Surrealismo: o que é e características desse movimento artístico

O primeiro a usar a palavra "surrealismo" não foi, curiosamente, nenhum dos integrantes do grupo surrealista. Foi Guillaume Apollinaire quem, em 1917, cunhou o termo para se referir a peitos de Tirésias (Les mamelles de Tirésias), uma de suas peças, que chamou de “drama surreal”. Apollinaire morreu no ano seguinte, vítima da (mal)denominada Gripe Espanhola, sem saber que havia plantado o futuro. Anos depois, o grupo surrealista seria formado.

Mas o que era surrealismo, exatamente?? O que sabemos sobre ele? Conhecemos realmente seu significado e seu objetivo essencial, além de rumores e lendas? Propomos uma viagem ao coração do movimento surrealista, a última vanguarda e a que mais tempo durou.

Características do surrealismo

todo mundo sabe o grande interesse do movimento surrealista no mundo dos sonhos. Obviamente influenciados pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud, os surrealistas defendiam trazer à luz os recessos mais ocultos da psique humana. A intenção não era apenas criar comoção (o famoso

épater le burgues, que vem a significar algo como “escandalizar os burgueses”), mas também proporcionar à humanidade um caminho de libertação da angústia, da obsessão e da paranóia.

Embora poetas como Charles Baudelaire (1821-1867) ou Arthur Rimbaud (1854-1891) já tivessem feito referência à épater Em meados do século XIX e, posteriormente, grupos radicais como os dadaístas continuaram apegados à ideia de chocar a burguesia espartilhoada, o surrealismo foi muito mais longe. Porque a corrente surreal não se contenta apenas em causar surpresa e rejeição, mas sim propõe uma solução para a angústia existencial que o ser humano vive. E essa solução, essa resposta, só será obtida pela libertação absoluta da psique, desse subconsciente preso entre convenções, normas morais e desejos profundamente reprimidos.

Assim, em linhas gerais, podemos dizer que a essência do surrealismo é uma tentativa de desinibir o ser humano resgatando seus medos e desejos enterrados; isto é, através de uma jornada ao seu eu mais sombrio e, de alguma forma, mais "animal". O surrealismo lida com temas de natureza geral; temas que podem influenciar o maior número de pessoas, como o conflito entre homens e mulheres, sexo e inveja reprimida, medo da morte, etc.

O objetivo é "acordar" as grandes massas, sacudi-las, tirá-las de suas caixas. Para isso, os surrealistas utilizam imagens cuja única lógica é a lógica dos sonhos, desordenada, paradoxal, contraditória e descontínua. Na literatura, as composições serão fragmentárias, escritas em grande velocidade, muitas vezes sem sinais de pontuação, seguindo o famoso “automatismo” surrealista, do qual trataremos em outro ponto.

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Dos postulados psíquicos à luta social

Já comentamos que o primeiro a denominar uma obra de “surrealista” foi o poeta e dramaturgo Guillaume Apollinaire. Na mesma época (isto é, durante a Primeira Guerra Mundial) Giorgio de Chirico (1888-1978) fazia telas com um marcado caráter surrealista, que ele chamou de "pintura metafísica" e que influenciaria muito o grupo surrealista "oficial".

As paisagens de De Chirico, áridas, desertas, imbuídas de uma solidão sufocante, com ruínas e perspectivas impossíveis, parecem, sim, tiradas de um sonho. Não surpreendentemente, André Breton, o líder indiscutível dos surrealistas e autor de seus manifestos, considerou o pintor o artista mais importante do movimento.

O primeiro manifesto surrealista apareceu em 1924., assinada, entre outros, pelo já referido André Breton (1896-1966), escritor e poeta francês. No manifesto, Breton define o surrealismo como um "automatismo psíquico puro", no qual não há "intervenção reguladora da razão". Ou seja, o artista deve deixar-se levar pelas elucubrações do seu subconsciente; a criação autêntica ocorre quando as restrições do eu superior são anuladas e tudo é deixado nas mãos do que há de mais oculto em nossa mente, para que o verdadeiro ser possa fluir livremente.

Para bretão, a composição poética está inevitavelmente ligada à “escrita automática”, procedimento pelo qual o autor escreve a primeira coisa que lhe vem à cabeça, sem impedir o fluxo orgânico de suas ideias. Nesse sentido (como em muitas outras coisas) o surrealismo deve muito ao movimento dadaísta, que já havia defendido algo semelhante: Tristão Tzara, o líder dadaísta, propôs recortar palavras e frases de jornais e revistas, colocá-las em um saco e depois extraí-las. De qualquer forma, há uma clara diferença entre os dois procedimentos "automáticos"; enquanto a do dadaísmo é mecânica e intimamente ligada ao acaso, a do surrealismo nasce da própria psique humana.

A partir de 1925, o surrealismo adere claramente à política. De fato, a maioria de seus membros (incluindo André Breton) manifestam claras simpatias comunistas, a ponto de apontam que ele próprio e alguns de seus companheiros (Aragon, Éluard e Péret) se filiam ao Partido Comunista Francês. A partir de então, a posição política do grupo, principalmente de seu líder, radicaliza-se.

Breton não entende mais o surrealismo se não for um veículo para a atividade social, e essa atividade social está ligada à luta contra o capitalismo. Outros membros, como o jovem Salvador Dalí (1904-1989), relutam em se envolver tão abertamente na política. Uma indecisão que, aliás, lhe vale a rejeição do grupo.

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E a pintura surreal?

A princípio, como vimos, o movimento surrealista se limitava à criação literária. Isso faz sentido se voltarmos à ideia de “escrita automática”, pois como fazer o mesmo com uma pintura?

A pintura surrealista sempre foi uma pintura figurativa; ou seja, representava elementos concretos e afastava-se significativamente do abstracionismo. Mas representar elementos concretos está em contradição com a criação espontânea de que falavam os surrealistas, pois requer uma ideia, um planejamento prévio, um processamento do eu consciente.

Como, então, fazer pintura surreal? Dalí, por exemplo, propôs o que chamou a imagem múltipla ou paranóica, através do qual um objeto, sem nenhuma modificação prévia, tornava-se diante dos olhos do observador um objeto diferente com o qual nada tinha a ver. Um exemplo claro disso é sua tela Aparição de um rosto e uma fruteira em uma praia (1938). Na pintura vemos claramente um vaso com peras. Mas, quase magicamente, aquele vaso vira um rosto, e a paisagem ao fundo vira um cachorro… e assim por diante. Dalí sustentava que as imagens eram diretamente proporcionais ao grau de capacidade paranóico-obsessiva do espectador.

Por seu lado, Max Ernst (1891-1976) capta a linguagem surreal através de florestas e paisagens silenciosas mas perturbadoras, onde tudo se confunde aos olhos de quem vê. René Magritte (1898-1967) exibe um realismo muito detalhista, mas introduz cenas impossíveis em suas obras que, de fato, parecem tirados de um mundo de sonho.

Houve, no entanto, alguns pintores que seguiram os postulados da criação espontânea e desenfreada. Por exemplo, Joan Miró (1893-1983), cujas obras, aparentemente, nada têm de figurativo; e André Masson (1896-1987), que deixa seu pincel arrastar por obsessões transformadas em símbolos. Masson também foi pioneiro no uso de materiais inovadores para suas armações, como goma arábica e areia.

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surrealismo no cinema

O surrealismo nas artes cênicas teve um ilustre representante em Antonin Artaud (1896-1948), o primeiro dramaturgo que incorporou princípios surrealistas no teatro. Artaud considerava que o teatro deveria representar uma catarse para o público, no antigo estilo grego, e para isso utilizava ruídos perturbadores e estranhas misturas de luzes e sons. Apesar de aderir aos postulados surrealistas, Artaud nunca fez parte do grupo de Breton, em parte por seu caráter recluso e solitário. Sofrendo de graves distúrbios mentais, ele morreu em um hospital psiquiátrico aos 51 anos.

O cinema, grande inovação do século XX, foi a etapa seguinte (e nunca melhor dita) a que subiram os surrealistas. Um dos cineastas mais proeminentes foi Luis Buñuel (1900-1983) que dizia que “o primeiro filme que vemos na vida são os nossos sonhos”. Em colaboração com Salvador Dalí, que chegou a Paris naquele ano, realizou O Cão Andaluz (1929), considerado o ápice do cinema surrealista.

O filme consegue reproduzir perfeitamente o que é um sonho: uma sucessão de imagens com pouco ou pouca conexão entre si, objetos que são primeiro uma coisa e depois outra, saltam no tempo, contradições. Além disso, e como não poderia deixar de ser, o filme acerta em cheio e apresenta as inibições sexuais da burguesia espartilho do momento. Nesse sentido, relaciona-se com o roteiro que o citado Artaud escreveu para o cinema e que foi traduzido para o o filme La concha y el clerigo, onde um eclesiástico persegue febrilmente a mulher que é objeto de sua desejos.

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Surrealismo antes do surrealismo

É interessante terminar este artigo com uma observação: muitos dos movimentos na história da arte não eram novos quando foram criados. Nós nos explicamos. Muito antes do impressionismo, já existiam pintores, como Velázquez, Goya e, sobretudo, Turner, que já brincavam com pinceladas soltas para transmitir os efeitos da luz. Obviamente, você não pode chamá-los de impressionistas, mas vamos nos entender; Monet e companhia não descobriram nada de novo. Eles simplesmente o formalizaram e o transformaram em um estilo, uma tendência artística.

A mesma coisa acontece com o surrealismo. Porque quem pode negar que El Bosco é um pintor surrealista? Sim, viveu no século XVI, cronologia muito distante de André Breton e companhia. Mas vamos olhar para o seu trabalho. Vamos olhar para o jardim das delícias (1500-1505), a carroça de feno (1512-1515) ou As tentações de San Antonio Abad (1510-1515); as cenas têm uma forte carga onírica, de sonho (ou melhor, de pesadelo). Aliás, algumas das paisagens “bosconianas” lembram muito Dalí que, aliás, tinha o projeto de escrever um livro sobre “o surrealismo antes do surrealismo”. Parece que ele nunca terminou.

Encontramos muitos outros "surrealistas" que viveram antes do surrealismo. Pieter Brueghel, o Velho (c. 1526-1569), em seu o triunfo da morte, se desenrola uma paisagem arrepiante, árida, desconhecida, povoada por esqueletos que lutam para levar as almas dos vivos. E, já no século XIX, temos um Goya enlouquecido pela surdez e pelos desastres da guerra, cujo as pinturas negras não são apenas um tanto surreais, mas também são precursoras do expressionismo Alemão.

Por sua vez, Johann Heinrich Füssli (1741-1825) exibe o romantismo mais sombrio com obras como O pesadelo, onde uma jovem é atormentada por um íncubo, e William Blake (1757-1827), ilustrando Paraíso Perdido, de Milton, com aquarelas mostrando visões assustadoras e estranhas. Nada de novo sob o sol.