Realismo na arte: características, origens e exemplos

A arte é uma expressão intrinsecamente humana. Precisamente por isso, e pela extraordinária diversidade cultural que sempre existiu, cada época e cada comunidade tem exercido a criação artística de diversas formas, adaptando a arte às suas próprias necessidades de expressão e comunicação.

A arte nem sempre procurou imitar a realidade; não só na vanguarda do século XX experimentou um afastamento considerável dela, mas também não encontramos realismo na expressão artística de civilizações como o antigo Egito ou o Ocidente medieval. No entanto, houve culturas e momentos históricos em que a imitação da natureza era o mais importante, e a ideia estava completamente subordinada à representação da realidade.

Como surgiu o realismo na arte? Qual tem sido sua evolução? Neste artigo tentaremos traçar um percurso pelas diferentes manifestações artísticas e seu grau de realismo.

O que é realismo na arte?

É importante distinguir entre dois conceitos: Realismo como tendência artística e Realismo como característica de uma obra de arte.

. Assim, enquanto o primeiro é um movimento plástico e literário que se limita às décadas que vão de 1840 a 1880, o realismo em termos de característica de uma obra de arte tem a ver com o grau de realismo que a obra apresenta, nomeadamente: perspectiva, proporção, volumes, espaço, etc

Desta forma, nem todas as obras realistas pertencem à corrente do Realismo, assim como uma obra enquadrada neste movimento não deve apresentar características realistas (embora esta última não seja a mais usual).

Características do Realismo como corrente artística do século XIX

O movimento Realismo surgiu na França e significou uma clara resposta ao seu predecessor, o Romantismo. Assim, enquanto este último se inspirava em temas lendários e trazia emoções humanas ao seu paroxismo, O realismo propôs uma virada radical e direcionou seu olhar para a realidade circundante do dia a dia. Essa visão realista dos assuntos tornou-se, com o naturalismo (o filho "escuro" do realismo), uma exploração sórdida do submundo e das situações mais sombrias da humanidade. Alguns dos mais importantes representantes pictóricos dessa corrente são Jean-François Millet e, no meio literário, Émile Zola, considerado o pai do Naturalismo.

Assim, temos que o Realismo e o Naturalismo, ao nível das correntes artísticas do século XIX, exploram temas relacionadas com a vida quotidiana e afastam-se de motivos que não sejam baseados numa observação empírica do ambiente do artista. É por isso que tanto um como o outro (especialmente o Naturalismo) costumam representar uma denúncia ácida da precariedade social que veio com a Revolução Industrial.

Por outro lado, o realismo como característica de uma obra de arte está relacionado, como já dissemos, com suas características formais. Com este exemplo ficará bem claro: uma obra renascentista que ostenta uma perspectiva matemática e respeita a volumes de figuras é uma obra formalmente realista, mas não está de forma alguma circunscrita ao atual realista do século 19

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Desde quando existe realismo na arte?

Já nas primeiras manifestações artísticas (a chamada arte rupestre) encontramos características que poderíamos considerar realista. Porque, apesar de no bisão de Altamira e nos cavalos representados nas grutas de Lascaux (França) não encontrarmos qualquer indício de perspectiva ou um desejo autêntico de representar uma cena real, encontramos detalhes incomuns na representação do animais.

Apesar disso, ainda não podemos falar de arte realista, pois as pinturas rupestres Em geral, apresentam uma evidente esquematização e estariam mais relacionados a uma arte conceptual. Na verdade, de um modo geral, a arte da humanidade nunca foi estritamente realista até o advento do Renascimento, com exceção, é claro, da arte grega e romana.

No Egito voltamos a encontrar uma arte eminentemente conceitual: são feitas tentativas de expressar conceitos e ideias, e até mesmo cenas as atividades cotidianas seguem convenções marcadas que nada têm a ver com uma representação mimética da realidade em torno da. Na arte do antigo Egito, as cenas são organizadas em faixas horizontais, não havendo uma ordem realista dos elementos da representação.. Além disso, foram escolhidas as partes mais significativas de cada elemento, de modo que o rosto foi representado de perfil, os olhos e o tronco à frente e as pernas ao lado. Esta não obedecia a nenhuma realidade e subordinava-se exclusivamente ao desejo de representar as partes mais reconhecíveis de cada elemento.

Ou seja, os egípcios "moldaram" a realidade à sua maneira. Os artistas do Vale do Nilo seguiram rigorosamente um sistema de escala relacionado com a importância do indivíduo representado. Assim, na mesma cena e no mesmo plano, encontramos algumas figuras muito maiores que outras. Essa diferença de tamanho não se deve a nenhuma tentativa de perspectiva, mas está ligada à hierarquia (aliás, muito rígida) do Egípcios: um deus sempre será representado muito maior que um faraó, este sempre será muito maior que sua esposa e filhos, etc

Essa representação conceitual será recuperada na arte medieval, como veremos adiante. Mas entre a arte das civilizações antigas e a da Idade Média havia um breve parêntese de arte realista: arte grega e arte romana, que discutiremos a seguir.

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O parêntese “realista”: Grécia e Roma

A arte grega arcaica estava intimamente relacionada com a forma de representação dos povos do Oriente, especialmente do Egito. No entanto, para o século VI a. c. algo começou a mudar. É o chamado período grego clássico, em que se incentiva um tipo de representação plástica mais condizente com a realidade.

O crescente interesse dos gregos pela anatomia humana origina uma produção escultórica que imita rigorosamente a natureza. é o mimese grega, a tentativa de captar a realidade como ela é, seguindo, portanto, critérios de proporção, volume e simetria.

Porém, apesar de captarem anatomias tremendamente realistas em mármore e bronze, não esqueçamos que, ao mesmo tempo, essas obras obedeciam ao que entendiam por “ideal de beleza”. Em outras palavras, embora anatomicamente perfeitos, os deuses e deusas na escultura grega representam protótipos, não pessoas concretas e identificáveis.

Para isso, é preciso esperar por Roma, onde a individualização atinge patamares insuspeitados através do retrato. Por outro lado, os afrescos encontrados em Pompéia, especialmente os correspondentes aos chamados segundo e quarto estilo pompeiano, mostram um realismo que não será encontrado novamente na pintura ocidental até o século XV.

Essas pinturas permaneceram escondidas por séculos, enterradas pelos restos das cinzas produzidas pela erupção do Vesúvio. Paradoxalmente, o desastre permitiu que os vestígios se conservassem praticamente intactos até à descoberta das ruínas no século XVIII. A surpresa dos descobridores foi enorme, pois diante de seus olhos foram expostas algumas pinturas de primorosa qualidade e um realismo ainda mais surpreendente.

De fato, nos afrescos do chamado segundo estilo pompeiano, eles são mostrados através de uma janela fictícias perspectivas arquitetônicas altamente elaboradas, que realmente parecem "abrir" um espaço a parede. A mesma técnica foi usada muitos séculos depois por Masaccio em seu afresco da Trindade, da florentina Santa Maria Novella, que surpreendeu seus contemporâneos porque parecia abrir um buraco na parede da igreja.

plástico medieval

O trabalho de Masaccio foi muito inovador para a época; Pensemos que, desde os afrescos pompeianos, nenhuma tentativa foi feita para criar um espaço de realismo tão pronunciado. A arte medieval que se seguiu aos últimos anos do Império Romano é, em geral (não podemos nos deter aqui em todos os estilos e manifestações) esquemática e eminentemente conceitual.

Assim como os egípcios, os artistas medievais não representavam espaços e elementos reais, mas expressavam, por meio da pintura e da escultura, uma série de conceitos e ideias. Elementos como simetria e volume se perdem nesse tipo de trabalho., mas não, como muitos afirmaram (e infelizmente ainda sustentam) porque "não sabiam pintar", mas porque seu objetivo ao representar essas obras não era imitar a natureza.

Existem muitos tópicos sobre a "inexpressividade" românica; inexpressividade que não é tal, como rapidamente se pode apreciar se se contemplar com atenção alguns dos relevos que se conservaram. Porque embora a arte plástica românica (e a arte medieval em geral) seja eminentemente conceptual (tal como a plástica egípcia), não é verdade que lhe falte expressão. O problema é que a forma de expressão deles não é a nossa, então muitas das formas que os artistas românicos tinham para captar sentimentos e emoções não correspondem à nossa linguagem atual.

Por outro lado, muitas das obras de arte do românico estão carregadas de pormenores, que se podem manifestar na queda do séc. nas dobras de uma túnica (esquemática, mas frequentemente muito detalhada) ou nas orlas que decoram uma toalha de mesa do Séc. Jantar.

A conquista da perspectiva

No início do século XV, Filippo Brunelleschi marcou um marco na história da arte ao estabelecer o procedimento da perspectiva matemática ou linear. Um pouco mais tarde, Alberti escreveu as novas teorias de Brunelleschi em seu trabalho de imagem (1435). A partir de então, a arte ocidental será construída sobre esses preceitos, que serão considerados a base da "boa" pintura.

Então, Durante todo o século XV e parte do século XVI, o Renascimento italiano tentou reproduzir a perspectiva linear em suas obras pictóricas.. Essa perspectiva é alcançada através do estabelecimento de um ponto de fuga, de onde emergem todas as linhas que constroem o espaço da pintura. Isso produz uma ilusão de ótica que dá ao cérebro a sensação de profundidade.

O chamado Renascimento flamengo coexiste com o Renascimento da península italiana, outro dos grandes revoluções na pintura que, neste caso, foram realizadas pelos artistas da Flandres no século XVIII. XV. Esses “primitivos flamengos” dotaram suas obras de profundidade pela sucessão de planos e, Acima de tudo, eles estabeleceram um marco no realismo pictórico ao reproduzir todos os detalhes do objetos. Diz-se que, nas pinturas de Jan van Eyck, todas as espécies de plantas que aparecem podem ser catalogadas graças à profusão de detalhes.

A perspectiva matemática italiana, porém, foi a grande vencedora da arte ocidental da era moderna e, a partir do século XVI, o realismo marcou a pintura europeia. A arte barroca é uma arte eminentemente realista porque, apesar de ter (razoavelmente) fama de ser uma arte exaltada e altamente emocional, também reserva um lugar para a representação da realidade: velhos com rugas, rostos desdentados, crianças com os pés sujos, naturezas mortas de frutas capturadas com extraordinário realismo…

Regresso às origens do realismo artístico

A arte realista dominou a cena artística ocidental até meados do século XIX, quando surgiram as primeiras rupturas com a arte “tradicional”.. Impressionistas, correntes estéticas e, mais tarde, fauves, questionou o que, desde o século XV, havia se estabelecido como a base indiscutível da "boa" arte.

A vanguarda do século XX constitui, então, uma espécie de retorno às origens. Artistas de vanguarda, na ânsia de se distanciar da arte acadêmica e oficial, buscam novas formas de expressão, e as encontram na destruição do "realismo"; ou seja, a perspectiva, a proporção, a coerência composicional. Em uma palavra, a estrita imitação da realidade.

Conhecido é o caso de Picasso, cujos desenhos lembram muitas vezes as miniaturas moçárabes, ou os cubistas que, à semelhança do que Os egípcios, mais de dois milênios antes, quebraram a visão realista dos objetos e os reproduziram de forma absolutamente subjetivo.

O hiper-realismo e as novas correntes realistas

Muitas vezes, as diferentes correntes e expressões artísticas respondem umas às outras. Já mencionamos na introdução como o movimento realista do século XIX foi uma resposta ao romantismo das décadas anteriores. Pois bem, atualmente encontramos no panorama artístico uma corrente que eleva o realismo pictórico a limites insuspeitados; nos referimos à chamada corrente hiper-realista.

O hiper-realismo nasceu no final do século XX, em parte como resposta à tendência conceptual e abstracta das artes plásticas.. Essa corrente leva a imitação da natureza à sua expressão máxima, o que transforma suas pinturas em reproduções fotográficas (aliás, também é chamada de fotorrealismo). A nitidez das composições é tal que muitas vezes é realmente avassaladora para o espectador; Claro, não faltam detratores, que o chamam de simples imitador da realidade.

A questão é: a arte deve copiar a natureza, como argumentavam os antigos gregos com sua mimesis, ou ela tem uma "obrigação" de contribuir com algo novo? Se partimos do princípio de que uma imitação nunca é uma reprodução exata da coisa real (pois sempre passa pelo crivo do artista), talvez o que devêssemos nos perguntar é se "a arte realista".