Sistema Stanislavski: o que é, características e como é usado na atuação

Dizem que as palavras favoritas de Stanislavski para seus pupilos de atuação foram "Não acredito em você, você não me convence". Sua maneira de ver e entender como os artistas de teatro deveriam agir era exigente, mas também meticulosa. Tanto que se tornou um método próprio: o sistema Stanislavski.

Sua abordagem sistemática de atuação não só revolucionou a forma como a atuação era realizada A Rússia de seu tempo, mas também conseguiu cruzar as fronteiras, mudando a direção do teatro ocidental.

Esse método foi crucial para fazer peças, séries e filmes como os conhecemos hoje, e então descobriremos o porquê.

• Artigo relacionado: "O que são as 7 belas artes? Um resumo de suas características "

O que é o sistema Stanislavski?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moscou 1863 - 1938), mais conhecido como Stanislavski, foi um prolífico ator, diretor de palco e educador de teatro russo Conhecido por ser autor de um dos métodos mais importantes para a história das artes performativas: o sistema Stanislavski. Produto de muitos anos de esforço, seu método pretendia permitir que os atores controlassem aspectos da maioria comportamento humano intangível e incontrolável no palco, como emoções e inspiração artístico.

Stanislavski estudou o que os atores fizeram que, naturalmente, conseguiram entrar no personagem. Com base em suas observações e experiências, este diretor russo criou um sistema em que todo ator, tanto novato como veteranos da profissão, puderam aplicar em seus trabalhos conseguindo um ambiente mais limpo, real e natural. Esse método foi tão revolucionário na época de seu surgimento que marcou um antes e um depois no mundo da atuação, estabelecendo padrões que delimitavam a linha entre uma atuação convincente de um artificial e um mau representado.

Esse método foi formulado em uma época em que as artes performáticas de sua terra natal, a Rússia, eram caracterizadas por clichês convencionais e estereotipados. Os atores agiram de maneira artificial, até histriônica. As peças foram banhadas por uma aura de falsa emocionalidade e pouca preparação por parte dos atores, tão pouco que descobriram o que tinham a dizer quando já estavam no palco. Pouco ou nada foi visto nos roteiros de onde saiu o que eles deveriam ter memorizado.

Stanislavski realizou uma pesquisa meticulosa para fazer seus atores trabalharem desde o início com algo que eles percebiam como real., pessoas, elementos e objetos vistos não como meros elementos de uma cena, mas como partes de uma cena real e mundana, parte da própria vida. As pessoas não são atores em nossas vidas, mas fazemos parte delas, vivemos mais do que atuamos.

Para fazer o ator entrar na cena que representa, Stanislavski defende o uso da memória emocional. O ator ou atriz deve se lembrar de uma experiência pessoal semelhante àquela que está tentando representar, ajudando-o a se sentir mais imerso e envolvido no que está tentando representar no palco. Você deve procurar uma situação em sua história de vida em que sentiu uma emoção análoga à de seu personagem.

Mas isso não é alcançado apenas evocando emoções sinceras. Também é necessário um pouco de apoio externo, modificar nossa aparência e comportamento para dar vida ao personagem que se destina a representar ou, melhor, a dar vida. Maquie-se, vista-se, ande, enfim se comporte como o personagem desde atos físicos externos ajudar a desencadear a emoção buscada, seguindo o princípio de que se você começar a chorar, você acaba sendo triste.

• Você pode estar interessado: "20 Filmes sobre Psicologia e Transtornos Mentais"

Os princípios do sistema Stanislavski

O sistema Stanislavski é bastante complexo e não pode ser considerado estático precisamente por causa de quanto evoluiu desde que foi conceituado no início do século XX. Porém, é possível destacar alguns de seus princípios mais importantes, que têm contribuído para marcar um antes e depois na forma como os artistas de teatro e, mais tarde, filmes e séries representaram seus personagens:

1. Concentração no personagem

O ator deve responder ao imaginaçãoaprender a pensar como o personagem, concentrando-se em ser o que ele está interpretando.

2. Senso de verdade

Com um sentido de verdade, poderíamos dizer que uma das ideias deste método é diferenciar entre o orgânico e o artificial. Stanislavski acreditava firmemente que havia leis naturais a serem seguidas nas artes cênicas, que, se respeitada, diferenciava um trabalho bom, natural e harmonioso, de um mau, artificial e exagerado.

• Artigo relacionado: "Os 13 tipos de aprendizagem: o que são?"

3. Aja de acordo com as circunstâncias dadas

O ator deve ser hábil no uso e manejo das circunstâncias que são dadas no texto, mas por meio da verdade e recorrendo a meios orgânicos. Se trata de aderindo ao roteiro, mas libertando-se ao representar sua emoção, mantendo-se fiel ao que consta no roteiro, mas fazendo com que a performance tenha personalidade e naturalidade.

• Você pode estar interessado: “Textos dramáticos: o que são, tipos, características e exemplos”

4. O método físico

Stanislavski viu que muitos de seus alunos tinham profundas tensões emocionais e problemas mentais. Por meio de seu método, ele pode ajudar a remover a tensão física e emocional dos atores, tornando-os Eles irão relaxar seus músculos durante as apresentações e agir de uma forma muito mais liberada.

Somado a isso, o diretor russo atribuiu extraordinária importância ao fator físico que não só servia para relaxar, mas também para encenar com mais precisão. É por isso que seu sistema também é conhecido como método de ação física devido à sua grande ênfase no relaxamento dos músculos durante a execução da performance.

• Artigo relacionado: "Relaxamento progressivo de Jacobson: uso, fases e efeitos"

5. Áreas de atenção

As esferas de atenção é o que Stanislavski quis dizer com trabalhar nas sensações. O ator deve descobrir a base sensorial do trabalho. Em sua tarefa é aprender a memorizar e lembrar as sensações que seu personagem sente, sensações que modulam seu estado de espírito e sua maneira de se comportar com os outros personagens da peça e com o público.

6. Comunicação e contato

O ator deve ser capaz de interagir com outros personagens de forma espontânea, sem violar o conteúdo do livro, mas que não pareça um tanto forçado ou artificialmente preparado. A comunicação e o contato com os demais atores são essenciais durante os ensaios e apresentações finais.

• Você pode estar interessado: “Os 28 tipos de comunicação e suas características”

7. Funções segmentadas em unidades e objetivos

Os artistas devem aprender a dividir o papel ou papel de seus protagonistas em unidades sensíveis que podem funcionar separadamente. Cabe ao ator e à atriz definir cada unidade do papel, sentindo-a como seu desejo. ao invés de entendê-lo como uma ideia literária que surge do libreto do diretor.

8. Criatividade em agir e pensar

Você não pode ser ator sem ser criativo. A creatividade se manifesta tanto em um estado de espírito criativo quanto na forma de agir.

• Artigo relacionado: "O que é criatividade? Somos todos 'gênios em potencial'? "

9. Trabalhe com o texto do roteiro

Este princípio pode parecer óbvio, uma vez que é difícil representar uma obra de forma confiável ignorando completamente o que ela diz no libreto. No entanto, na Rússia, no início do século passado, isso não era tão dado como certo por alguns artistas russos, uma vez que que em muitas ocasiões os roteiros não eram lidos e eles confiavam que lhes contariam suas frases enquanto agiam.

O ator deve respeitar o que coloca no roteiro, memorizando e internalizando suas falas, mas não aprendendo a "vomitar" na hora da peça. O ator deve descobrir o significado social, político e artístico do texto, entenda as ideias que o diretor imortalizou no roteiro da peça. Como artista, o ator ou atriz deve servir de meio para confiar esses valores e visões ao público que veio ver a obra.

A importância do sistema Stanislavski hoje

O sistema Stanislavski evoluiu ao longo do tempo. No início, o que os atores e atrizes tinham que fazer era descobrir a verdade sobre o personagem, tratá-lo como uma entidade real. No entanto, com o passar do tempo a prática de encontrar em sua própria experiência os recursos que lhe permitem sentir o que seu personagem sente foi incorporado Em qualquer situação.

Hoje se entende que o ator não deve apenas entender o que acontece com seu personagem dentro o trabalho, mas também deve saber a situação vital em que se encontra e em que circunstâncias cercar. Sabendo disso e vivendo em sua própria carne, o ator será capaz de reagir da mesma forma que seu personagem faria, tornando a atuação o mais natural possível.

Isso foi um pouco mais longe, chegando ao fato atual de que muitos artistas vivem em seu dia a dia como acham que seus personagens. por exemplo, que seu personagem é um fazendeiro que mora no campo, porque aí o ator passa uma temporada em uma fazenda e vive como se essa fosse sua profissão na vida real. Com o passar dos anos, diferentes escolas de interpretação foram adicionando certas práticas ao Sistema Stanislavski, tornando-se com o tempo o que no mundo da atuação é conhecido como "o método".