Edvard Munch: 20 wspaniałych dzieł, aby zrozumieć ojca ekspresjonizmu

Edvard Munch to norweski malarz żyjący na przełomie XIX i XX wieku, uważany za ojca ekspresjonizmu. Jego twórczość, dla wielu skandaliczna, wzbudziła podziw młodych artystów i niewyspecjalizowanej publiczności. Utożsamiano je z niepokojem wywołanym gwałtowną industrializacją i panującym mechanizmem.

Dla uznanych artystów przyczyną skandalu była swoboda techniczna Muncha. Dla konserwatywnych sektorów polegało to na tym, że malarz otwarcie podejmował tematy takie jak seks, miłość, a przede wszystkim choroba i śmierć, jego wielkie obsesje.

Jego styl był wyjątkowy dzięki temu, że tworzył autentyczny i oryginalny język, będący konsekwencją swobodnego dialogu z postimpresjonizmem, secesją i awangardą. Dlatego chociaż Munch otworzył drzwi ekspresjonizmu, nie można go nazwać żadnym ruchem. Spoglądając na jego najważniejsze prace zrozumiemy, dlaczego Munch jest artystą wyjątkowym i niepowtarzalnym.

1. Krzyk, 1893

Krzyk To dzieło Muncha wywołało największy skandal, a jednak dzisiaj tak jest Mona Lisa sztuki współczesnej. Przedstawia androgyniczną osobę, której twarz wyraża udrękę w maksymalnym wyrazie po usłyszeniu lub wydaniu krzyku. W konsekwencji podmiot postrzega świat jako falującą i przenikliwą masę. Nikt oprócz Muncha nie robił tego wcześniej w sztuce.

Spektakl powstał po okresie, w którym jedna z jego sióstr została uwięziona za próbę samobójstwa, co sugeruje pewien związek z tym epizodem. Ciekawy fakt na temat Krzyk jest to, że Munch stworzył cztery wersje z niewielkimi różnicami między nimi, co jest bardzo powszechną praktyką malarza. Najbardziej znaną wersją jest ta z 1893 roku, która została skradziona w 1994 roku i wkrótce potem odzyskana.

2. Niepokój, 1894

tak Krzyk To obraz indywidualnej rozpaczy Niepokój jest wyrazem zbiorowej udręki, którą Munch wyłapuje w norweskiej duszy. Munch nie jest więc artystą ograniczonym do rejestru indywidualnego dyskomfortu, ale jest wrażliwy na dyskomfort ogólny dotykające społeczeństwo końca XIX wieku, którego transformacja jest znacznie szybsza niż jego zdolność do przetwarzania zmiany.

Płótno Niepokój Opiera się na dwóch poprzednich obrazach Muncha. Krajobraz, który widzimy w Niepokój został odzyskany z płótna Krzyk. Natomiast postacie zostały zaczerpnięte z Popołudnie na ulicy Karla Johana. W Munchu powtarza się strategia pobierania elementów z poprzednich klatek. Malarz nie tylko „reprezentuje” sceny, ale elementy, które je konstytuują, pojmowane są jako własne symbole.

3. Chora dziewczyna, 1885-1886

Chora dziewczyna odpowiada wczesnemu stylowi twórczości Muncha, zbliżającemu się do impresjonizmu. Płótno przedstawia młodszą siostrę Muncha, Sophie, na łożu śmierci z powodu gruźlicy. Do tego czasu młoda kobieta miała około 15 lat.

Jak miał w zwyczaju, Munch wykonywał różne wersje tej piosenki, która była dla niego stałym źródłem bólu i poczucia winy. Wynikało to z faktu, że malarz, który chorował na gruźlicę w wieku 13 lat, czuł, że musiał umrzeć zamiast swojej siostry.

4. Miłość i Ból (Wampir), 1893

Munch zatytułował tę pracę Miłość i ból. Przedstawiał w nim kobietę obejmującą mężczyznę, który leży na jej kolanach, jakby szukał pocieszenia. Chociaż Munch nigdy nie ujawnił osobistego znaczenia dzieła, oryginalny tytuł mówi wiele. Jednak ujawnienie tego artykułu wywołało ogromny skandal.

Ludzie widzieli w niej sadomasochistyczne znaki i interpretowali, że kobieta ugryzła szyję kochanka jako wampira. W związku z tym obraz zaczął być znany jako Wampir. Taki był skandal, że po latach był to jeden z wielu obrazów Muncha ocenzurowanych podczas nazistowskiej okupacji Norwegii.

5. Madonna, 1894

Pudełko znane jako Madonna był pierwotnie zatytułowany Kochanka lub Kobieta, która kocha. Zmień nazwę pracy Madonna jest to niewątpliwie prowokacja. Munch wyprodukował co najmniej pięć znanych wersji tego utworu.

Artystka przedstawia kobietę jakby była ikoną, aby przekazać uczucie uwielbienia, które budzi jej piękno i seksualność. Czerwona aureola, która otacza jego głowę, nawiązuje do związku miłości i bólu, nawet podczas dopełniania aktu seksualnego.

Hipoteza ta jest uzasadniona, ponieważ Munch wykonał rytowaną wersję, której rama zawierała dekoracyjne motywy plemników zbiegających się na makabrycznym płodzie. Podsumowując, obraz jest symbolem cyklu życia, który przebiega przez seksualność, prokreację i śmierć.

6. Proch, 1894

Proch Uchodzi za jedną z prac o największej estetyce Muncha ze względu na nitkowanie linii i kolorystykę. W kompozycji widzimy mężczyznę w czerni, kolorze ciemności i śmierci. Mężczyzna gubi się w kącie, jakby chowając twarz ze wstydu, z rękami przy głowie. Przypomina nam przygnębionego człowieka z Miłość i ból (Wampir).

Za nim kobieta w białej sukni, koloru czystości iz czerwonym gorsetem, koloru namiętności, również podnosi ręce. Jego twarz wyraża smutek i troskę. Rozdarła się zasłona namiętności.

Związek między obrazem a tytułem wskazuje na paradoks: gdy namiętność jest konsumowana, zanika. Ogień namiętności pozostawia tylko popiół. Ale dodatkowo gesty bohaterów wywołują poczucie winy i rozpacz. To pokazuje, że wydarzenie jest sprzeczne z kodeksem moralnym. Czy to cudzołóstwo? Czy to był gwałt? To widz musi to odszyfrować.

7. Pokwitanie, 1894-1895

Na Pokwitanie, Munch przedstawia zupełnie nagą młodą nastolatkę. Młoda kobieta ma przerażającą twarz i ukrywa intymne części ciała. To więcej niż symbol skromności i niewinności, gesty są symbolem strachu i represji w obliczu seksualność, którą Munch cierpiał w młodości, biorąc pod uwagę dyscyplinę religijną ojca i kontekst epoka.

Tajemniczy nastrój sceny potwierdza nieczytelny cień w tle, przypominający rodzaj nawiedzającej fantasmagorii. Znaczenie tej wczesnej pracy Muncha polega na tym, że reprezentuje ona punkt przejścia między „impresjonistycznym” uderzeniem a wyzwoleniem techniki w służbie psychologicznego świata artysty.

8. Autoportret z papierosem, 1895

Autoportret z papierosem Jest to jedno z najsłynniejszych dzieł Muncha, a także jego najbardziej znany autoportret spośród wielu, które wykonał. Na płótnie autor demonstruje zrozumienie i absolutne opanowanie techniki przedstawiania blasku światła pośród ciemności i dymu.

W ten sposób Munch buduje niemal tajemniczą atmosferę, która zwraca uwagę na jego twarz i dłoń. Twarz wydaje się zdziwiona i zaskoczona, podczas gdy ręka oprócz trzymania papierosa unosi się na wysokość serca. Jeśli twarz jest znakiem wewnętrznej tożsamości podmiotu dotkniętego emocjonalną niestabilnością, to ręka jest symbolem artysty.

9. Śmierć w pokoju, 1895

W dzieciństwie Edvard Munch widział, jak wielu członków rodziny umiera na gruźlicę: jego matka i ojciec to tylko niektóre z przypadków. Śmierć w pokoju przedstawia cierpienie jego rodziny po stracie młodszej siostry Sophie, której nie widzimy. Geniuszem autora jest skupienie uwagi widza na emocjonalnym cierpieniu, a nie śmierci.

Człowiek, który podnosi ręce w postawie modlitewnej, to jego ojciec, surowy protestancki zakonnik. Uważa się, że mężczyzna opierający się o ścianę to Munch, który odwraca się plecami do sceny (śmierć, uczucie i wiara), patrząc prosto na swój cień. Podkreśla fakt, że każdy członek rodziny cierpi z osobna.

10. Dwie istoty ludzkie (samotni), 1896

Płótno Dwie istoty ludzkie to nic innego jak alegoria samotności. Widzimy w nim mężczyznę i kobietę bez tożsamości, zwróconych plecami do widza, kontemplujących bezwładny horyzont. Wydaje się, że między nimi jest odległość nie do pokonania.

Dzieło, podobnie jak wiele innych Muncha, było wielokrotnie opisywane w różnych technikach. Zarówno temat, jak i sposób jego przedstawienia potwierdzają niespokojny, samotny i depresyjny charakter artysty.

11. Pocałunek, 1897

Pocałunek, z 1897 roku, jest jedną z wersji obrazu znanego jako Pocałunek za oknemprzez samego Muncha. Wyróżnia się sposób, w jaki malarz przedstawił dwie postacie. Wyglądają jak jedno ciało, bez linii podziału. Bohaterom brakuje tożsamości, własnych ograniczeń.

Fuzji bohaterów nie da się odczytać romantycznie, gdyż mroczna i ciężka atmosfera sceny sugeruje również bliskość śmierci. Wpływ tej serii był taki, że zainspirował słynne dzieło Pocałunekprzez Gustava Klimta.

Może Cię zainteresować: Analiza Pocałunekprzez Gustava Klimta.

12. Płodność, 1898

Na płótnie Płodność z Muncha widzimy kobietę w ciąży, wyprostowaną, niosącą obfite owoce drzewa. Siedzący przed nią mężczyzna, przygnębiony i zgarbiony, kontrastuje. Obok niego widać zwaloną laskę. Między człowiekiem a drzewem istnieje ciągłość, ponieważ ten pierwszy opiera stopę o pień drzewa.

Drzewo można interpretować jako drzewo życia. Odcięto jednak gałąź, z której pozostał tylko kikut. Aby wydać owoce, drzewo zostało przycięte, poćwiartowane.

Bardziej radykalne interpretacje sugerują, że Munch wyraża swoją odmowę posiadania dzieci. Jej owoce oznaczałyby koniec jego owoców. Interpretacja opiera się na fakcie, że obraz został namalowany, gdy Munch stanął przed możliwością ślubu z Tullą Larsen, zobowiązanie, które nigdy nie zostało skonsumowane.

13. Spotkanie w kosmosie, 1898

Na Spotkanie w kosmosie widzimy mężczyznę i kobietę grawitujących w przestrzeni. Praca przedstawia moment erotyczny, wyznaczony nie tylko ciałami i gestami, ale także liniami nawiązującymi do poruszania się plemników wokół postaci. Twarze są od siebie oddalone. Kobieta wydaje się prawie obojętna. Wydaje się, że mężczyzna został uwolniony. Praca ukazuje wszechstronność techniczną autora, a także symbolikę i środki wyrazowe.

14. Taniec życia, 1899

Taniec życia to metafora etapów życia i miłości. Jest to scena plenerowa, której tłem jest ciemnoniebieskie niebo nad norweskim jeziorem. Na niebie widzimy północne słońce i jego odbicie w wodzie, jeden z symboli konsekwentnie powtarzanych na obrazach malarza.

Na pierwszym planie ta sama kobieta w trzech etapach: po lewej młoda dziewczyna w bieli. Po prawej samotna kobieta ubrana na czarno. W centrum kobieta i jej mężczyzna tańczą tak, jakby świat nie istniał. Czerwień sukienki symbolizuje życie i pasję. Parą mogą być Tulla Larsen i Munch.

Wokół nich tańczą inne postacie. Za kobietą w czerni widać groteskowego mężczyznę gotowego znęcać się nad kobietą. Znaczenie tej pracy polega na sposobie, w jaki Munch udaje się przekazać złożoność swojej wewnętrznej udręki na etapach życia, które opisuje w miłości.

15. Śmierć Marata, 1907

W okresie swojego życia Munch poświęcił się tworzeniu różnych wersji Śmierć Marata. Wśród tych wersji prezentujemy jedną z 1907 roku. Marat był osiemnastowiecznym francuskim dziennikarzem i politykiem, który został zamordowany przez Charlotte Corday.

Seria wydaje się mieć samego Muncha jako męskiego odniesienia, utrwalając w ten sposób ideę, że malarz czuł się ofiarą kobiet. Z estetycznego punktu widzenia praca wyróżnia się wykorzystaniem linii jako formy kolorowania. To rodzaj sztucznego jedwabiu, który zrywa z modernistycznym stylem zakrzywionej linii i gęstym kolorem powierzchni.

16. Kąpiący się mężczyźni, 1907

Kąpiący się mężczyźni de Munch wyróżnia się żywym i żywym charakterem, który kontrastuje z falującą i mroczną atmosferą wielu jego płócien. Scena przedstawia grupę mężczyzn na plaży nudystów, gdzie Munch spędzał okres rekonwalescencji.

Munch pokazuje swój talent do rysowania anatomicznego, a także do kolorowania. Wdrożona technika żywi się impresjonistycznymi i sztucznymi zasadami i pod pewnymi względami wydaje się dialogować z fowizmem.

17. Słońce, 1909-1911

Słońce to monumentalny mural autorstwa Edvarda Muncha znaleziony na Uniwersytecie w Oslo. W tym Munch eksploruje nowe języki plastyczne, które zbliżają go do abstrakcyjnej awangardy, zwłaszcza Kandinsky'ego, przedstawiciela grupy Der Blaue Reiter, oraz abstrakcji lirycznej.

Tu symbolika osiąga maksymalny wyraz. Słońce staje się metaforą boskości, która promieniuje swoim światłem na świat i rozjaśnia cienie niewiedzy. Tą pracą Munch po raz kolejny demonstruje swoją swobodę twórczą, co wyjaśnia, dlaczego nie można go nazwać jednym stylem lub ruchem. Munch ujawnia się jako wyjątkowy artysta w ciągłej innowacji.

Możesz być zainteresowanym także tym: Ekspresjonizm: charakterystyka, dzieła i autorzy.

18. Galopujący koń, 1912

W ramce Galopujący koń, widzimy konia ciągnącego sanie z człowiekiem na pokładzie. Przyciągający wzrok detal znajduje się na szlaku, który wyróżnia się zbyt wąskim jak na ten wyczyn.

Przerażony wyraz konia i usposobienie ludzi na poboczu drogi pozwalają nam zrozumieć nadciągające niebezpieczeństwo. Dzieci po prawej próbują uciec, podczas gdy dorośli po lewej czekają niezrażeni, zanim się ruszą. To nowe podejście do tematu lęku i niepokoju, tak obecne w autorce.

19. Pracownicy na śniegu, 1913

Edvard Munch był również wrażliwy na otaczającą go rzeczywistość społeczną. Dowodem na to są różne obrazy, które wykonał o robotnikach, takie jak to płótno o nazwie Pracownicy na śniegu.

Na pierwszym planie Munch przedstawia trzech robotników stojących przed widzem, z łopatami jako punktem podparcia. W nich czuć siłę, ale też zmęczenie i starzenie się.

Uniesiona pięść robotnika, ułożona w centrum, daje przeczucie roszczenia lub żądania. Wygląda na to, że ci trzej mężczyźni są zbrojni. Za tymi trzema postaciami inni pracownicy kontynuują swoją pracę, nieświadomi spojrzenia artysty i społeczeństwa.

20. Autoportret między zegarem a łóżkiem, 1940-1943

Autoportret między zegarem a łóżkiem to obraz z ostatniego etapu twórczego Muncha. Munch wykorzystał płótno, aby symbolizować bliskość śmierci, umieszczając swoją postać między zegarem dziadka a łóżkiem. Zegar reprezentuje niepowstrzymany upływ czasu, a łóżko reprezentuje śmierć jako ostatnie łóżko, jako wieczny odpoczynek.

Jeden szczegół wyróżnia się w kontraście: podczas gdy zegar ma antyczny wzór, narzuta na łóżko ma nowoczesny geometryczny wzór. W ten sposób Munch wyraża świadomość dramatycznej zmiany czasów, w których musiał żyć.

Za Munchem można wyróżnić rodzaj pokoju, w którym implikuje się obecność referencyjnych dzieł jego życia artystycznego, którym poświęcił cały swój wysiłek.

Zobacz też: Analiza klatek Krzyk przez Edvarda Muncha.

Biografia

Edvard Munch to norweski malarz i grafik, który urodził się 12 grudnia 1863 roku, a zmarł 23 stycznia 1944 roku.

Od najmłodszych lat musiał radzić sobie z chorobą i śmiercią. Gruźlica po raz pierwszy pochłonęła życie jego matce, Laurze Cathrine Munch, gdy chłopiec miał zaledwie 5 lat. Później spowodował śmierć swojej młodszej siostry Sophie; wujków, a po latach ojca Christiana Muncha. Nawet sam Edvard Munch cierpiał na tę chorobę w wieku 13 lat.

Wydarzenia te doprowadziły malarza do straszliwego strachu przed chorobami i chorobami. śmierci i dlatego przez całe życie cierpiał na lęki i depresję, które determinowały jego dochodzenia artystyczny.

Munch rozpoczął studia inżynierskie w 1879 roku, ale wkrótce porzucił tę karierę, by poświęcić się malarstwu. Dzięki podróżom do Paryża był pod wpływem XIX-wiecznej sztuki francuskiej. Około 1890 zaczął malować projekt Fryz życia, cykl obrazów przedstawiających różne kamienie milowe w życiu człowieka, oparty na jego własnych doświadczeniach.

Choć początkowo jego twórczość była źródłem skandalu, w końcu zyskała ważne miejsce w muzeach jego kraju i Europy. Jednak po nazistowskiej okupacji Norwegii, około 1940 roku, obrazy Muncha zostały ocenzurowane przez najeźdźców i usunięte z wystaw.

Jednak rok 1942 upłynął pod znakiem jego ostatecznej międzynarodowej konsekracji, stając się obiektem wystawy w Nowym Jorku w uznaniu jego owocnej pracy artystycznej. Dwa lata później Munch zmarł w całkowitej samotności.