De 10 kunstneriske hovedstrømmene: hva er de?

Gombrich sa i sin store kunsthistorie at kunst ikke eksisterer, kun kunstnere. Til en viss grad er dette helt sant, siden hver skaper uttrykker fra sin egen verden, unik og ikke-overførbar. Det er imidlertid ikke mindre sant at kunstnere ikke kan unnslippe tiden sin. Hvert kunstnerisk uttrykk er derfor underlagt en bestemt kontekst, og uansett hvor mye kunstneren prøver å ta avstand fra seg, forblir han underlagt den i større eller mindre grad.

Deretter skal vi lage en praktisk oppsummering av hva som er de kunstneriske hovedstrømningene i kunsthistorien. Denne artikkelen er bare en grunnleggende oversikt; La oss huske at ingenting er svart eller hvitt, og at det er et stort antall nyanser. Alle kulturer og alle tider har uttrykt kunst på en eller annen måte.

Det er vanskelig å oppsummere i en så liten artikkel de vesentlige egenskapene til dem alle, men vi vil prøve å gi en oversikt som kan være praktisk når det gjelder å forstå kunstens utvikling gjennom historien. Som et poeng, si det

Vi har fokusert artikkelen på vestlig kunst, siden det er helt umulig å oppsummere det universelle kunstneriske uttrykket på så liten plass.. Vi håper du finner det nyttig.

• Vi anbefaler deg å lese: "Hvorfor ble kunst skapt? En reise gjennom historien"

Hva er en kunstnerisk strømning?

Kunstneriske strømninger (også kjent som kunstneriske bevegelser) er settet med kreasjoner som dele kontekst og en rekke estetiske egenskaper, samt ideologiske mål fast bestemt. Etter denne definisjonen kan vi også kalle den kunstneriske strømmen kunsten skapt av de store eldgamle kulturene, som Egypt, Hellas eller Mesopotamia.

Dette er imidlertid ikke helt riktig. I de nevnte sivilisasjonene var det ingen annen mulighet for skapelse; det var det genuine uttrykket for kulturen som helhet, så det er litt risikabelt å kalle det en kunstnerisk strøm. Derfor skal vi starte vår reise fra de siste århundrene av middelalderen, da de forskjellige kulturelle bevegelser begynner raskt å følge hverandre for å kulminere i mosaikken av stiler som fant sted på det nittende århundre og i det tjuende

1. det romanske

Den romanske er kanskje den første fullt europeiske stilen, med noen veldig spesifikke globale kjennetegn.. Og selv om det er sant at det ikke var en like homogen stil som andre senere trender, som barokken eller Romantikken, det er sant at den på alle breddegrader i Europa deler en rekke elementer som gjør den mer eller mindre til en stil kompakt.

Det romanske dukket opp rundt 1000- og 1100-tallet i Burgund; nærmere bestemt i klosteret i Cluny. Derfra spredte den seg til resten av Europa, hvor hvert territorium badet det med sine egne egenskaper. Vi kan ikke gjøre en fullstendig analyse av hva det romanske er, men vi kan oppsummere at det arkitektonisk inkluderer romerske konstruksjonselementer (derav navn gitt til den på 1800-tallet) og at dens baser er den halvsirkelformede buen, tønnehvelvet og lyskehvelvet, blant mange andre elementer konstruktive.

Den arkitektoniske romanske adlyder behovet for forening av liturgien i Europa og utseendet til såkalte pilegrimskirker, med en helt bestemt struktur. I romanske bygninger, skulptur er vanligvis underordnet arkitektur, og vi finner et større overflod av skulpturell utsmykning på trommehinnene og på dørenes arkivvolter.

På den annen side trekker romansk maleri på bysantinske ikoner som kom fra øst med korstogene, samt mosarabiske miniatyrer. De er hieratiske malerier, veldig urealistiske, hvis hovedmål var å formidle et budskap, ikke kopiere virkeligheten. Av denne grunn er det verken perspektiv eller volum i romanske billedrom, og jordiske elementer er blandet med himmel og helvete, behørig adskilt av striper av lyse farger.

2. det gotiske

Den neste fullt europeiske stilen var gotisk. Spesielt ensartet var den såkalte internasjonale gotikken, som utviklet seg i det fjortende århundre og gjenopprettet den bysantinske gylne bakgrunnen med ideelt stiliserte figurer. I det gotiske begynner representasjonene å bli gjennomsyret av virkeligheten, og figurene har en tendens til å bli mer menneskelige. Det er tiden for byene, for handelens mas, for de store katedralene. De gotiske jomfruene begynner å være ekte mødre, langt unna Theotokos-jomfruene eller tronens jomfruer, hieratiske, som ikke samhandlet med barnet. På den annen side blir den korsfestede, både billedlig og skulpturell, naturalisert og begynner å vise smerte.

Det mest karakteristiske elementet i gotikken er selvfølgelig katedralene. Det arkitektoniske språket til disse bygningene er veldig nytt; Til tross for dette beskrev Giorgio Vasari på 1500-tallet disse konstruksjonene som "barbariske" (gotisk). Flyvende støtteben og støttebene sprer seg, designet for å gi stabilitet til en stadig høyere bygning med flere åpninger (de fantastiske gotiske glassmaleriene). Det er viktig å huske at, på samme måte som romansk, var de gotiske bygningene helt polykrom, et faktum som materialiserer den store kjærligheten som middelalderen følte for kromatiske toner tent.

3. Renessansen

Selv om klassisk kultur ikke ble glemt i middelalderen, er det under renessansen at den bevisst gjenopprette de klassiske forskriftene, for eksempel arkitekturavhandlingene til den romerske Vitruvius (1. århundre). jeg a. c.). Det er også på dette tidspunktet kunstneren intellektualiseres, som begynner å bli sett på som noe mer enn bare en håndverker.

Renessansen begynner i Firenze på begynnelsen av 1400-tallet, med verk som dørene til dåpskapellet eller den praktfulle kuppelen som Brunelleschi tegnet for katedralen., hvis diameter ikke hadde blitt oppnådd siden byggingen av Pantheon i det første århundre e.Kr. c. Arkitektene søker inspirasjon i antikkens konstruksjoner, mens malerne i fravær av modeller (Pompeii og Herculaneum var ennå ikke oppdaget) er inspirert av freskene som dekorerer Domus Aurea i Nero.

Likevel var den viktigste nyvinningen i renessansen matematisk perspektiv, kodifisert av Leon Battista Alberti (1404-1472) i sin avhandling De pictura, som han trakk på ideene til Brunelleschi. Fra da av vil maleriet søke å være et vindu åpent mot verden, hvor perspektivet oppnås gjennom et enkelt forsvinningspunkt hvor alle linjene konvergerer.

4. Barokk

I de siste årene av 1500-tallet er renessansen fullstendig uttømt, og i stedet, Manerisme dukker opp, som i maleriet er preget av en forlengelse og en stilisering av tall. Men i begynnelsen av det følgende århundre begynte en ny estetisk trend å ta over mot-reformatorisk Europa: barokken.

Det kan sies at barokken er barnet til den katolske kirkes motreformasjon, som trengte et uttrykksmiddel for sin tro.. Målet var å beholde de troende i romerkirken og hindre dem i å migrere til lutherdommen. Barokkspråket er altså en refleksjon av denne viljen; I maleriet fremmes følelser gjennom skildringen av lidelse. De bisarre legendene om helgenene, som protestantene forkynte mot, er eliminert og de hellige skikkelsene er representert med deres attributter. Religionen er senket til folket, og bibelske karakterer dukker opp i hverdagsscener, hvis modeller er hentet direkte fra virkeligheten.

Innen arkitekturen kan man si at barokken fortsatt er svært klassisistisk, spesielt i Frankrike. Slottet i Versailles er et godt eksempel på denne elegante franske klassisismen. På den annen side, og som vanligvis skjer i alle stiler, føder hvert territorium en annen barokk: i De forente provinser, for eksempel, hvor det ikke er noen og til den katolske kirke og hvor lånetakerne er byenes borgerlige, utvikles et intimt maleri, hvis maksimale representant er Johannes Vermeer.

5. rokokko

Feilaktig behandlet som en forlengelse av barokken, er rokokko et genuint uttrykk for første halvdel av 1700-tallet, opplysningstiden. Hånd i hånd med opplyste filosofer, feirer denne stilen livets sødme, intimitet, hjemmekomfort og alt som er vakkert i hverdagen.

Derfor er rokokkomotiver glade, festlige, ikke i det hele tatt dramatiske: pastorale, bukoliske, maskerade, galante, flørtende scener, etc. Med ett ord: rokokkoen er livsgleden, gleden ved å leve, for de velstående klassene i det gamle regimet.

6. Nyklassisisme

På mange måter markerer nyklassisismen et brudd med rokokkoen. Denne estetiske strømmen, som også dukker opp i Frankrike, i likhet med sin forgjenger, er det perfekte uttrykket for den nye franske republikken: en nøktern, stram, harmonisk og republikansk stil. Nyklassisismen er selvfølgelig inspirert av klassisk kunst. I maleriet har han en preferanse for grandiose og høytidelige temaer, som tjener som et dydsmønster for folket; gode eksempler på dette er lerretene til Jacques-Louis David (1748-1825), den store nyklassisistiske maleren. På den annen side er nyklassisistisk arkitektur praktisk talt en etterligning av gamle greske og romerske templer; man trenger bare å tenke på Madeleine-kirken i Paris for å innse dette.

Den nyklassisistiske stilen levde sitt høydepunkt under Napoleonstiden, siden dens romerske og kampistiske estetikk passet veldig godt til imperiet som Storkorsikaneren hadde skapt.. Etter Napoleons fall ble neoklassiske former foreldet, og til tross for det faktum at deres estetikk forble veldig levende (spesielt i arkitektur) gjennom hele 1800-tallet, i de første tiårene av århundret de første uttrykkene for Romantikk.

7. Romantikken

I kunsthistorien er det vanlig at en stil delvis blir født som et svar på den forrige stilen. Og selv om ingenting er svart eller hvitt og det er mange nyanser i denne uttalelsen, finner vi bevis på dette i tilfeller som romantikkens fødsel. Mens nyklassisismen var en apoteose for det republikanske, først, og det romerske riket, senere, med alle disiplin som dette innebærer, romantikken ble født som en rettferdiggjørelse av menneskelig subjektivitet og derfor av individuell. Kunst vil aldri mer bli sett på, i det minste utelukkende, som noe underlagt makt; det er kunstneren som skaper, det er hans jeg som gir opphav til kunstneriske uttrykk. Den autentiske skaperen er imot Akademiet og alle korsetterte normer som kveler kunsten.

Alle de påfølgende strømningene som opphøyer kreativ individualisme drikker fra romantikken: prerafaelittene, symbolistene, ekspresjonistene og selvfølgelig surrealistene.. Når det gjelder sistnevnte, utforsker de til det ytterste dypet av menneskets psyke, noe som romantiske hundre år før når de representerer drømmeverdener, forferdelige, fulle av spøkelser, graver og bilder av frukten av delirium. På den annen side legger den romantiske strømmen stor vekt på hjemlandet og nasjonen, så lenge det er det utgjøres av individer som bestemmer, og har en tendens til å idealisere nasjoners fortid og gjøre den til legende.

8. realisme og naturalisme

Rundt 1850 begynner romantikken å utløpe. Det er positivismens tid, teknologiske fremskritt, den andre industrielle revolusjonen. I byene vokser fabrikker og de elendige menneskene som lever under undermenneskelige forhold formerer seg. Det er da kunsten begynner å glemme de ideelle verdener forkynt av romantikerne og blir interessert i sosiale problemer og konflikter.

Både i den plastiske kunsten og i litteraturen er det gjennomgående temaet sosial fordømmelse. Sultende arbeidere som forlater fabrikkene som spøkelser; fillete og skitne barn; prostituerte, tiggere, vaskedamer, unge mennesker uten fremtid. Realismen er altså forpliktet til den sosiale virkeligheten..

Senere får den økende interessen for psykologi den realistiske strømmen til å utvikle seg mot naturalisme, som tar objektivitet og observasjon til det ytterste. Naturkunstneren, som i litteraturen er praktfullt representert av Émile Zola (1840-1902), ser virkeligheten som et forskningslaboratorium, hvor skapninger handler basert på stimuli fra halv. I denne svært vitenskapelige kunsten er det derfor ikke plass for subjektivitet, og langt mindre for skjønnheten i seg selv.

9. Estetismens strømninger

Som svar på denne kunsten som har blitt vitenskap og som ignorerer verdens skjønnhet, dukket det opp en rekke strømninger på slutten av 1800-tallet som forkynte kunst for kunstens skyld. Dette er tilfellet med det prerafaelittiske brorskapet, dekadensen, parnassianismen, symbolismen og jugendstilen, bedre kjent i latinamerikanske land som modernisme.

Vi kan ikke snakke om alle disse strømningene her, men vi kan peke på hva de har til felles: en kraftig aversjon mot positivisme, mot teknologisk fremskritt, mot fabrikker, mot vitenskapelig fremgang som en kastrator av skjønnhet. Derfor vil alle disse estetiske strømningene ønske å vende tilbake til kunsten som den eksklusive skaperen av skjønnhet.

10. fortroppene

Igjen kan vi ikke snakke om alle avantgardene som spredte seg i løpet av de siste årene av 1800-tallet og de første tiårene av 1900-tallet, men vi skal i det minste prøve å navngi dem. De offisielle fortroppene dukker opp på begynnelsen av 1900-tallet. Den første av disse anses å være fauvisme, en strømning som verdsatte farger som et middel for subjektivt uttrykk, ikke som en imitator av virkeligheten. Etter Fauves, som holdt sin første utstilling i 1905, avantgarden fulgte hverandre så raskt at noen av dem overlappet: ekspresjonisme, futurisme, kubisme, dadaisme, surrealisme...

Avantgarden er hovedtrekket i det 20. århundres kunst. De er en serie bevegelser som går i strid med de etablerte normene, grupper av kunstnere med særtrekk felles som går sammen for å danne en slags billedskole, vanligvis med et grunnleggende ideologisk manifest. For tiden lever vi i en ny æra av individualitet som skaper kunstneriske strømninger uskarpe og fragmentere i tusen biter, så vi kan nesten ikke snakke om strømninger, men om kunstnere. Men er det kanskje slik at det innerst inne (og som Gombrich sa) ikke alltid har vært slik?