Jakie są kanony piękna sztuki średniowiecznej?

Mroczny czas. Mała erudycja. Szorstka i niezgrabna sztuka. Bardzo religijne istoty, które zawsze się modliły... To są z góry przyjęte idee, jakie mamy w średniowieczu, częściowo zainspirowane filmami i powieściami. Rzeczywistość była jednak zupełnie inna.

Ludzie z Średniowiecze mieli wrażliwość artystyczną, mieli własne kanony w odniesieniu do piękna. W rzeczywistości pod wieloma względami nie różnią się one zbytnio od starożytności, chociaż tematy próbowały nas nauczyć czegoś innego.

Jak wyglądały kanony piękna w średniowieczu?

Aby, Jakie są główne kanony piękna w sztuce średniowiecznej? Co uważano za piękne w średniowieczu? W poniższym artykule, opierając się na autorach tak znamienitych jak Umberto Eco, spróbujemy naszkicować pokrótce piękno w średniowieczu i jego odzwierciedlenie w ich twórczości artystycznej.

symboliczny wszechświat

Przede wszystkim należy podkreślić, że nie można porównywać sztuki średniowiecznej, wybitnie symbolicznej, ze sztuką innych czasów, znacznie bardziej naturalistyczną. Co przez to rozumiemy? Cóż, po prostu

tym, co dominowało dla średniowiecznych artystów podczas tworzenia, nie było to, jak coś było reprezentowane, ale to, co było reprezentowane.

Z tego powodu jest wręcz absurdalne dyskutować, czy w średniowieczu oni wiedzieli lub nie perspektywy, proporcji lub symetrii. Czy bierzemy to pod uwagę, gdy znajdujemy się przed egipskim freskiem? Prawdopodobnie nie, a to dlatego, że jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania w starożytnym Egipcie cywilizacji dogmatycznej, bynajmniej nie naturalistycznej.

Tak więc, jeśli jest dla nas bardzo jasne, że Egipt był światem religijnym i że jedynym ich zamiarem było to czas tworzenia polegał na uchwyceniu tego duchowego wszechświata, dlaczego jesteśmy tak niesprawiedliwi wobec plastiku średniowieczny? Dlaczego porównujemy obrazy średniowiecza ze sztuką klasyczną, marszczymy brwi i mówimy, że „nie umieli malować”, a nie robimy tego samego ze sztuką Egipcjan?

W rzeczywistości światy egipski i średniowieczny nie są tak daleko od siebie. Wyjaśniamy sobie. Dla średniowiecznych mężczyzn i kobiet kosmos był dziełem Boga, doskonałym dziełem doskonałego architekta, dlatego wszystko było przepojone jego boskością.

Oznaczało to, że każdy element stworzenia był ze sobą połączony i wszystko miało głębszy sens niż na pierwszy rzut oka. Dla średniowiecznych zwierząt zwierzę nie było tylko zwierzęciem, ale było pokryte symboliką: pelikan, z który, jak wierzono, otwierał klatkę piersiową, aby karmić swoje młode krwią, był symbolem Chrystusa i Jego poświęcenie. Struś był ucieleśnieniem idei sprawiedliwości, ponieważ jego pióra były ściśle symetryczne. Gronostaj był czysty, ze względu na jego nieskazitelnie biały kolor. I tak z długim itd.

W boskim stworzeniu nic nie zostało znalezione na świecie przez przypadek. Mentalność średniowieczna nie wierzyła w przypadek, jak później wierzyła współczesna mentalność naukowa. Każdy element podlegał przyczynie, ustanowionej przez Boga, więc czasami istnienie czegoś mógł zrozumieć tylko Stwórca.

Tak było z brzydotą, deformacją, potworem, który notabene nęka sztukę średniowieczną, zwłaszcza kapitele i kolumny. Jeśli istniały, to dlatego, że Bóg dał im misję, znaczenie. W średniowieczu nic nie było zbyteczne i niczego nie brakowało na świecie.

• Powiązany artykuł: „Kanony piękna: czym są i jak wpływają na społeczeństwo?”

Sztuka „nienaturalistyczna”.

To symboliczne uniwersum nieustannie odbijało się w malarstwie i rzeźbie. Oczywiście elementów naturalistycznych nie możemy szukać w sztuce średniowiecznej. Powiedzieliśmy już, że intencją nie było jak, ale co. Średniowieczny artysta nie rejestruje zatem tego, co widzi, ale to, co widzi oznacza rzeczywistość. Aby to zrobić, zrezygnowano z objętości, proporcji i innych „akademickich” zasad iw ten sposób uzyskuje się większą swobodę ekspresji. Wyobraźmy sobie, że średniowieczny artysta starał się przedstawić niebo i ziemię w sposób ściśle naturalistyczny. Niemożliwe. Jak uchwycić takie pojęcia jak zbawienie, potępienie, Bóg, Chrystus, nieśmiertelność, zmartwychwstanie??? Aby uchwycić podobne idee, niezbędny jest język symboliczny i język symboliczny nie może podlegać regułom fizycznym ani matematycznym, ponieważ gdyby to zrobił, jego zdolność ekspresji zostałaby zmniejszona.

Nie oznacza to jednak, że w średniowieczu nie istniała pewna idea proporcji i symetrii. Pamiętajmy, że ludzie średniowieczni znali wiele z pism klasycznych i nie byli tak bardzo odlegli od starożytnego świata, aby nie widzieli w nim swojego odzwierciedlenia. Nawet w sztuce romańskiej, która jest tak nienaturalna, znajdujemy wyraźne przykłady, w których artysta starał się z pewną dokładnością przedstawić rzeczywistość.

Tak jest w przypadku płaskorzeźb i rzeźb opactwa Moissac we Francji, gdzie znajdujemy świętego Pawła i świętego Jeremiasza zdumiewająco naturalistyczna jak na tamte czasy, z ubraniami przylegającymi do ciała i układającymi się w fałdy, które nieuchronnie przypominają technika klasyczna. Z drugiej strony, Przeddzień autorstwa Soulliac, również we Francji, jest doskonałym leżącym aktem, który całkiem naturalnie odtwarza piersi i ciała kobiety, co zresztą burzy kolejny dość oklepany frazes: że w średniowieczu „nie było nagi".

• Możesz być zainteresowany: „15 gałęzi historii: czym są i czego się uczą”

Adaptacja do przestrzeni i symetrii

Cechą charakterystyczną średniowiecznych sztuk plastycznych jest adaptacja postaci do przestrzeni. W tym sensie średniowiecze jest dość surowe: odpowiedzialny jest budynek lub miejsce, w którym praca jest przeznaczona, a to musi być dostosowane do jego charakterystyki. Z tego powodu dość często zdarza się, że w celu poprawnego umiejscowienia postaci w tympanonie, archiwolcie czy kapitelach sceny są usuwane lub przerabiane.

Z drugiej strony kryterium symetrii jest dość obecne w plastyce średniowiecznej. Umberto Eco w swoim wspaniałym eseju Sztuka i piękno w średniowiecznej estetyce, zawiera kilka interesujących przykładów, takich jak Soisson, gdzie jeden z mędrców zostaje „wyeliminowany”, aby zachować idealną symetrię z zestawioną sceną. Widzimy tutaj wyraźny przykład sztywności, z jaką ludzie średniowieczni rozważali usposobienie i symetrii figur, gdyż całość przedstawienia musiała być zgodna z bezwzględnością doskonały.

W średniowieczu nie było miejsca na innowacje, przynajmniej w pierwszych wiekach. Średniowieczni rzemieślnicy powtarzają kanony i formy oraz dostosowują swoje prace do przestrzeni kierując się jasnymi zasadami które są przekazywane z pokolenia na pokolenie. Pantokrator zawsze będzie podążał za podobnymi wzorami, podobnie jak Dziewica Theotokos lub Zwiastowanie. Na pojawienie się nowego wyrazu będziemy musieli poczekać do schyłku gotyku naturalizuje figury i mimikę, podejmuje próby nawiązania perspektywy i odtworzenia przestrzeni prawdziwy.

• Powiązany artykuł: „5 tematów o średniowieczu, które musimy wyrzucić z głowy”

światło i kolor

Kolejnym ważnym aspektem, aby zrozumieć, na czym średniowieczny człowiek oparł koncepcję piękna, jest światło i kolor. Nie można zrozumieć średniowiecza bez tych dwóch elementów, ponieważ dla jego bohaterów Bóg jest światłem, a światło jest kolorem..

W ten sposób wszystko staje się wyrazem chromatycznym: ściany i sufity kościołów i katedr, rzeźby, stroje, chorągwie, miniatury, klejnoty. Mimo przekonania, że ​​piękno jest ponadziemskie i istnieje poza tym, co widzialne, średniowieczny człowiek nie pozostaje obojętny na urok, jaki wywiera na niego wrażliwe piękno. Sam Suger, opat Saint-Denis, był zdumiony zgiełkiem kolorów i światła, jaki panował w jego kościele, ponieważ łączył go bezpośrednio z boskim pięknem. Coś, co, nawiasem mówiąc, Bernardo de Claraval i cystersi uznają za niebezpieczne dla cnót i spróbują usunąć ze swoich budynków.

W malarstwie średniowiecznym kolor jest czysty właśnie dlatego, że jest jasny. Człowiek średniowiecza nie wyobraża sobie koloru „połówki”; tony są czyste, genialne, wyraźne. Wykorzystanie złota osiąga swój szczyt w okresie tzw. międzynarodowego gotyku, w którym hełmy dekoruje się tym odcieniem, który przedstawia Boga. Klejnoty i kamienie szlachetne są równie wysoko cenione, nie tylko ze względu na ich wartość ekonomiczną, ale także dlatego, że „łapią” kolor i światło. W powieściach i poezji trubadurów wywyższone są czerwone policzki ukochanej, jej biała cera i włosy. blondynki, a arystokraci noszą niemożliwe kombinacje, które obejmują błękit z zielenią i czerwień z żółcią lub fiołki. Krótko mówiąc, wbrew temu, w co ludzie (wciąż) wierzą, średniowiecze to czas, który promieniuje światłem.

Nowa „gotycka” piękność

Styl romański wyraża piękno poprzez mocne i „solidne” postacie, inspirowane ikonografiami bizantyjskiego wschodu., jak ikony Dziewicy i Chrystusa w Majestacie. Pod koniec XIII wieku styl wykazuje wyraźne oznaki wyczerpania i pojawia się znacznie bardziej „stylizowany” ideał piękna, charakterystyczny dla gotyku.

Nie oznacza to, że w stylu romańskim nie istniała pionowość. Innym powtarzającym się stereotypem ze średniowiecza jest to, że romańskie kościoły są tylko poziome, jeśli istnieją liczne przykłady ówczesnych katedr, które świadczą o umiłowaniu pionowości (wznoszenie się ku Bóg). Prawdą jest jednak, że w okresie gotyku figury przedstawiające plastyczne były „wydłużyć”, przestrzegając tym samym kanonu późnośredniowiecznego piękna ludzkiego, któremu odpowiada dziesięć głowy. Jak widać, uzyskana figura jest przesadnie smukła, jeśli weźmiemy pod uwagę, że w czasach klasycznych kanon został zredukowany do siedmiu i ośmiu.

Pionowość jest zatem pięknem w okresie gotyku. Katedry wznoszą się w nieskończoność, witraże zajmują coraz więcej miejsca (zwłaszcza w północnej Europie), a nawet mody uchwycić tę fascynację dla „wydłużonych”: nakrycia głowy z daszkiem dla pań i dublety wąskie w talii dla mężczyzn, które uzupełnione Pończochy i długie buty przyczyniają się do stworzenia idealnej męskiej urody późnego średniowiecza: wysokiego i szczupłego mężczyzny jak wieża katedry. gotyk.