Claude Monet: arbeider, analyse og betydninger

Claude Monet (1840-1926) var en fransk malerrepresentant for impresjonismen, anerkjent for begge sine billedlige funn i behandlingen av lys, som for å ha laget maleriet som skulle gi navnet til bevegelse.

Sammen med andre kunstnere var Monet ansvarlig for å ha åpnet døren til originaliteten til plastspråket gjennom behandling av lys og studiet av oppfatningen av farge. La oss bli kjent med noen av hans viktigste arbeider i denne artikkelen.

1. Lunsj på gresset, 1865-1866

I 1863 ødela kritikere Edouard Manet på den offisielle salongen i Paris på grunn av hans arbeid Frokost på gresset. Imidlertid hadde Claude Monet blitt fascinert av stykket og bestemte seg for å lage sin egen versjon som en hyllest til den kontroversielle maleren. Monets ville ha de ambisiøse dimensjonene på fire meter høye og tjue meter lange. Det var samtidig en utfordring.

Han begynte å male Lunsj på gresset i 1865, så på for å delta i salongen 1866. Hans prekære økonomi fikk ham til å forlate prosjektet og måtte tilby det som en garanti for betaling av husleien. Lerretet ble rullet opp og lagret av den midlertidige eieren til Monet hentet det i 1884. Gitt den bemerkelsesverdige forverringen, måtte den kuttes ned. Bare to fragmenter gjenstår av verket: det sentrale og venstre.

På scenen representerer maleren en piknik lunsj i en uformell og hverdagslig luft. Markering avstand med Edouard Manet, fjerner han naken og kler alle karakterene, hvis kostymer avslører deres livsstil. Karakterene er absolutt borgerlige som feirer festen for å leve, uten skandale, uten betydning. Monet er ikke interessert i temakonflikter mer enn i plastisk språk.

Selv om det originale stykket ikke klarte å bli fullstendig bevart, a Studer til lunsj på gresset. Den mest åpenbare forskjellen er i den unge mannen uten skjegg som ser ut å sitte på duken. Denne karakteren erstattes av en skjegget mann som ser ut som en referanse til Gustave Coubert, en realistisk maler veldig beundret av Monet som ville ha bestemt seg for å besøke ham i verkstedet sitt de dagene da Monet jobbet i utkast.

2. Camille med grønn kjole, 1866

Bilde Camille med grønn kjole av Claude Monet ble utstilt i den offisielle salongen i 1866 og ble allment akseptert, noe som ikke var til smak av Edourad Manet som, forvirret med Monet, mottok gratulasjoner ved en feil. I tillegg hadde Manet vært i kritikkens øyne i 1863, og den offisielle salongen hadde avvist ham i 1865 på grunn av maleriet hans. Olympia.

I boken hans Impresjonisme, Sammenligner Paul Smith bildet Camille med grønn kjole med arbeidet Damen med hanske av Carolus-Duran, en disippel av maleren David og en fast deltaker i royalistiske kretser i Paris. Selv om Carolus-Duran-stykket er senere enn Monets, tillater sammenligningen Smith å konkludere med det Monet hadde tatt en viktig del av det realistiske billedspråket, høyt verdsatt i den store salen Offisielt. Derfor ble det innrømmet.

I sin analyse skiller Smith ut at Monet har fått kjolen på seg, ved å bruke en kunstig positur som er typisk for moteillustrasjoner. Samtidig har det gitt scenen kunstig lys for å fremheve karakteren. Monet avslører elementer som husker Couberts belysning og varme og linjen til Manet, som utøvde stor innflytelse på ham.

3. Kvinner i hagen, 1867

Paul Smith sammenligner lerretet Kvinner i hagen av Monet med Minerva og takk av Charles Greyre, i hvis verksted Monet jobbet en stund. Med dette fremhever Smith den sanne revolusjonen til den impresjonistiske generasjonen.

Som det var vanlig i kunsten, representerer Greyre en episode av litterær-narrativ karakter som prøver å eviggjøre platoniske idealer av skjønnhet og godhet gjennom fremstilling av myten om Minerva, visdomsgudinnen og de tre nådene, symbol på skjønnhet. Dumpet inn i innholdet blir malernes teknikk usynlig slik at motivet skinner, uten å etterlate et spor av linjen.

Et år senere utførte Monet et lerret som også representerer fire kvinner i et vegetabilsk miljø, men dette vil være vanlige kvinner. Maleren representerte ikke en evig verdi, men et flyktig og flyktig øyeblikk, et morsomt møte mellom venner som feirer det borgerlige livet. De er symbolet på den nye middelklassen som søker å bygge sin egen verdi.

Monet skjuler ikke teknikk på lerret. Tvert imot, han stiller den ut, viser linjen, leder betrakterens oppmerksomhet til det plastiske språket som Greyre og alle de tradisjonelle malerne bevisst har skjult.

Som det var typisk for den spirende stilen, benytter Monet seg av blå og grønne farger for å skygge og modifisere huden på karakterene. Før du skildrer det intense sommerlyset som tar over scenen. Det som er transcendent, vil da være billedspråket.

Se også Impresjonisme: egenskaper, verk og forfattere.

4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Det er en serie med forskjellige marine-malerier fra forskjellige vinkler og øyeblikk. I dette lerretet er Monet mye involvert i behandlingen av lys og dets effekter på gjenstander. Den leveres raskt til den fulle form for impresjonisme.

Fra jobb til frisk luftEn ting som bare var mulig på det tidspunktet takket være oppfinnelsen av oljerør, utnyttet Monet en hastig linje for å gi liv til de lysende inntrykkene og øyeblikkets forgjengelighet. Tilskueren deltar på scenen som en til. Det er ingen moralsk dom, det er ingen tematisk betydning. Interessen har vendt seg til plastisk språk.

Renoir laget en versjon av samme scene med Monet.

Det kan interessere deg: Renoir: de viktigste verkene til den impresjonistiske maleren

5. Valmuefelt, 1873

I 1871 bosatte Monet seg midlertidig i Argenteuil, hvor han solid utviklet den stilen han hadde oppdaget, takket være landskapet som byen tilbød ham. Fra dette stadiet er arbeidet Valmuefelt, utstilt i Hall of the Avvist i 1874 sammen med 8 andre stykker.

To seksjoner atskilt med skrå linjer skiller seg ut i tabellen. Til venstre, i valmuefeltet, dominerer rødt, mens til høyre dominerer blågrønt. På scenen krysses valmuemarken av to par kvinner og barn. Den som skiller seg ut i forgrunnen er Monets kone, Camille, og deres sønn Jean, som ofte var modeller for sine malerier.

6. Inntrykk av den stigende solen, 1872

Blant maleriene som Monet presenterte i Hall of the Avvist, forårsaket man en skikkelig skandale: Inntrykk av den stigende solen. Påvirket av arbeidet til den engelske romantiske maleren William Turner, påførte Monet tykke penselstrøk, nesten flekker som knapt antyder figurasjon. Prinsippet om komplementaritet av farger gjør inngangen åpen. Fargene, plassert side om side, skaper oppfatningen av komplette fargetoner.

Atmosfæren ser overskyet ut og vannet ser ut til å bevege seg med passering av små båter. Langt fra et landskapslandskap representerer Monet en industrialisert havn i bakgrunnen, der dampmaskiner og andre strukturer griper inn i den himmelske tåken. Han har ikke skjult noe. Livet er der for maleren å skildre. Solen, som motstår å berøre disse strukturene, forlater sin oransje sti på havets bølger.

Etter utstillingen i 1874 beskyldte kunstkritikeren Louis Leroy, med utgangspunkt i navnet på den provoserende liezo, Monet for å begrense seg til en ren "impresjonisme". Med den største verdighet antok Monet og hans generasjon denne inhabiliteten som bevegelsens navn.

Se også 16 kule malerier av Vincent Van Gogh.

7. Serie Saint-Lazare stasjon, 1877

Rundt 1877 flyttet Monet tilbake til Paris og svarte på sitt ønske om å være en maler av ham tid, i stedet for å legge til side hverdagsverdenen til industribyen, inkorporerer den den i sin lerret. Det vil være Saint-Lazare-stasjonen som gir Monet muligheten til å fortsette å utforske lysstyrken og teksturene til damp. Maleren vil tilegne syv lerret til Saint-Lazare-stasjonen.

I motsetning til andre serier der Monet skildrer det samme landskapet under forskjellige atmosfæriske variabler, som f.eks Rouen katedral, på Saint Lazare stasjon Monet vil skildre ikke bare forskjellige atmosfærer, men forskjellige mål, innstillinger og perspektiver på livet på stasjonen.

8. Serie Høystakker, 1890-1891

Rundt 1883 flyttet Monet til Giverny med sin nye partner, Alice Hoschedé, etter at Camille gikk bort i 1879. Der er han viet til å utforske de nye mulighetene som det lokale landskapet gir ham. Uten å planlegge det slik endte han opp med å utvikle en av sine mest kjente serier, Høystakker, som dekker totalt 25 lerreter. Monet klarer å fange lysmangfoldet som skiller hver periode på året, på haugene med hvete.

Monets estetiske ambisjoner vokste over tid. Noen av disse bildene ble senere retusjert i studioet for å nå et høyere nivå av perfeksjon. I virkeligheten trengte han, sier Paul Smith, ikke bare for å skildre en lyseffekt, men for å lage en harmonisk komposisjon og en estetisk enhetlig serie.

9. Serie Rouen katedral, 1890-1894

I en tid da Frankrike var vitne til en gjenopplivelse av interessen for katolskhet, innvier Monet å utvikle denne serien inspirert av katedralen i Rouen, som ligger i den franske regionen Normandie.

Det var utsikten fra vinduet i et studio han hadde leid over gaten. Serien hadde mer enn tretti stykker, og åtte av dem ble solgt før de ble utstilt.

I tillegg til å fange lysstyrken, et karakteristisk element i arbeidet hans, klarer Monet mesterlig å fange porøsiteten og teksturen til steinfasaden til den religiøse bygningen.

10. Serie Parlamentets London, 1900 til 1904

I løpet av et opphold i London sammen med sin kone Alice, er Monet dedikert til å skildre utsikten fra St. Thomas Hospital, som lar ham fange Themsen og det omkringliggende landskapet. Serien av Londons parlament og også Charing Cross Bridge og Waterloo Bridge.

I serien om ham Londons parlament, Klarer Monet å representere bygningen flettet med byens karakteristiske tåke. Men denne gangen vil parlamentet nesten være en fantasmagoria, en silhuett som åpnes i en ladet og overskyet bakgrunn, forvandlet til skygge. Det minner oss om verkene til William Turner.

Flere år senere ville han gjøre det samme i Venezia-serien, som han ville besøke sammen med sin kone i hendene på en gruppe kunstentusiaster, og hvor han ville fange forskjellige scener i den symbolske byen.

11. Serie Liljeputer, 1883-1924.

Under oppholdet i Giverny dyrket Monet en vakker hage med en japansk bro. Den Giverny-hagen var ikke bare Monets hobby. Det var også hans inspirasjonskilde, spesielt de siste årene av livet hans.

Gjennom årene utviklet maleren en ekte lidenskap for å skildre underverkene i hagen sin på lerretene sine: vannliljer. Serien ville nå til sammen 250 lerret, i dag distribuert i mange rom og gallerier over hele verden.

Del av Liljeputer Monets ble malt rundt den første verdenskrigens tid. Selv om Monet var i en privat og stille verden, sa Paul Smith at man fra huset hans kunne høre togene som gikk med ammunisjonen. Ifølge forskeren er det mulig å tolke denne serien som et forsøk fra maleren på å bevare verden som krigen truet med å ødelegge.

Faktisk ville Monet ende opp med å donere en del av serien til den franske staten som et symbol på fred, like etter signeringen av våpenhvilen til Compiègne, undertegnet 11. november 1918. Dette eksemplet, som i dag er bevart i Museum of the Orangerie, regnes som "Impressionismens sixtinske kapell".

Claude Monet på Youtube