusisk hund prøver å legge igjen et inntrykk på mottakeren slik at når han husker filmen ikke prøver å lete etter noe plott, men heller prøver å beskrive følelsene han har opplevd under visningen.

Gullalderen (1930)

På begynnelsen av 30-tallet hadde Buñuel premiere på sin andre surrealistiske film, denne gangen med lyd og fransk språk. Det er et banebrytende og unikt arbeid som ble finansiert av Viscount de Noailles, et medlem av aristokratiet. Lanseringen av filmen førte med seg skandalen og forbudet mot fremvisning av den franske regjeringen.

I den avslører Buñuel en kritikk av skikkene og tradisjonene i det tidlige borgerlige samfunnet. Regissøren selv beskrev filmen som:

Det seksuelle instinktet og følelsen av død utgjør essensen av denne filmen. Det er en romantisk film laget med surrealistisk vanvidd.

Det er kampen for to elskere for å fortsette sin lidenskapelige kjærlighet i et samfunn dominert av regler. Det er ingen tvil om at filmen er en opphøyelse av gal kjærlighet, helt gratis og fremfor alt er en klage mot alle de faktorene som forstyrrer utviklingen, generelt konvensjonene i samfunnet borgerlige.

Fortellingen, som begynner med en dokumentar om skorpionenes liv, trekker oppmerksomhet fra første stund. Kanskje inkluderingen av bilder som er spilt inn i 1912 ikke er tilfeldig, hvis vi tar i betraktning at Buñuel levde besatt av insekter.

Senere prøver noen kriminelle å flykte fra hytta deres mens en gruppe biskoper utfører et slags ritual foran havet, og til slutt ser de ut til å være døde på stranden.

En gruppe mennesker ankommer i en båt for å ære biskopens sjeler. Seremonien blir avbrutt av støy fra elskere, en mann og en kvinne, som gir frie tøyler til sin kjærlighet på stranden. Mannen er til slutt arrestert.

Fra det øyeblikket dreier filmen seg om kvinnen, som bor i et velstående hus og prøver å oppfylle sine seksuelle ønsker i møte med hindringen i samfunnet som omgir henne.

Hans mest kritiske analyse kommer med innsettingen av skudd som har blitt igjen til tilskuerens minne. For eksempel bildet av de mumifiserte biskopene, hovedpersonen som suger stortåen på en statue eller en ku som ligger på en elegant borgerlig seng.

du vil kanskje også like Surrealisme: egenskaper og hovedartister.

2. Scene av den andre spanske republikken

Skandalen forårsaket av Gullalderen, får Holywood til å innse at Buñuel kan være "en gullgruve" for filmindustrien. Derfor krysset han i 1931 Atlanterhavet tiltrukket av et tilbud fra Metro Goldwyn Mayer. De har tenkt å introdusere det i filmsystemet der; Imidlertid er Buñuels forskjellige hån og uhøflighet overfor høye posisjoner i bransjen ham tilbake til Spania.

Land uten brød (1933)

Kort tid etter at han kom tilbake, skjøt han dokumentaren Land uten brød med pengene fra en lotteripremie. Det tar sikte på å gjenspeile livet til Las Hurdes (Extremadura), der situasjonen var virkelig dramatisk, selv om Buñuel overdriver det litt mer.

Filmen viser bilder av området som en voice-over han kommenterer det som vises i dem. Det begynner med en infografisk situasjon der et kart over Europa dukker opp og gradvis nærmer seg zoom og påpeker det nøyaktige punktet som skal diskuteres. Mens en stemme forteller:

I noen deler av Europa er det fokus på nesten paleolitisk sivilisasjon. I Spania, 100 km fra Salamanca, et sted med høykultur, er Las Hurdes isolert fra verden av fjell med vanskelig tilgang (...)

Filmen er som Buñuels egen vandring gjennom området, seeren ser hva øynene hans ser. Prøv å lære menneskene der på en "nøytral" måte. Det viser fattigdom, sykdom, barn og underernæring.

Fortellerens overdrevne tone er slående når han beskriver det han ser, noen ganger mistenkelig for å være ekte. Et tydelig eksempel er når han beskriver en kvinne med struma som ifølge fortelleren er 32 år, selv om det virker utrolig.

Det Buñuel har til hensikt med denne filmen er å provosere til og med for å sette en befolkning i søkelyset som lever i elendige forhold, til tross for å være nær utviklede steder og kultivert.

På den annen side ønsker regissøren å gjøre kjent det mest landlige og tilbaketrukne Spania i tiden, i en tid med antatt utvikling, glemt av politikere og ledere.

Det viser også hykleriet til kirken når man sammenligner et kristent sted der bøndene bor i forverrede hus mot den rikdommen den besitter.

Til slutt forbød den republikanske regjeringen filmen, med tanke på at den ga et dårlig bilde av Spania. Dette forhindret imidlertid ikke Buñuel fra senere å markedsføre det over landegrensene.

3. Eksilstadiet: Mexico

Da borgerkrigen startet, måtte Buñuel, som hadde holdt seg tro mot den republikanske siden, i eksil. Først migrerer han til Frankrike, hvor han bor en stund, og deretter drar han tilbake til Hollywood. Etter en periode i Nord-Amerika reiste han til Mexico med den hensikt å filme en filmatisering av verket. Bernarda Albas hus de Lorca, og selv om det ikke endelig ble gjort, bestemte han seg for å bosette seg der.

Det er i 1949, i Mexico, da han bestemmer seg for å gjenoppta karrieren som filmregissør, som han hadde stått stille med krigen startet. I denne perioden er noen av de viktigste filmene fra Buñuels filmografi skutt. Blant dem er:

Den glemte (1950)

I denne filmen avslører regissøren igjen sin bekymring for sosiale problemer. Som med dokumentaren Land uten brød, Han begynner med å fremheve at i skyggen av rikdommen til store byer er de fattigste og vanskeligstilte områdene.

Denne gangen, i stedet for å rette blikket mot hjemlandet, reflekterer han seg over slummen i Mexico City. Og det vender tilbake for å rette oppmerksomheten mot den mest sårbare befolkningen: barn.

Handlingen dreier seg om Jaibo, en tenåring som rømmer fra en reformator og vender tilbake til nabolaget sitt. Dager senere begår han et drap foran vennen Pedro, en gutt som prøver å være god. Fra denne hendelsen fører Jaibo Pedro på villspor, og deres skjebner blir avkortet.

Denne filmen er en salme til den harde virkeligheten. Grusomheten som spørsmål som machismo og alkoholisme er til stede i samfunnet det gjenspeiler, er overraskende.

På den annen side er visjonen barna har om skolen bemerkelsesverdig, for dem er det som en straff. Når Pedro går på skole for å lære seg et yrke, tror han at han vil miste friheten, ved å sidestille skolen til et fengsel.

Det avslører også uvitenheten til befolkningen, som fortsatt er knyttet til populær tro. For eksempel tror en kvinne som er syk at hun kommer til å bli kurert av en due.

Filmskaperen går heller ikke glipp av muligheten til å undersøke drømmeverdenen og gjør det gjennom karakteren til Pedro. Den bremsende teknikken han bruker for å beskrive barnets drømmeverden, der han viser karakterens bekymringer, er slående.

Det Buñuel og Luis Alcoza, manusforfattere av filmen, har til hensikt å vise i denne fortellingen, er hykleriet som eksisterer mellom de to sidene av samme mynt. På den ene siden utviklingen og velstanden i sentrum av en stor by, med en velstående befolkning. På den andre siden, en dårlig periferi der kriminalitet, fattigdom og involusjon råder, problemer som forblir i skyggen av det politiske systemet.

Med full mage er vi alle bedre.

Reaksjonen etter premieren på filmen i Mexico by var slett ikke vennlig. Selv om hun senere fikk anerkjennelse på filmfestivalen i Cannes og fikk navnet Verdens minne av Unesco.

Han (1952)

Det er en film skutt i 1952 basert på den homonyme boka av den spanske forfatteren Mercedes Pinto. Den forteller historien om Francisco, en mann med høy fødsel som er besatt av å få kjærligheten til Gloria, vennens kjæreste.

Til slutt ender de elskende med å gifte seg, og ekteskapet deres blir til helvete på grunn av hovedpersonens sjalusi og besettelse.

I dette melodrama vises to grunnleggende ingredienser også i Buñuels filmer: kirken og det høye samfunnet. Det er i et kirkelig miljø der fortellingen begynner, under feiringen av hellig torsdag. Der skal hovedpersonene møtes, begge i den velstående klassen.

Snart dukker et av de grunnleggende konseptene som vil bli kjent under visningen av filmen: paranoia. Som om det var en studie på et rasjonelt dyr, "dissekerer" regissøren hodet til hovedpersonen. Og det er at vi som tilskuere er vitner om " Franciscos reise mot delirium gjennom subjektiv virkelighet og jakten på sin egen oppfatning av virkeligheten.

Du kan også se forvirring mellom begrepene kjærlighet og besettelse. Det er en klar underkastelse fra Gloria overfor mannen sin i begynnelsen, til og med en slags "giftig toleranse" overfor hans oppførsel.

Litt etter litt begynner Francisco å tro at alt som skjer virker mot ham og tror at kona hans Hun er utro mot enhver mann som nærmer seg henne, til og med går så langt som å fysisk og psykisk mishandle henne.

På den annen side kan det observeres hvordan datidens samfunn rettferdiggjør denne oppførselen fra mannens side overfor kvinnen når Francisco manipulerer svigermor og presten med vrangforestillinger. Disse antyder at den unge kvinnen må tilfredsstille sin manns innfall. Presten kaller til og med sin oppførsel for "lett".

Buñuel legger heller ikke fra seg sin besettelse med dyr som, selv om de ikke vises eksplisitt, De gjør det gjennom hovedpersonens tale mens han er oppe på tårnet Klokketårn. I den likestiller han mennesker med ormer.

Han kanskje det er en av de mest personlige filmene i regissørens filmografi, eller i det minste det er slik han har vist det til tider, og forsikret at "kanskje det er filmen jeg har lagt mest. Det er noe av meg i hovedpersonen. "

Det er uten tvil en kritikk av mentaliteten til datidens samfunn, basert på konvensjoner og tro som er forankret i religiøse ideer. En film som, selv om den ikke hadde så stor innvirkning som andre filmer av regissøren, ikke lar noen være likegyldige.

Essay av en forbrytelse (1955)

Essay av en forbrytelse det er også en bearbeiding av en roman, denne gangen av den meksikanske forfatteren Rodolfo Usigli. Denne historien, i nøkkelen til svart humor, dreier seg om karakteren til Archibaldo, et bortskjemt barn som stammer fra en velstående familie, som lever besatt av morens musikkboks.

Hans guvernante forteller ham en historie knyttet til boksen, der han innrømmer at den har makten til å innvilge ønsker. På denne måten vil barnet at barnepiken hans skal dø, og hun er offer for et skudd.

Fra det øyeblikket vil alt som skjer med Archibaldo, som voksen, dreie seg om den hendelsen, siden han tror at hans ønsker har blitt gitt av boksen og erkjenner skyld for en dommer for den bølgen av forbrytelser som angivelig han selv har ukjedet.

Filmen begynner med å kontekstualisere historien i den meksikanske revolusjonen som en voice-over, den til den voksne hovedpersonen, beskriver barndommen hans og hvordan, siden en hendelse som skjedde på den tiden, hans liv har vært betinget siden. I det øyeblikket presenterer han oss katalysatorelementet i historien: musikkboksen.

Dette objektet vil utløse en forandring i livet hans som barn, med drapet på barnepiken, og senere som voksen når han henter esken fra en antikvitetsbutikk. Det er interessant hvordan lyden deres skal samle hendelser fra fortid og nåtid.

Bruken av en sirkulær struktur får filmen til å starte fra en scene når Archibaldo tilstår hans påståtte forbrytelser for en dommer etter at en nonne døde, og vender tilbake til den nær slutten av film. Resten av historien blir fortalt gjennom tilbakeblikk.

Rollen som karakterens fantasi spiller er grunnleggende, den fine linjen som eksisterer mellom begjær av hovedpersonen og tilfeldigheten av hendelsene, som til slutt fører til en "historie om gal ".

Archibaldo peker på objektet som skyldige i å vekke sitt kriminelle instinkt til han til slutt disponerer boksen ved å kaste den i en innsjø, som om han på denne måten ble kvitt sin psykopati.

Som i andre filmer fra denne buñuelianske perioden, kommer det en hard kritikk av det borgerlige samfunnet, nesten alle karakterene er knyttet til denne sosiale klassen, og også mot kirken.

Viridiana (1962)

Basert på romanen Halma av Galdós var denne filmen en våpenhvile til Buñuels eksil. Selv om det er en spansk-meksikansk samproduksjon, reiste regissøren til hjemlandet for å skyte den.

Til slutt fikk det hard kritikk fra Vatikanet, som kalte det blasfemisk, og Franco-regimet forbød det i femten år i Spania.

Filmen forteller historien om Viridiana, en nybegynner som forlater klosteret for å besøke sin onkel Don Jaime, en velstående grunneier.

Snart prøver mannen å voldta den unge kvinnen og fantasere om den store likheten de har med sin avdøde kone.

Selv om han endelig omvender seg og ikke utfører handlingen, ender han opp med å begå selvmordsfange av sin samvittighet.

Etter denne hendelsen arver Viridiana sin onkels eiendeler, og selv om hun ikke kommer tilbake til klosteret, bestemmer hun seg for å forkynne godt ved å ønske en gruppe tiggere velkommen i huset. Men nestekjærligheten hans fører ham til ondskap.

Ved en anledning refererte Buñuel selv til hovedpersonen som:

Viridiana er en slags Quixote med skjørt.

På en måte kan vi se Viridiana som en svak og passiv karakter som i begynnelsen av filmen beveger seg basert på andres beslutninger. Men litt etter litt utvikler hovedpersonen seg etter hendelsene som skjer med henne og blir til slutt en mer moden og mindre innflytelsesrik karakter.

Nok en gang er kirken et element å dømme i denne filmen. Gjennom det vises forskjellige fremstillinger av den kirkelige verden. Den høyeste representasjonen er gitt av Viridiana, en potensiell nonne og troende. Andre religiøse elementer som dukker opp er: kronen av pigger og en krusifiksformet kniv. Selv om det kanskje er et av de mest betydningsfulle øyeblikkene, er det å prøve å klone maleriet av Det siste måltid av Leonardo da Vinci.

Dette arbeidet av Buñuel fremhever også forbedringen i fotografisk estetikk. Når det gjelder tidligere filmer, er bildene av denne renere og mer forsiktige.

Viridiana det var ikke bare nok en regissørfilm. Selv om det var et mislykket forsøk på å ta opp i landet sitt og var gjenstand for hard kritikk, var det også en av regissørens mest ærverdige filmer da den ble vinneren av Gyllen håndflate på filmfestivalen i Cannes.

du vil kanskje også like The Last Supper av Leonardo da Vinci.

Den utryddende engelen (1962)

Etter en kort periode i Spania, returnerer Buñuel til Mexico for å fortsette å filme. I 1962 hadde han premiere Den utryddende engelen, der han igjen undersøker det borgerlige livet.

Handlingen dreier seg om et møte med det øvre borgerskapet i det luksuriøse herskapshuset til Nóbile-paret. Etter en lang middag, når det er på tide å reise hjem, oppdager gjestene at de av ukjente årsaker ikke kan forlate rommet. Der tilbringer de flere dager, og situasjonen går fra en luksuriøs middag til en kamp for å overleve.

Surrealismen troner øverst i denne filmen der betrakteren, i likhet med karakterene, lurer på: hvorfor kan de ikke forlate huset?

Ingen vet, verken betrakteren eller karakterene. Katalysatorelementet som gir mistanke om hva som kan ha skjedd, er den plutselige flukten til tjenerne fra Nóbile-herskapshuset. Imidlertid vil mysteriet aldri bli oppdaget.

Det meste av talen foregår på samme sted, noe som får betrakteren til å føle at de har mistet sitt forestilling om tid hvis ikke for dialogene, endringen i utseendet til tegnene eller klokken som vises i bakgrunnen i tellet anledninger.

En anti-borgerlig lesing kan trekkes ut av filmen, den viser det sanne ansiktet til den velstående klassen.

I begynnelsen av historien, når festen begynner, gjemmer alle seg bak en fasade av hykleri og har ubetydelige samtaler seg imellom, men som i en reality show Det er snakk om, litt etter litt viser hver og en sin personlighet.

Det oppdages at når de blir utsatt for en "ekstrem" situasjon, er de fortsatt dyr med et instinkt for overlevelse. Det er da når de striper seg av ornamenter og rikdom for å vise at de ikke er mer enn noen andre.

4. Siste etappe: Frankrike

Den siste fasen av filmkarrieren hans finner sted i Frankrike. Der flyttet han og hadde flere ressurser og midler til å spille inn noen av verkene som førte ham til toppen av den syvende kunsten.

Vakker om dagen (1967)

Vakker om dagen Den er basert på romanen Belle de Jour 1928 av forfatter Joseph Kessel. Det innebærer en klar, men subtil kritikk av det moderne høysamfunnet, der den surrealismen som er typisk for Buñueliansk kino igjen blir gjenopprettet.

Historien forteller livet til Séverine, en ung jente som er gift med en lege og som ikke er i stand til å ha forhold på grunn av barndomstraumer. Derfor bestemmer han seg for å forvandle seg i noen timer til Belle de Jour, en prostituert, og leve et dobbelt liv i hemmelighet, selv om hun til slutt blir oppdaget av en venn av mannen sin.

En ung Catherine Deneuve spiller Séverine, en tvetydig og fjern karakter som det viser seg med vanskelig å ha medfølelse, som lever i et borgerlig miljø der det er kaldt i forhold personlig. En dag bestemmer hun seg for å forlate det «kjedelige livet» for i noen timer å bli en annen kvinne i et horehus.

Gjennom hovedpersonen undersøker Buñuel igjen fantasiverden gjennom scener som er en del av verden imaginær av karakteren, selv om det reiser tvil hos betrakteren om de er ekte eller ikke, mellom det som er fantasi eller virkelighet. Det er morsomt hvor nesten alltid i Séverines fantasier blir hun ydmyket av mannen sin.

På den annen side innebærer temaet som er behandlet i filmen å avdekke mange tabuemner på den tiden, som prostitusjon, i dette tilfellet ført til riket i det høye samfunn. Selv om han behandler det på en veldig subtil måte.

Det er muligens en av regissørens mest teknisk forsiktige filmer, med tanke på fargebehandlingen i fotografering og bruken av attraktive rammer. Filmens estetikk betegner filmskaperenes filmmodning i hans siste trinn.

Til tross for kontroversen som filmens dristige tema genererte, førte det til at den vant Gyllen løve på filmfestivalen i Venezia.

Bourgeoisiets diskrete sjarm (1972)

Bourgeoisiets diskrete sjarm Det er en av Buñuels siste filmer og den som førte til at han ble den første spanske regissøren som vant Oscar i kategorien beste utenlandske film.

I den kommer han tilbake, for å ha det franske borgerskapet som bakteppe. I bevegelse mellom komedie og absurditet dreier handlingen seg om seks karakterer, tre par, som av forskjellige grunner ser sine intensjoner om å gå på middag avkortet.

Denne innovative og banebrytende filmen på den tiden kunne perfekt ha attributtet til "tidløs", siden argumentet kan ekstrapoleres til i dag, fortsetter å påvirke betrakteren nå for tiden.

Akkurat som i filmen Den utryddende engelen, lager en røntgen av borgerskapet som helhet. Han fremstiller henne som en sosial klasse som alltid prøver å opprettholde form, eleganse og god oppførsel, selv i de mest absurde situasjonene.

Det er en morsom film der den ikke fokuserer på en enkelt karakter, men i stedet åpner veien for en tvetydig korrolle og uten evolusjon av individene.

Gruppeprotagonismen gjenspeiles også i teknikken, som rettferdiggjør knapp bruk av nærbilder, å gi hovedperson til bredere rammer der det er skuespillerne selv som utvikler en storslått "koreografi" innenfor av det samme.

Buñuel etterlater heller ikke drømmeverdenen og vanskeligheten med å skille mellom drømmeverdenen og den virkelige. Han tar risiko og går lenger, til og med presenterer drømmer i en annen drøm.

Denne kinematografiske juvelen, badet i ironi og satire, lar døren være åpen for betrakteren for å få forskjellige tolkninger, og dens visning etterlater ingen likegyldig.

Kort biografi om Luis Buñuel

Luis Buñuel var en spansk filmskaper født i februar 1900 i en liten aragonsk by. Der tilbrakte han barndommen og flyttet senere til Zaragoza hvor han studerte sammen med sine brødre på religiøse skoler.

Da han studerte videregående oppdaget han boka Opprinnelsen til arter (1859) av Darwin, som fikk ham til å endre sin oppfatning av religion. På dette stadiet oppstod også hans interesse for entomologi, som sammen med det religiøse faktum ville bli en av hans store besettelser og ville betinget hans filmarbeid.

I 1917 flyttet han til Madrid med ideen om å studere landbruksingeniør, selv om han endelig ikke klarte å få tilgang til fakultetet. I hovedstaden bor han i "The Student Residence", Krausista sentrum, hvor han møter noen av de mest fremtredende avantgarde-kunstnerne i tiden, den såkalte Generasjonen av 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca og Salvador Dalí, som han holdt et nært vennskap med.

Han tilbrakte syv år i studiesenteret og endret studiene ved forskjellige anledninger, til han endelig meldte seg inn i filosofi og brev. Hans periode i hovedstaden betinget karrieren siden han takket være interessen for avantgarde smidde grunnlaget for å forklare hans måte å forstå kino på.

Komplett filmografi av Buñuel

• En andalusisk hund, 1929
• Gullalderen, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Grand Casino, 1947
• Den store hodeskallen, 1949
• Den glemte, 1950
• Suzanne, 1951
• Bedragets datter, 1951
• En kvinne uten kjærlighet, 1952
• Oppstigning til himmelen, 1952
• Bruten, 1953
• Han, 1953
• Illusjon reiser med trikk, 1954
• Robinson Crusoe, 1954
• Essay av en forbrytelse, 1955
• Elva og døden, 1955
• Dette er nordlys, 1956
• Døden i hagen, 1956
• Nazarin, 1959
• Det ambisiøse, 1959
• Den unge, 1960
• Viridiana, 1961
• Den utryddende engelen, 1962
• Dagbok til en servitør, 1964
• Simon fra ørkenen, 1965
• Vakker om dagen, 1967
• Melkeveien, 1969
• Tristana, 1970
• Bourgeoisiets diskrete sjarm, 1972
• Frihetens spøkelse, 1974
• Det mørke begjæret, 1977