Renesans: czym jest i jakie są jego cechy

Jest to prawdopodobnie jeden z najbardziej znanych okresów artystycznych w historii sztuki. Renesans jest znany na całym świecie, zwłaszcza dzięki swoim najważniejszym artystom. Nazwiska takie jak Brunelleschi, Botticelli, Raphael, Leonardo czy Michelangelo należą prawdopodobnie do najbardziej wyrazistych wśród osób zainteresowanych sztuką uniwersalną.

Czy naprawdę wiemy, co reprezentował renesans, poza stereotypami ciągnącymi się od wieków? W niniejszym artykule postaramy się zagłębić w realia tego ruchu, który miał wymiar nie tylko artystyczny, ale także filozoficzny i społeczny.

Co to jest renesans?

Podobnie jak w przypadku większości nomenklatur, słowo „renesans” weszło do użytku dopiero kilka stuleci po czasie, do którego się odnosi. Konkretny, Dopiero francuski pisarz Honoré de Balzac w 1829 roku po raz pierwszy wprowadził ten termin w swojej powieści Bal de Sceau. Balzac odwołuje się do kultury zapoczątkowanej we Włoszech w XIV wieku i wzorującej się na klasycznych wzorcach. Wiele lat później historyk Jules Michelet poświęcił w swojej pracy termin „renesans”. renesans (1855).

„Renesans” możemy rozumieć jako ruch kulturowy, który rozpoczął się we Włoszech (a konkretnie we Florencji) poprzez początku XV wieku i rozbudowany do końca XVI wieku, co zakłada przywrócenie wzorców Antyk. Należy jednak zauważyć, że te klasyczne modele istniały przez całe średniowiecze. Tym, co czyni renesans „innym”, jest pełna świadomość jego artystów, że żyją renovatio, czyli „przebudzeniem” tych antycznych wzorców.

Ogólnie, Renesansowi intelektualiści i artyści postrzegają siebie jako wskrzeszaczy „prawdziwej sztuki”, które uważali za utracone podczas długich wieków średniowiecznego „letargu”. Giorgio Vasari, jeden z najważniejszych teoretyków XVI wieku, uważa sztukę średniowiecza za „dziecięce” sztuki, podczas gdy Quattrocento (czyli włoski XV wiek) miało reprezentować jego „młodość”, pierwsze ujęcie świadomość. Wreszcie Cinquecento (XVI wiek) byłoby dojrzałością sztuki, z tak ważnymi nazwiskami jak Leonardo, Michelangelo i Raphael.

Ale... Czy renesans był autentycznym odrodzeniem tej starożytnej sztuki? Wspomnieliśmy już, że w średniowieczu nie zapomniano o klasykach. Nie tylko na polu filozoficznym, gdzie odnajdujemy silną obecność Platona (na przykład w szkole z Chartres) i Arystotelesa (w myśli św. Tomasza z Akwinu), ale także w sztuce Plastikowy.

Rzeczywiście, w średniowiecznej rzeźbie i architekturze odnajdujemy motywy zaczerpnięte z antyku, które są żywym świadectwem, że średniowiecze w żaden sposób nie oznaczało zerwania z duchem czasu klasyczny. Jednak intelektualiści i artyści renesansu tak uważali. Nie na próżno Vasari nazwał sztukę średniowiecza „potworną i barbarzyńską”, koncepcję, która, nawiasem mówiąc, pozostawała aktualna aż do XIX wieku.

Więc, Renesans zakłada „przebudzenie” w podwójnym znaczeniu. Po pierwsze dlatego, że jak już wspomnieliśmy, jako pierwsi dowiedzieli się o przerobieniu tej klasycznej renowacji w radykalnym zerwaniu z tradycją średniowieczną, równym lub bardziej radykalnym niż to, czym było wówczas średniowiecze klasyczny; Po drugie, ponieważ faktycznie następuje przejście od społeczeństwa teocentrycznego do humanistycznego, co de facto zakłada prawdziwe zerwanie ze średniowieczem.

• Powiązany artykuł: „5 wieków historii (i ich charakterystyka)”

„Zerwanie” z tradycją

Pęknięcie, którego istnienia świadom był renesans, nie może być ściśle uważane za takie. Przede wszystkim dlatego, że widzieliśmy już, że w średniowieczu nie zapomniano o klasykach. A po drugie, i to nie mniej ważne, ponieważ w okresie renesansu nadal używali źródła średniowieczne, takie jak typologia niektórych budowli, ikonografia i niektóre procedury technicy.

Z tych wszystkich powodów możemy stwierdzić, że renesans nie był w żadnym wypadku radykalnym przełomem, o którym myśleli sami renesansowcy. W rzeczywistości historyk Johan Huizinga utrzymuje w swojej pracy Jesień średniowiecza, że ostatnie wieki średniowiecza reprezentowały przygotowanie etapu renesansu, a nie oznaczały w żaden sposób jego antytezy. A ze swojej strony historyk sztuki Erwin Panofsky mówił już o różnych „renesansach”. Więc to rozumiemy to, co zostało nazwane „renesansem”, jest niczym więcej niż kolejną z wielkich pułapek oświeconej historiografii europejskiej, ten sam, który określał dziesięć wieków, które nastąpiły po upadku Cesarstwa Rzymskiego „średniowiecza”.

W każdym razie istnieje szereg czynników, które określają jasny kontekst, w którym znajduje się to „pęknięcie”. Wspomnieliśmy już, że pod koniec XIV wieku nastąpiło przejście od społeczeństwa teocentrycznego do myśli humanistycznej. Stopniowy upadek świata wiejskiego, zapoczątkowany już w połowie średniowiecza, a także tzw konsekwentny rozwój miast, przyczyniają się w zasadniczy sposób do przyspieszenia tej zmiany sposób myślenia.

Nowa grupa społeczna, która wyłania się w miastach, burżuazja, odegra fundamentalną rolę w całym tym procesie.albo. Miejscy kupcy i bankierzy tworzą potężną oligarchię, która kontroluje miasta i jednocześnie działa jako potężni mecenasi. Tak więc od XIV wieku artyści znajdą się pod opieką tych ważnych postaci i tak jest Dzięki temu połączeniu sił niektóre z najważniejszych dzieł sztuki historia. Wystarczy wspomnieć o potężnej rodzinie Medyceuszy we Florencji.

Tak więc, jeśli Renesans reprezentuje prawdziwe zerwanie ze światem bezpośrednio poprzedzającym, to jest to w koncepcji artysty i relacjach, które utrzymuje ze swoimi klientami. Artysta nadal był narzędziem w rękach swoich mecenasów, ale ci wykorzystują swoich podopiecznych w wyraźnym celu zróżnicowania i politycznej propagandy. Każdy potężny człowiek otrzymuje styl, który go reprezentuje: Sforza w Mediolanie, Juliusz II w Rzymie, Medyceusze we Florencji. Ponadto kolekcjonowanie dzieł sztuki staje się także symbolem statusu i władzy.

Z drugiej strony średniowieczny mechaniczny zawód artystów rozpływa się w znacznie bardziej intelektualnym pojmowaniu sztuki i jej procesów. Traktaty o sztuce, takie jak słynny De Pictura Leona Battisty Albertiego (1435), ogromnie pomagają w uważać artystę za coś więcej niż tylko rzemieślnika, zakładając, że do wykonywania swojej pracy potrzebuje pewnych cech intelektualnych. W wyniku tej nowej refleksji artyści zaczynają przedstawiać siebie w swoich pracach i podpisywać je.

• Możesz być zainteresowany: „8 gałęzi nauk humanistycznych (i to, co każdy z nich studiuje)”

Nowy język figuratywny: perspektywa

Zmiany, które nastąpiły w okresie renesansu, miały raczej charakter filozoficzno-literacki niż plastyczny. Poprzez przewartościowanie filozofii starożytnej stworzono podstawy do stworzenia nowego systemu formalnego., co przejawia się później w różnych nurtach artystycznych. Modele starożytności są narzucane jako jedyne zwierciadło, w którym ludzie renesansu przeglądają się i szukają swojego estetycznego ideału.

Ale gdzie szukać starych wzorców w malarstwie? Ponieważ tak jak rzeźbiarze i architekci mają przykłady, z których mogą czerpać inspirację, tak samo nie jest w przypadku malarstwa. W XV wieku Pompeje i Herkulanum nie były jeszcze odkryte, co czyniło to niezwykle trudnym zadanie znalezienia obrazkowych modeli ze starożytności, na których można oprzeć nowy język symboliczny. W tym celu pomogło odkrycie w 1480 roku Domus Aurea Nerona w Rzymie, którego freski pomogły ustanowić, choć z opóźnieniem, pewne modele obrazkowe, które służyłyby jako modele dla malarzy renesans.

Przykładem tego są "groteski", malarskie ornamenty oparte m.in. na dekoracjach roślinnych, postaciach ludzkich i fantastycznych zwierzętach, które zdobiły ściany pałacu Nerona. Jednak ekscentryczność tych dekoracji przyniosła im ostrą krytykę ze strony pisarzy traktatów, takich jak Giorgio Vasari.

To właśnie Vasari położył podwaliny pod to, co rozważał „dobre malarstwo”, które w zasadzie miało opierać się na harmonii i proporcjach, a przede wszystkim na właściwej perspektywie. Prawdopodobnie ta ostatnia koncepcja najbardziej interesowała artystów renesansu; osiągnąć, jak powiedział Alberti, „okno”, przez które można było przejrzeć wycinek przestrzeni. We Włoszech perspektywa w przedstawieniach obrazowych została osiągnięta około 1422 roku: freski w kaplicy Brancacci autorstwa Masaccia są tego dobrym dowodem.

Włosi z Quattrocento zdołali opanować perspektywę, odchodząc od wielości punktów widzenia, z których korzystali malarze z Trecento. Zamiast tego umożliwili to „okno”, przez które mówił Alberti dokładną perspektywę matematyczną, co sprawia, że ​​wszystkie linie kompozycji zbiegają się w jednym znikającym punkcie. W tym przedsięwzięciu kluczowy był wkład architekta Filippo Brunelleschiego. Nie mniej jednak prawdą jest, że we Flandrii prymitywy flamandzkie doszły do ​​równie ważnego rozwiązania innym procesem.

malarstwo flamandzkie z XV wieku, m.in. Jan van Eyck i Roger van der Weyden, reprezentował tak radykalną zmianę form gotyckich, jak malarstwo renesansowe we Włoszech. W przypadku Flamandów perspektywa została osiągnięta poprzez uważną i absolutnie empiryczną obserwację rzeczywistości.

Rezultat flamenco był tak zaskakujący i wyjątkowy, że jego styl rozprzestrzenił się w całej Europie, do tego stopnia, że ​​terytoria takie jak Anglia, Austria czy Półwysep Iberyjski wzorowały się bardziej na modelach flamandzkich niż renesansowych, które wyrosły z Włochy. Sami artyści włoskiego Quattrocento głęboko podziwiali tych innowatorów z Flandrii, a między dwiema europejskimi szerokościami geograficznymi odbywa się wiele wymian artystycznych. Dość powiedzieć, że XV-wieczny humanista z Genui, Bartolommeo Fazio, nazywa Jana van Eycka „czołowym malarzem naszych czasów”.

Wszystko zaczęło się we Florencji

Jeśli jest jakieś miejsce, które przychodzi nam na myśl, gdy mówimy o renesansie, to jest to oczywiście Florencja.. To w tym mieście rozwija się humanizm, nurt kulturowy i myśl, która potwierdza zdolność człowieka do poznania siebie i otaczającego go świata. Ale postawmy się w kontekście.

W 1402 roku wojska mediolańskie dowodzone przez Giana Galeazzo Viscontiego zbliżają się do Florencji i zagrażają pokojowi i dobrobytowi panującemu od lat w Republice Florenckiej. Atak na Mediolan powtarza się w latach 20. XV wieku; drugie zagrożenie, które zostało powstrzymane dopiero dzięki sojuszowi między Florencją a Wenecją (1425). Te ciągłe roszczenia militarne tylko ożywiają wartości republikańskie, którymi Florentczycy wymachują przeciwko temu, co uważano za książęcą dyktaturę. W ten sposób mecenasi i artyści zaczęli szukać plastycznego języka, który odzwierciedlałby te republikańskie ideały.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych? Podsumowanie jego właściwości”

Ghiberti i Masaccio, wielcy renowatorzy tworzyw sztucznych

W 1401 roku we Florencji odbył się konkurs na artystę, który wykonałby drugie drzwi baptysterium. Zwycięzcą został Lorenzo Ghiberti; Jego pierwsza praca w Baptysterium, choć uważana jest za „manifest” sztuki renesansowej, nadal zachowuje wiele wpływów form tzw. gotyku międzynarodowego. Dopiero druga praca Ghibertiego nad baptysterium (trzecie drzwi, wykonane w latach 1425-1452) doceni, tym razem bez wątpienia, głośne pojawienie się nowego języka plastycznego co obejmuje między innymi wprowadzenie perspektywy poprzez regulację skali przedstawionych figur.

Jeśli praca Ghibertiego dla Baptysterium stanowi innowację w rzeźbie, to Masaccio (1401-1427) dotyczy malarstwa. Freski, które artysta stworzył dla Kaplicy Brancaccich we florenckim kościele Santa Maria del Carmine, reprezentują prawdziwą rewolucję. Wśród nich wspaniały Hołd dla Cezara, którego realizm i siła figur musiały być dla współczesnych mu prawdziwym objawieniem. W ten sam sposób śmiała perspektywa architektoniczna zawarta w jego fresku Trójca Święta w Santa Maria Novella wydaje się otwierać dziurę w ścianie kościoła. Jest to „okno”, o którym mówi Alberti; Masaccio w końcu to urzeczywistnił.

Brunelleschi i niemożliwa kopuła

Od połowy XIV wieku Florentczycy chcieli wyposażyć swoją katedrę w kopułę, która uczyniłaby ją największą w chrześcijaństwie.. Jednak wielkość projektu zmroziła obawy architektów: trzeba było zachować nie mniej niż 43 metry średnicy, co jest praktycznie równe środkom Panteonu w Rzymie. Od tamtej pory nikomu nie udało się wznieść takiej kopuły.

Prace ostatecznie rozpoczęto w 1420 r., Komisja dała się uwieść śmiałemu planowi Brunelleschiego, który miał na celu podniesienie kolosalna konstrukcja bez pomocy rusztowań i szalunków (od podstawy kopuły zostałaby podniesiona za pomocą pasów poziomy). Projekt trwał 16 lat (śmieszny czas, jeśli weźmiemy pod uwagę wielkość firmy). W 1436 roku, według własnych słów Albertiego, kopuła Florencji „pokryła swoim cieniem całą Toskanię”. Od Panteonu, czyli od czasów rzymskich, nie osiągnięto niczego podobnego. Kopuła Brunelleschiego jest prawdziwym punktem orientacyjnym w architekturze renesansu.

• Możesz być zainteresowany: „Czy istnieje sztuka obiektywnie lepsza od innej?”

Inne ośrodki renesansu

Florencja była niekwestionowanym centrum, z którego promieniował humanizm i nowy język renesansu, ale były inne włoskie ośrodki, które przyjęły te idee i uczyniły je swoimi własnymi, aby stworzyć własna wersja. Zobaczmy je poniżej.

Rimini, na czele której stał Segismundo Malatestawykorzystał nową ekspresję artystyczną jako podstawę swojej oficjalnej propagandy. Renesans dworu Malatesta opierał się zasadniczo na rycerskim duchu i znajomości klasyków. Jednym z przykładów renesansu w Rimini jest kościół San Francesco autorstwa Leona Battisty Albertiego. Ponadto Malatesta przyciągnął na swój dwór malarza Piero della Francesca.

Wenecja była miastem o wielkim ładunku orientalnym, które od średniowiecza stanowiło punkt styku światów europejskiego i bizantyjskiego. W związku z tym renesans wenecki nadal przyjmuje modele bizantyjskie i łączy je z rzymskim słownictwem architektonicznym i dekoracyjnym.

Ze swojej strony Federico de Montefeltro opracowuje ogromny program przyciągania talentów na swój dwór w Urbino, wśród nich wybitny Piero della Francesca, którego portrety księcia i księżnej Urbino w ścisłym profilu, naśladujące rzymskie monety, są dość znane. Ogólnie rzecz biorąc, ikonografia łączy elementy chrześcijańskie i mitologiczne, co jest czymś powszechnym w sztuce renesansu.

Wreszcie, w Mantui Ludovico Gonzaga odwołuje się do swojego zamiłowania do klasycznej starożytności, aby zreformować miasto. Zaliczają się do tego m.in. Leon Battista Alberti (kościół San Andrés) i Andrea Mantegna (freski w komnacie małżonków). Uwzględnienie artystów renesansu sugeruje, że mają oni znacznie wyższy status niż mieli w poprzednich stuleciach. W ten sposób Mantegna nakazał budowę swojego pałacu w Mantui, który jest zgodny z typowymi wzorami architektury renesansowej i którego geometria jest zgodna z przykazaniami rzymskiego architekta Witruwiona, odniesieniem pisarza architektonicznego epoka.