Rococó: jego charakterystyka, główne dzieła i artyści
Rokoko był europejskim ruchem artystycznym pochodzenia francuskiego, który charakteryzował się pogodnym i prowokacyjnym stylem oraz upodobaniem do nadmiernej dekoracji. Przejawiało się w malarstwie, architekturze, sztuce zdobniczej i rzeźbie.
Sztuka rokoko rozwinęła się na początku XVIII wieku, w okresie przejściowym między sztuką barokową a klasycystyczną. Choć dzieli z barokiem zainteresowanie obfitością detali, odróżnia go od niego zastąpienie przyjemności i zabawy powagą i dramatyzmem.
Pragnienie rozrywki było takie, że według badacza Michaela Leveya rokoko nie szanowało ani Kościoła, ani państwa. Miłość, zmysłowość i życie codzienne były ciekawszymi tematami niż chwały duchowe czy doczesne.
Słowo rokoko pochodzi od terminu rocaille, rodzaj dekoracji ogrodowej opartej na wykorzystaniu muszli lub kamyków, bardzo popularnej we Włoszech i Francji w XVII wieku. Zarówno użycie tych motywów, jak i podobieństwo w osiąganych efektach doprowadziły do zastosowania do tego stylu określenia rokoko.
Aby zrozumieć ten styl, podaj poniżej jego cechy charakterystyczne, jego głównych przedstawicieli i dzieła oraz kontekst historyczny.
Charakterystyki sztuki rokoko
W przeciwieństwie do sztuki barokowej, sztuka rokokowa charakteryzowała się wesołością, celebracją życia, dawaniem miejsca na humor, wdzięk i lekki erotyzm. Można powiedzieć, że był to w rzeczywistości wyraz klasy społecznej, która uciekała od nudy poprzez entuzjastyczną sztukę, bez transcendentnych czy dydaktycznych pretensji.
Zabawna i świąteczna postać
Sztuka rokoko była przede wszystkim stylem, który starał się wyrazić wdzięk i radość. Jego postać była świąteczna. Chociaż rokoko było ozdobione dekoracją, jego atmosfera starała się być jasna i entuzjastyczna.
Humor i psoty
Sztuka rokoko to wyraz elity, która dobrze się bawi. Dlatego ma w sobie dużą dawkę humoru i psoty, które tłumią wszelkie próby powagi. Z tego powodu rokoko wyraża również rozluźnienie etykiety.
Tematy bez moralizatorskich czy dydaktycznych pretensji
Ulubionymi tematami rokoka były sentymentalne przygody, sceny duszpasterskie, rozrywka bezczynnej elity i życie domowe. Ale pomimo osłodzonego wyglądu piosenek, mieli połączenie z doświadczeniem.
Tematy religijne, mitologiczne czy historyczne nie zostały zatrzymane, ale odarte z ich powagi. Zniknęły sceny moralizujące, dydaktyczne lub pokazujące moc. Każdy temat przeszedł przez filtr łaski, przyjemności i codzienności.
Zawoalowana erotyka
Sztuka żywiła się zawoalowaną erotyzmem, zarówno w jej formach, jak i tematach. Dla niektórych artystów mitologia była kryjówką uzasadniającą rozwój aktu erotycznego, w taki sposób, by nie podlegał krytyce elit intelektualnych.
Wystawny i pomysłowy wystrój
Rokoko było sztuką zwracającą uwagę na szczegóły i przesadną ornamentykę. Artyści, projektanci i architekci wzbogacili dekorację prac o elementy równie obfite, co pomysłowe. Nie było niczym dziwnym znaleźć elementy kultur wschodnich, takie jak fauna, flora i wszelkiego rodzaju motywy.
Użycie pastelowych i białych tonów
Jednym ze sposobów, w jaki artyści rokokowi przynieśli wdzięk i radość, była zmiana palety kolorów z ziemistych, ciemnych i bogatych kolorów na pastele i biele. Zastosowano to zarówno w malarstwie, jak iw dekoracji architektonicznej, dzięki czemu wszystko otulone było wdziękiem i zmysłowością.
Sztuka uwolniona od propagandowej funkcji
Rokoko uwolniło sztukę od jej propagandowej roli. Sztuka nie służyła już sprawom kościelnym czy absolutystycznym, co wpłynęło na swobodę tematyczną i stylistyczną. Sztuka nie musiała być już nośnikiem „prawdy”, nie musiała też być poważna. Wystarczyło, że był spokojny.
Malarstwo rokokowe
Malarstwo rokokowe reprezentowało triumf rubenizmu nad poussinizmem. Z Rubenismo znamy nurt malarzy barwnych, inspirowanych flamandzkim malarzem baroku Pedro Pablo Rubensem (1577-1640), którzy przedkładali kolor nad rysunek. Poussinizm znany jest jako nurt preferujący rysowanie nad kolorem, pod wpływem francuskiego malarza Nicolása Poussina (1594-1665). Koloryzm był charakterystyczny dla malarzy rokokowych.
Jego spokojny i pełen wdzięku charakter kontrastował z dramaturgią baroku. We Francji życie dworskie zaczęło kręcić się wokół rozrywki i banały, takie jak romanse, gry czy codzienność, a wszystko to znalazło odzwierciedlenie w: malowanie. Ten radosny duch szybko przeniknął europejskie dwory, ale każdy kraj dostosował go do swojej specyfiki.
Malarze rokoko
Antoine Watteau (1684-1721). Watteau był malarzem z flamandzkiego miasta, które zostało przyłączone do Francji. Był pierwszym artystą, który odniósł się do obaw bezczynnej elity. Ale był także tym, który nadał bohaterom „ludzkość”. Wśród jego najważniejszych dzieł są: Pielgrzymka na wyspę Kythera (1717), Skala miłości (1717); Impreza wenecka (1719).
Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). Był niezależnym malarzem francuskim, dzięki zasobom finansowym żony. Był szczególnie zainteresowany reprezentowaniem życia domowego. Wśród jego najważniejszych dzieł są: Chłopiec z bączkiem (1737), Młoda guwernantka (1740) i Błogosławieństwo.
François Boucher (1703-1770). Francuski malarz, który pracował pod opieką ulubieńca króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiele tematów mitologicznych, pastoralnych i sielankowych traktował z wielkim entuzjazmem. Wśród jego najważniejszych dzieł są: Portret Madame de Pompadour (1759); Młody mężczyzna leżący (1752) i Diana po kąpieli (1742).
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). Był francuskim malarzem, który najbardziej reprezentatywnymi przejawami swojego malarstwa uczynił hedonizm, erotyzm, żywiołowość i intymną atmosferę. Wśród jego najważniejszych dzieł są: Huśtawka (1767), Ślepiec (1769), Zamek (1779), Skradziony pocałunek (1788).
Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Malarz włoski szeroko rozpoznawalny w Europie. Rozwinął temat religijny. Wykonywał także motywy mitologiczne i codzienne. Niektóre z jego najbardziej znanych prac to: Przeniesienie Świętego Domu Loretańskiego (1743-1745), Freski z Rezydencji Würzburskiej (1752-1753), Młody człowiek z papugą (1760) i freski w Pałacu Królewskim w Madrycie (1762-1766).
William Hogarth (1697-1764). Malarz angielski, który wcielał w życie środki i pastelowe kolory rokoka, ale wyśmiewał konwencje społeczne, zwłaszcza elitarne. Do jego najbardziej znanych prac należą: Cztery chwile dnia (1736), Kariera prostytutki (1732) i Małżeństwo a-la-mode (godz. 1743).
Thomas Gainsborough (1727-1788). Malarz angielski. Charakteryzował się portretowaniem ludzi w postawach wiarygodnych, obdarzonych łaską. Skupił się na małej lokalnej arystokracji. Wyróżniał się zainteresowaniem pejzażem, który zawsze wykorzystuje w tle swoich obrazów. Jego prace obejmują: Państwo Andrews (1749), Młody niebieski (1770) i dr Ralph Schomberg.
Architektura rokoko
Architektura rokoko charakteryzowała się surowością w wykończeniach zewnętrznych, ale bardzo bogatą i obfitą dekoracją wnętrz. Przestrzenie wewnętrzne były mniejsze i potraktowane z większą intymnością, dzięki zastosowaniu delikatnych i łagodnych form.
Wystrój wnętrz słynął z pomysłowości i wyobraźni. Złote aplikacje były na porządku dziennym, serwując najróżniejsze zakrzywione kształty z motywami kwiatowymi, muszelkami i wszelkiego rodzaju falistościami. Kolory zawsze były jasne i wesołe.
Francuski architekt Germain Boffrand był odpowiedzialny za wprowadzenie rokoka we Francji i oddany zwłaszcza na służbę zakonowi monarchicznemu, choć ostatecznie rozwijał projekty religijny. Brał udział w projektach takich jak Place Vendôme w Paryżu, Konserwatorium Wersalskie, Hotel de Soubise w Paryżu i Zamek Lunéville.
Estetyka rokoko była wysoko ceniona w Austrii i krajach niemieckich wchodzących w skład Świętego Cesarstwa Rzymskiego, zarówno w architekturze sakralnej, jak i cywilnej.
Przykładami tego są bazylika Vierzehnheiligen autorstwa Johanna Balthasara Neumanna oraz opactwo Ottobeuren w Bawarii. W Prusach zwrócił uwagę na budowę Pałacu Sanssouci w Poczdamie pod kierunkiem Georga Wenzeslausa von Knobelsdorffa.
W Hiszpanii prymat baroku i brak wymiany artystycznej, zwłaszcza z Francją i Niemcami, utrudniały szerzenie stylu rokoko. Pojawiły się jednak również cenne wyrażenia, które ułatwiła obecność churrigueresque.
Na przykład dekoracja zakrystii La Cartuja de Granada, prawdopodobnie zapoczątkowana przez Hurtado Izquierdo i kontynuowana przez José de Bada. Warto również wspomnieć o Przeźroczystej katedrze w Toledo autorstwa Narciso Tomé. Wreszcie fasada Palacio del Marqués de Dos Aguas, zaprojektowana przez Hipólito Rovira.
Meble rokokowe
W tym okresie powstał styl Ludwika XV, będący odpowiedzią na dominujący na dworze gust estetyczny. Ten styl stał się międzynarodową modą. Stolarkę charakteryzowałoby zastosowanie lakierowania i intarsji brązowej. Najczęściej stosowanymi motywami były motywy roślinne, choć stosowano również inkrustacje skalne, maski i sceny.
Podobnie zaczęto projektować meble z myślą o odprężającym przebywaniu szlachty na dworze, co do tej pory nie było zwyczajne. Zaowocowało to rozwojem sztuki tapicerowania mebli.
Rzeźba rokoko
Zarówno wolnostojąca rzeźba, jak i serwis architektury odegrały rolę w rokoko. Jedną z najbardziej zauważalnych różnic było zmniejszenie kolosalnych rozmiarów baroku. Rokoko starało się również podkreślić miękkość i delikatność w obróbce faktur i ruchów.
Chociaż rzeźbiarze nadal interesowali się marmurem, porcelana była wykorzystywana wytrwale. Wykonano także rzeźby w gipsie i drewnie. Jeśli chodzi o kolor, kiedy go nałożyli, zachowali pastelowe odcienie, aby rozjaśnić atmosferę.
Wśród najwybitniejszych rzeźbiarzy rokokowych znajdziemy Antonio Corradiniego i Étienne-Maurice Falconeta.
Antonio Corradini (1688-1752). Był włoskim malarzem, który pracował w służbie dworu Karola VI. Znany był ze sposobu, w jaki traktował ubiór, zwłaszcza efektu przezroczystości. Niektóre z jego najbardziej komentowanych prac to: Zawoalowana kobieta (Wiara) Tak Skromność, nazywany również Ukryta prawda.
Étienne-Maurice Falconet (Francja, 1716-1791). Był jednym z protegowanych markizy de Pompadour. Niektórzy badacze sztuki badają go jako postać przejścia do neoklasycyzmu. Jego prace obejmują: Groźny amorek (1757) i Pigmalion i Galatea (1763).
Kontekst historyczny rokoka
Barok zdominował estetykę zachodnią od połowy XVI wieku i przez cały wiek XVII. Były to czasy wojen religijnych i utrwalania absolutyzmu.
We Francji, u schyłku rządów króla Ludwika XIV, osiągnięta stabilność sprawiła, że ceremonialność barokowa stała się niepotrzebna. Ale wtedy Król Słońca poczuł, że szlachta jest zagrożeniem. Pod koniec swoich rządów król odebrał szlachcie władzę na polu, czyniąc z nich bezczynną elitę.
W impulsie rokoka zasadnicze znaczenie miały trzy wydarzenia:
- śmierć króla Ludwika XIV;
- wpływ ulubieńca króla Ludwika XV, markizy de Pompadour;
- wymiana artystów między różnymi sądami europejskimi.
Król nie żyje. Niech żyje król!
Po śmierci Ludwika XIV dwór przeniósł się z Wersalu do Paryża, podczas gdy chłopiec Ludwik XV czekał na wiek do objęcia tronu. W Paryżu szlachta nawiązała kontakt z najpotężniejszymi elitami gospodarczymi i urzędnikami skarbu. Według badacza Stephena Richarda Jonesa w swojej książce, stopniowo formy etykiety rozluźniały się Wprowadzenie do historii sztuki: wiek XVII.
Teraz, gdy szlachta była bezczynna i znudzona, konieczne było utrzymanie ich zainteresowania dworem i zapewnienie im nowych zajęć. Powoli odpowiedź znajdzie się w sztuce. Jones stwierdza, że:
„Sztuka rokokowa próbowała tylko zachwycić zamożne społeczeństwo, naprawdę bezczynne, dla którego jedynym grzechem było znudzenie”.
Kiedy młody Ludwik XV objął urząd, nowy dobrobyt odnowił ideały mecenatu w rękach sektora prywatnego. Jednym z najważniejszych mecenasów tamtych czasów była kochanka króla, Jeanne-Antoine Poisson, markiza Pompadour, znana jako protektorka sztuki.
W ten sposób powstał rynek, który zainspirowany Watteau interesował się życiem domowym, erotyzmem, celebracją życia i przyjemności. Ale przede wszystkim interesowały go romanse, najlepsze antidotum na nudę.
Ten moment w historii był świadkiem jak nigdy dotąd mobilności artystów między krajami. Nowa sztuka, która pozostawiła za sobą znaczenie baroku, rozprzestrzeniła się w znacznej części Europy.
Upadek
W połowie XVIII wieku myśliciele oświeceniowi, tacy jak Wolter, głosili dominację rozumu i miarę pasji dla dobra wspólnego. Rokoko wydawało im się nie do przyjęcia. Oskarżany o to, że jest zbędny, jeśli nie niemoralny, rokoko wiązało się z upadkiem starego reżimu.
Pod wpływem Oświecenia architekt Jacques François Blodel dołączył do głosów dyskwalifikujących styl artystyczny Starego Reżimu. Następnie zaproponował modernizację sztuki, która towarzyszyła narastającemu republikanizmowi w debacie politycznej.
Jakby wahadło, z czasem rysunek znów triumfował nad kolorem i pod dowództwem myśl filozoficzna i polityczna, sztuka powróciła do akademizmu, moralizacji i propagandy Stan: schorzenie. Tak narodziła się sztuka neoklasyczna.
Może Ci się spodobać:
- Barok: charakterystyka, przedstawiciele i dzieła.
- Neoklasycyzm: charakterystyka literatury i sztuki neoklasycznej.
Bibliografia:
- Levey, Michael (1998): Od rokoka do rewolucji: główne trendy w malarstwie XVIII wieku. Barcelona: Edycje Destino.
- Jones, Stephen Richard (1985): Wprowadzenie do historii sztuki: XVIII wiek. Barcelona: Od redakcji Gustavo Gili / Círculo de Lectores / Uniwersytet Cambridge.
