Andy Wharhol: 7 kultowych dzieł geniusza pop-artu

Andy Warhol jest uważany za ojca pop-artu, ruchu artystycznego powstałego w połowie XX wieku, który włączył do repertuaru tematy kultury masowej sztuki i przełamał aurę intelektualizmu, z jaką przyjmowano sztukę, zwłaszcza po ruchach takich jak abstrakcyjny ekspresjonizm Jacksona Pollock.

Warhol był artystą prowokacyjnym i skandalicznym, nie zainteresowanym ukrywaniem swojego zainteresowania pieniędzmi. Jego geniusz polegał na umiejętności przełamywania artystycznych stereotypów, stosowania kryteriów komunikacji reklamowej do sztuki i ujawniania hipokryzji pola sztuki.

W tym artykule zapraszamy do zwiedzania najbardziej emblematycznych dzieł autora, które naznaczyły przed i po historii tzw. sztuki współczesnej. Prace te wywołały liczne i niewyczerpane dyskusje na temat roli i funkcji sztuki w czasach nowożytnych.

Seria Puszki zupy Campbella

Kto powiedział, że puszka zupy może być motywem artystycznym? To była jedna z pierwszych kontrowersji, jakie Andy Warhol wywołał tą prowokacyjną pracą. Od indywidualnej reprodukcji zupy do powstania serii, Warhol znajduje się ironicznie wobec rzeczywistości społeczeństwa konsumpcyjnego i wobec społeczności artystycznej, która nie chce not Zmierz się z tym.

Jeśli sztuka musi reprezentować rzeczywistość symboliczną lub kondycję ludzką, dlaczego odmawia uznania wszechobecnej marki przemysłu i kultury konsumpcyjnej w społeczeństwie? Czy kultura konsumpcyjna nie jest rzeczywistością obyczajów lat 60.? Przecież sam Warhol twierdził, że jadł tę zupę codziennie przez 20 lat.

Ten konsumpcyjny przedmiot, niepoetycka, uprzemysłowiona żywność, stał się tematem dyskusji na scenie kulturalnej. Ale zuchwałość Warhola nie była osamotniona w wybranym temacie. Tak też wyglądał sposób przedstawiania i zastosowana technika: seryjna reprodukcja obrazów oparta na sitodruku.

W ten sposób Warhol zadałby cios dwóm wielkim kluczowym punktom świata sztuk pięknych: znaczeniu tematu oraz wartości „unikalnego” i „oryginalnego” obiektu artystycznego.

Seria Marilyn Monroe

W 1962 Marilyn Monroe zmarła w kwiecie wieku. Marilyn stała się ikoną amerykańskiej popkultury i wywarła ogromny wpływ na wyobraźnię społeczną. Ale nie za to Marilyn była w pełni ceniona. W odróżnieniu.

Warhol rozpoczyna serię portretów Marilyn Monroe w technice sitodruku, w których następujące są drukowane z oryginalnego obrazu. Im więcej razy obraz jest odtwarzany, tym bardziej staje się rozmazany lub wypaczony.

W ten sposób Warhol podkreśla wielką hipokryzję świata Hollywood: Marilyn była ikoną zniszczoną przez wielokrotne eksponowanie jej piękna jako rzekomej wyjątkowej wartości.

Zobacz też: Pop-art czy pop-art: charakterystyka, artyści i najważniejsze dzieła.

Autoportret

Warhol spędził wiele lat swojego życia mając obsesję na punkcie zarabiania pieniędzy, co skłoniło go do narzucenia się na… świat artystyczny stosujący zasady reklamy i świadomie ignorujący zasady sztuki standardowy.

W ten sposób Warhol potraktował siebie jako ikonę popkultury poprzez serię autoportretów, jak pokazano na obrazku. Jednak autor przez całe życie stosował różne koncepcje i techniki autoportretu.

zamieszki rasowe

Większość tematów eksplorowanych przez Warhola dotyczyła symboli popkultury, które uważa za motywy reprezentacji. Ta cecha przyniosła mu opinię powierzchownego, ale Warhol nie był osobą nieświadomą tego, co się wokół niego dzieje.

Po konfrontacjach rasowych w 1963 roku Warhol interweniuje serią prowokacyjnych obrazów, w których potępia hipokryzję narodu, który twierdzi, że broni równości, ale nadal wykazuje oznaki dyskryminacji rasowy.

W tym celu Warhol odtwarza fotografię wydarzeń i ingeruje w kolory niebieski, czerwony i biały, typowe dla flagi amerykańskiej. Gest byłby frontalny: gdyby kultura Ameryki Północnej była reprezentowana przez zupę, a przez Marilyn, także dyskryminację.

Aby wykonać tę pracę, Warhol przywłaszczył sobie zdjęcie Charlesa Moore'a opublikowane w czasopiśmie Życie, który był pozwem o naruszenie praw autorskich.

Właściwie ten obraz, a także Narodziny Wenus według Botticellego lub ich wersje Mona Lisa ujawniają jeden z konstytutywnych elementów sztuki współczesnej od pop Art przekształć świat sztuk pięknych: przywłaszczaj sobie symbole dostępne w środowisku, aby nadać im nowe znaczenie.

Mao Tse-Tung

Lata sześćdziesiąte odpowiadają okresowi zimnej wojny, kiedy światu groziła potencjalna konfrontacja nuklearna między krajami kapitalistycznymi i komunistycznymi. Do tego czasu radykalna lewica miała wielu zwolenników w szeregach zachodniej inteligencji, Ale straszne zbrodnie, które miały miejsce w domach w tych krajach, również zaczęły być znane. komuniści.

Oprócz robienia wizerunku uznanych artystów i ingerowania w ich techniki reprodukcji, Warhol robił również wizerunki postaci publiczność nieartystyczna i włączyła je do „panteonu” ikon popu, by podkreślić ich konsekrację lub by ironicznie i przekroczyć znaczenie.

Wydarzenie polityczne wywołało zainteresowanie Warhola reprezentowaniem przywódcy chińskiego komunizmu: właśnie w 1972 roku, wciąż w W kontekście zimnej wojny prezydent Richard Nixon postanowił odwiedzić Pekin, aby zbliżyć się do Chin i rozpocząć proces rozmowy. Warhol widziałby w tym podejściu artystyczną szansę. Wziął wizerunek sławnego czerwona książka, odtworzył go i interweniował.

Do tego czasu Warhol zrobił to samo z postaciami ze świata polityki, takimi jak Jackie i J. FA. Kennedy'ego, Che Guevary.

Czaszka

W latach 70. Warhol opracował serię czaszek (Czaszki) stosując techniki, które opracował już w poprzedniej dekadzie. Ponieważ Warhol był takim artystą skupionym na ikonach popu, zwrócił na siebie uwagę krytyków, wydając tę ​​serię.

Eksperci opracowali różne wyjaśnienia, aby zrozumieć pojawienie się tego tematu w popowym kontekście artysty. Jedno z tych wyjaśnień opiera się na wydarzeniu z życia Warhola, które miało miejsce w 1968 roku. W tym roku Warhol padł ofiarą ataku z broni palnej z rąk feministycznej pisarki Valerie Jean Solanas, która już wtedy cierpiała na schizofrenię. Atak zostawił Warhola na krawędzi śmierci.

Inna część krytyki przypisuje tę serię „prostej” potrzebie przedstawienia ludzkiej kondycji w jedynym naprawdę uniwersalnym aspekcie: możliwości śmierci.

Narodziny Wenus według Botticellego

Jeśli Warhol był czegoś świadomy, to tego, że nie tylko popowe ikony tracą na znaczeniu po zaostrzonym powtarzaniu się w mediach. Opróżnianie znaczenia nie jest wyłączne dla mas. Również w kulturze elitarnej sens gubi się, zaciera się dzięki zwykłemu powtórzeniu znaku pozbawionego kontekstu. Świadczy o tym jego seria Narodziny Wenus według Botticellego.

O Andym Warholu

Andy Warhol (1928-1987) urodził się w Stanach Zjednoczonych w rodzinie pochodzenia słowackiego. Jest znany ze swojej pracy jako artysta plastyczny i filmowiec, zwłaszcza z bycia częścią ruchu pop-artu pop Art, wraz z takimi artystami jak m.in. Robert Rauschenberg, Jasper Johns i Roy Lichtenstein. Ponadto Warhol był promotorem różnych postaci sztuki lat 70. i 80., takich jak Jean Basquiat.

Od dziecka cierpiał na chorobę popularnie zwaną tańcem San Vito, która zmuszała go do długich okresów odpoczynku, które wykorzystywał do rozwijania swojej kreatywności.

Wczesna śmierć ojca oznaczała dzieciństwo w biedzie, więc Warhol postanowił stać się bogatym człowiekiem w swojej dojrzałości, tak jak on.

Warhol był artystą kontrowersyjnym, ze względu na różne aspekty, do których możemy zaliczyć:

• Włączenie symboli kultury masowej do obiegu sztuk pięknych.
• Stosowanie technik reprodukcji seryjnej kwestionujących koncepcję oryginału w sztuce.
• Demistyfikacja poglądu, że tylko żmudny i długotrwały proces tworzenia nadaje wartość dziełu sztuki.
• Zrozumienie świata sztuki pozbawione mistycznej aury, by rozpoznać w nim jego rynkowy charakter, zaprzeczany przez tradycyjne dyskursy. .

Wszystkie te aspekty promowane przez Warhola właśnie w kontekście zimnej wojny oznaczały istotną zmianę orientacji zainteresowań artystycznych jego czasów.

Warhol wydobył wszechobecność kultury masowej i przemysłu kulturalnego, a także wykorzystał to do katapultowania się społecznie i gospodarczo.

Tak więc, podczas gdy jego twórczość była wielkim ironicznym dyskursem o niespójnościach społecznych, on sam celowo stał się ikoną popu.