Pop-art: charakterystyka, artyści i główne dzieła

pop Art, znany po hiszpańsku jako pop-art, to ruch plastyczny, który powstał w latach 50. XX wieku. Narodził się pomiędzy Wielką Brytanią a Stanami Zjednoczonymi, ale to te ostatnie stały się sztandarowym nosicielem ruchu. Jednak pop-art wywołał falę wstrząsów na całym świecie, zarówno w Europie, jak i Ameryce Łacińskiej, Azji i Oceanii.

Pop-art jest kontekstualizowany w pełnym procesie kształtowania społeczeństwa konsumpcyjnego, którego impuls impuls ostateczna miała miejsce po II wojnie światowej i pojawieniu się telewizji, nowego najeźdźcy domy.

Ten styl artystyczny narodził się jako próba stworzenia sztuki, która uwzględniałaby wszechświat symboli i tematów o ogromnym zainteresowaniu, jest to znaczy „popularne” symbole, do których elita kulturalna zdawała się odwracać plecami i zaprzeczać swojej mobilizującej penetracji w wyimaginowane kolektyw.

Charakterystyka pop-artu

Inspiracja kulturą masową

Jeśli starożytni przedstawiali w swoich dziełach obraz świata, jaki znali i wyobrażali sobie, to obowiązkiem współczesnych artystów było zrobienie tego samego. Artyści pop sięgali do tych przedmiotów codziennego użytku, które stawały się nowymi symbolami „cywilizacji”: medialnych idoli, postacie polityczne, przedmioty masowo produkowane, komiksy (komiksy), plakaty, opakowania i wszelkiego rodzaju obrazy symboliczne (znaki ruch drogowy, kolażeitp.).

Rozszerzenie pojęcia piękna na repertuar popowych symboli

pop Art Rozumiał, że nawet obiekty kultury masowej mogą zawierać elementy piękna, a nie tylko Wenus i Madonny starożytności. Oczywiście będzie to również prowokacja dla środowiska intelektualnego, aspekt, który artyści pop bardzo dobrze wykorzystują na swoją korzyść.

Dekontekstualizacja

Jedna ze strategii pop Art to pożyczanie przedmiotów i dekontekstualizowanie ich. Na przykład wyjęcie puszki z zupą, słynnego obrazu lub fotografii z kontekstu, ingerowanie w nie i przekształcenie go w dzieło lub nowe dzieło. Coś podobnego zrobili dadaiści ze swoją techniką gotowe odkąd Marcel Duchamp stworzył swoją słynną Fontanna: pisuar interwencyjny z sygnaturą artysty, pod pseudonimem R. Mutt i że został przedstawiony jako dzieło muzealne.

Zaprzeczenie wirtuozerii

Artyści ci nie opowiadali się za wartością wirtuozerii. Tym samym pop-art zerwał z ideą dzieła sztuki w wyniku złożonego, długiego i trudnego procesu, który sprzyjał zasadzie wielokrotnej reprodukcji.

Z tego powodu wdrożyli absolutnie nietypowe techniki z zakresu sztuk pięknych, takie jak sitodruk, komiks z jego winietami i stylem linii, niektórymi technikami reklamy i produkcji masowej, a także kolaże i fotografie.

Niektórzy artyści byli bardziej radykalni i produkowani wydarzenia oraz interaktywne pokazy, zadające cios kolekcjonowaniu i utowarowienia sztuki.

Nieodpowiedniość

Wszechświat symboli oferowany przez pop-art nie był łatwy do zasymilowania dla intelektualistów starej szkoły, a ponadto artyści pop nie mieli jednego stanowiska w kwestii tego, co reprezentowali, co utrudniało rzeczy. Dlatego ich cele niekoniecznie były jasne. Czy krytykowali konsumpcję? Czy zwalidowali konsumpcję? Czy wykorzystali okoliczności? W ten sposób stworzyli pozornie nieprzystające i prowokujące obrazy.

Humor

Ponieważ nie miał być sztuką intelektualną, pop-art był także ruchem pełnym humoru i współudziałem mrugającym do widza.

Z dala od zauroczonych pozycji wielkich teoretyków i intelektualistów medium, artyści pop ironizują i wyśmiewają otaczający porządek. Być może był to inny sposób krytykowania.

Prowokacja

Wszystko to sprawiło, że pop-art był prowokacyjny, prowokacyjny, kontrowersyjny. Na przykład, kwestionując ideę oryginalności, kwestionowali także wyższość geniuszu twórczego, postaci, której hołd składa się od czasów renesansu. Kwestionowali także rolę krytyków, historyków sztuki, koncepcję muzeów, kryteria selekcji, zasady muzealnictwa…

Ale poza wszystkim, co sprawia, że pop Artwidać, że nic nie powstaje przez spontaniczne pokolenie i że zanim to sformułowali artyści pop program estetyczny, poprzednie pokolenia tworzyły warunki dla tego autentycznego buntu znaków artystyczny. Zobaczmy, jakie było jego pochodzenie i jakie związki miał pop-art w kontekście twórczym lat pięćdziesiątych.

Tło pop-artu

Wpływy pop Art można je znaleźć w nurtach takich jak dadaizm, który pojawił się w pierwszej fali ruchów awangardowych. Był to ruch kulturowy, który kwestionował pozytywistyczny porządek racjonalny i wyróżniał się, zwłaszcza w malarstwie, proponowaniem nowych technik, takich jak gotowe, technika polegająca na zabieraniu przedmiotów codziennego użytku, ingerowaniu w nie i przekształcaniu ich w przedmioty nadające się do ekspozycji w muzeum, bez ukrywania ich cech i pochodzenia.

Z czasem kluczowym bezpośrednim motorem napędowym była Independent Group, znana pod akronimem jej angielskiej nazwy IG (Independent Group).

IG powstał w 1952 roku w Instytucie Sztuki Współczesnej w Londynie i działał do 1955 roku. W tym okresie Wielka Brytania, podobnie jak inne w pełni uprzemysłowione kraje Europy, przeżywała rozwój innej miejskiej kultury popularnej, po reglamentacji i oszczędnościach drugiej wojny świat.

W tej grupie uczestniczyło wielu artystów. Jednak to włoski Edouardo Paolozzi stał się założycielem pop Art po pierwszej sesji IG. W tym Paolozzi przewidział kilka kolaże że zrobił z czasopism za pomocą nieprzezroczystego projektora. Pierwszym obrazem był kolażByłem zabawką bogacza (Byłem zabawką bogacza), w której po raz pierwszy użyto słowa „pop”, od którego ruch wziął swoją nazwę.

W tym kontekście GI po raz pierwszy w środowisku artystycznym debatowała nad problemem kultury masowej i jej implikacjami w dotychczasowej definicji kultury. Dla nich to również zmusiło ich do przemyślenia pojęcia sztuki aktualnej.

W tym samym czasie w Stanach Zjednoczonych zachodziły przełomowe zmiany w świecie kultury, zrywając z wszystko, co do tej pory wymyślono, bez kierunku tamtych impulsy.

W tym sensie niezwykle ważnym precedensem dla pop-artu było słynne dzieło 4'33'' kompozytora Johna Miltona Cage'a. Praca ta polegała na wykonaniu partytury trwającej 4 minuty i 33 sekundy, której jedyną pisemną wskazówką było słowo „tacet” (milczenie).

Według interpretacji niektórych, propozycja Cage'a miała na celu postrzeganie hałasu otoczenia wytwarzanego przez publiczność jako dzieła sztuki muzycznej. Bez wątpienia była to absolutna rewolucja, w której muzyka w nieoczekiwany sposób objęła prowadzenie, kwestionując fundamentalny przedmiot swojej dyscypliny. Co zrobiłaby sztuka plastyczna?

Na początek reagowaliby na intelektualizację sztuki i nieuchwytność uznanych artystów w obliczu inwazyjna współczesna rzeczywistość, cechy, które to pokolenie przypisywało zwłaszcza abstrakcyjnemu ekspresjonizmowi Jacksona Pollock. Tym samym nowe pokolenie artystów przywłaszczyłoby sobie ideę Cage'a: zlikwidować dystans między sztuką a życiem. Zobaczmy, dlaczego i po co to zrobili.

Dlaczego i po co narodził się pop-art?

Ujawnione przez nas cechy pop-artu pokazują, że ruch ten miał głębokie znaczenie, w przeciwieństwie do zdań, które zarzucają mu powierzchowność. .

Ten ruch można postrzegać jako sztukę bez kompromisów, ale czasami to stwierdzenie może być niesprawiedliwe. Co prawda ma silny ładunek wizualny, co prawda nie gorszy się symbolami kultury masowej, ale jest w tym też sens.

W bardzo szczególnym przypadku artystów amerykańskich. Byli zainteresowani zbadaniem ostatecznej istoty północnoamerykanizmu w środku tego obrotu śruby, który oznaczał przejście do społeczeństwa masowego. Wraz z tym starali się niejako na nowo odkryć malarstwo figuratywne, które abstrakcyjny ekspresjonizm skrywał za szafą.

Ale ogólnie rzecz biorąc, dla artystów popowych na całym świecie było jasne, że ironia pozwoliła im pokazać, że Materializm i wulgarność uczestniczyły w hegemonicznym porządku, jaki obóz masowy ustanowił w latach 1950-1970.

Jednocześnie dostrzegli, co nowe symbole niosą ze sobą w postaci wyraźnej i ciągłej manifestacji wartości. kultury w okresie transformacji, co wielokrotnie pozwalało im obserwować nowe ikony bez osądzania wartość.

Szeroko rozumiane pop-art poprzez włączenie symboli społeczeństwa konsumpcyjnego nie tylko poszerzył repertuar ikonograficznych wątków sztuki, ale także które ustosunkowały się do dwóch rzeczy: reorganizacji społeczeństwa konsumpcyjnego i odmowy uznania przez elity intelektualne, że zjawisko to obejmuje całe społeczeństwo. kultura.

Tak więc Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman czy Batman byli tak „kulturalni” i godni uwagi dla ich współczesnego świata jako repertuar afrodyt, Wenus, Adonis, Apollos, dziewic, świętych, nosicieli wody, pasterzy, pejzaży, królów i osobowości na wiek XVI.

Najlepsi artyści

Andy Warhol (1928-1987)

Był ważnym artystą plastycznym w Ameryce Północnej, ilustratorem i filmowcem. Odpowiadał za stosowanie zasad marketingu i reklamy w sferze sztuki. W ten sposób otworzył drogi do rozwoju pop-artu.

Ukuł jedno z najsłynniejszych zwrotów w historii sztuki, które dziś spełnia się dzięki nowym technologiom informatycznym: „W przyszłości każdy będzie sławny przez 15 minut”. Wśród jego najwybitniejszych prac można wymienić cykle Puszki zupy Campbel oraz sitodrukowe portrety osób publicznych, takich jak Marylin Monroe, Mao Tse Tung i on sam.

Zobacz też 7 kultowych prac Andy'ego Warhola.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Malarz, grafik i rzeźbiarz. Zastosował technikę komiksową do konwencjonalnych sztuk plastycznych, osiągając tym samym uznanie nowej kultury wizualnej w świecie sztuki. Używał również innych technik, takich jak sitodruk i kolaż. Jego prace są szczególnie znane Pocałunek Tak Wham!.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Karierę malarza rozpoczął pod egidą ekspresjonizmu abstrakcyjnego, ale w połowie życia zaczął poznaj język i możliwości pop-artu, aż stanie się jednym z jego najważniejszych przedstawicieli. Wyróżniał się połączeniem nietypowych materiałów w sztukach plastycznych, co mogło wiązać się nawet z łączeniem malarstwa z rzeźbą, grawerowaniem fotografii i występ. Ta technika stała się znana jako połączyć. Do jego najsłynniejszych prac należą: seria Faktum i seria Działający wstecz.

Jasper Johns (1930)

To amerykański artysta plastyk, w którym widoczne są elementy pop-artu, a także abstrakcyjnego ekspresjonizmu, minimalizmu i neodadaizmu. Jego ulubioną techniką była enkaustyka. W rozdziale Simpsonowie Nazywany „Mom and Pop Art” lub „The Art of Dad and Mom” (w hiszpańsko-amerykańskim tłumaczeniu), Jasper Johns pojawia się jako jeden z artystów, z którymi Homer się zaprzyjaźnia. Pod koniec rozdziału widzi, jak kradnie materiały do ​​swoich prac. Wśród jego najbardziej znanych utworów możemy wymienić Trzy flagi Tak Diana o czterech twarzach.

Może Cię zainteresować:

• Ruchy artystyczne XX wieku
• Hiperrealizm