Os 10 artistas barrocos mais importantes

É difícil, senão impossível, escolher 10 artistas entre os grandes nomes que o Barroco nos deu. No entanto, neste artigo, vamos tentar. oferecemos-lhe uma lista dos 10 maiores artistas barrocos que foram verdadeiros gênios da pintura, escultura e arquitetura, junto com sua biografia (muitas vezes cheia de acontecimentos).

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Artistas barrocos que você deveria conhecer

Claro, existem muitos mais. O Barroco é um movimento que deu esplendor às artes e deixou para a posteridade nomes ilustres como Velázquez, Rubens ou Bernini. Aqui deixamos apenas 10 desses artistas mais importantes, mas encorajamos você a investigar para conhecer os outros artistas barrocos que permanecem na calha. Aproveite o passeio!

1. Diego Velazquez

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) é sem dúvida um dos maiores expoentes do Barroco. Nasceu na cosmopolita Sevilha no final do século XVI, um dos centros económicos e artísticos mais dinâmicos da Europa. Já na juventude, recém-saído da oficina de Francisco Pacheco (com a filha com quem, aliás, se casou), Velázquez demonstra um raro talento que se evidencia em obras como o

Velha fritando ovos (1618) ou O menino da água de Sevilha (1620). O excepcional retrato de Jerónima de la Fuente, feito quando o pintor tinha apenas 21 anos, é um exemplo maravilhoso de a maestria inata do artista em capturar a psicologia de seus súditos.

Aos 24 anos encontramos Velázquez em Madrid onde, com a ajuda do sogro e alguns dos seus contactos, é apresentado a Felipe IV. Logo o monarca, que não é indiferente à qualidade artística, nota sua obra. Para este monarca e seu círculo, o artista criou autênticas obras-primas, como a série de retratos de Felipe IV, o magnífico retrato equestre do Conde-Duque de Olivares ou o célebre As meninas, executado já em sua fase de plenitude artística.

Rubens, que conheceu pessoalmente, implora a Felipe IV que envie Velázquez para a Itália. Esta primeira viagem à península italiana proporciona ao artista o conhecimento dos clássicos e dos mestres renascentistas. O resultado de sua jornada italiana é seu trabalho Forja de Vulcano (1630), uma das pouquíssimas pinturas de temática mitológica que encontramos em seu corpus pictórico. Na sua segunda passagem por Itália, realiza aquele que será o único nu da sua obra, o espelho venus (1647-1651), e que será também um dos poucos nus da pintura espanhola junto com o pilão de Goya.

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2. Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) é uma dessas personalidades artísticas avassaladoras que aparecem de tempos em tempos na história da arte.

Notável escultor, mas também pintor e arquiteto, ele tem sido frequentemente comparado a Michelangelo por suas muitas facetas, todas executadas com grande qualidade artística. O jovem Gian Lorenzo havia se formado na oficina de seu pai, que era escultor, e logo demonstrou o talento inato que possuía. Os grupos escultóricos encomendados pelo cardeal Borghese o consagram como um dos melhores escultores de sua geração. De fato, em algumas dessas obras, como O sequestro de Prosérpina qualquer Apolo e Dafne, o artista exibe toda a sua maestria com o cinzel. As esculturas apresentam um realismo impressionante e criam uma extraordinária ilusão de movimento.

Bernini desenvolve seu corpus artístico sob o mandato de nada menos que sete papas. A partir de 1629, e com apenas 31 anos, Bernini assumiu o comando do maior monumento do cristianismo: a Basílica de San Pedro, cuja reforma começara alguns séculos antes e incluira autênticos gênios como Michelangelo, Rafael e Fio. Bernini também se encarrega do impressionante dossel de bronze maciço que adorna o altar-mor da basílica e da Cátedra de San Pedro (também em bronze), assim como a não menos impressionante Plaza de San Pedro e sua colunata. Elevada ao topo pelo Papa Urbano VIII, a Roma barroca deve-se, em parte, à sua obra prolífica e surpreendente.

3. Pedro Paulo Rubens

Para muitos, evocar a pintura barroca é evocar Rubens (1577-1640). De fato, Ele foi um pintor prolífico que teve numerosos discípulos e assistentes em sua oficina. para dar lugar à enorme demanda que recebeu. Todas as casas aristocráticas queriam uma obra de Rubens. E, entre seus maiores clientes, estava a coroa espanhola dos Habsburgos.

Peter Paul Rubens nasceu na Vestfália, na atual Alemanha. Ele logo se estabeleceu em Antuérpia, onde recebeu educação pictórica e humanística das mãos de artistas maneiristas. Depois de uma passagem pela Itália e, posteriormente, pela Espanha, onde fez o famoso e impressionante retrato equestre do duque de Lerma, de confiança do rei Felipe III, Rubens instalou-se em Antuérpia e casou-se com Isabel Brant. Naqueles anos, o artista estava no auge de sua fama, e fez telas impressionantes sobre temas religiosos e a exaltação da monarquia. Mas provavelmente as pinturas pelas quais Rubens é mais lembrado são aquelas que tratam de temas mitológicos.

O artista tinha uma sólida formação humanista, reforçada em suas viagens à Itália, e soube transferir esse conhecimento para suas telas. Eles são notáveis ​​por suas cores requintadas e suas pinceladas sensuais. As Três Graças (1639), obra bastante tardia na sua produção e que inclui a representação da sua segunda mulher, Helena Fourment; o Criação da Via Láctea (1636-38) e O julgamento de Paris (1638).

4. anton vandyck

Anton Van Dyck é um dos grandes nomes da pintura barroca inglesa. Ele é considerado por muitos autores como um discípulo de Rubens, mas este é um assunto ainda sujeito a debate. O facto de, nas encomendas que receberam, ambos os pintores terem recebido honorários idênticos, leva-nos a supor que, mais do que um discípulo, Van Dyck foi seu colaborador.

Apesar de ser um pintor excepcional em todas as áreas, Van Dyck é especialmente lembrado por seus retratos.. Carlos I de Inglaterra, fascinado pelo seu trabalho, chama-o para o seu lado e nomeia-o pintor de câmara em 1632, pelo que Flamengo se instala permanentemente em Londres e casou-se com Mary Ruthwen, de quem fez, em 1639, um delicioso retrato em que a senhora aparece vestida com um vestido de seda vestido azul. Mary sofria de alopecia e seu marido não esconde esse "defeito" em seu retrato. No entanto, representa a jovem com a doçura e dignidade que caracterizam as suas obras, em que a realidade da personagem se mistura com um halo de elegância e requinte.

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5. Artemísia Gentileschi

Uma das mais famosas pintoras barrocas, Artemisia Gentileschi (1593-1656) é, no entanto, lembrada quase exclusivamente pelo triste episódio de seu estupro. Produziu sua primeira grande obra com apenas 17 anos, Susana e a velha (1610), onde ilustra a conhecida passagem da Bíblia de forma realista e contundente.

Formada na oficina de seu pai, Orazio Gentileschi, aos 18 anos coloca à sua disposição uma professora particular, já que a condição de mulher de Artemisia a impedia de acessar uma academia. Este tutor, Agostino Tassi, abusa sexualmente dela, pelo que o pai leva o criminoso a tribunal. Artemísia (que é, na verdade, a vítima), é submetida a um interrogatório humilhante, uma vergonhosa exame ginecológico e, por fim, a uma tortura mais que horripilante, "verificar" o que VERDADEIRO. Artemisia se mantém firme e Tassi é condenada a um ano de prisão e exílio.

Comenta-se que uma das obras mais famosas do artista, Judite decapitando Holofernes (1612-13), é uma espécie de vingança, um grito de raiva lançado aos quatro ventos para dar vazão à dor que este episódio da sua vida lhe causou. Não sabemos se foi exatamente assim, mas o certo é que a tela tem uma crueza de partir o coração, e provavelmente supera a obra homônima de Caravaggio, de quem, aliás, a Artemisia tirou seu tenebrismo e o magnífico e avassalador chiaroscuro.

6. Francesco Borromini

A biografia de Francesco Castelli (1599-1667), que mais tarde mudou seu sobrenome para Borromini, é famosa por seu final trágico. Na manhã de 2 de agosto de 1667, o artista, provavelmente imerso em grave depressão, atirou-se sobre a espada. desapareceu com ele uma das luzes mais brilhantes do barroco italiano.

Eterno inimigo de Gian Lorenzo Bernini, a vida de Borromini foi uma luta contínua para se manter no topo. Roma era, naqueles dias, o epicentro da arte européia. Os papas se sucederam e encomendaram obras uma após a outra, com a intenção de embelezar a Cidade Eterna e torná-la um símbolo vivo da Contra-Reforma. Francesco Borromini chegou à cidade pontifícia com apenas 20 anos, após uma passagem por Milão, onde havia trabalhado no Duomo. Em Roma, Borromini começou a trabalhar na Basílica de São Pedro e, mais tarde, no Palácio Barberini, junto com seu posterior rival, Bernini.

Muitos autores se perguntam qual foi o real motivo que levou o grande artista a acabar com a vida. Parece que Borromini tinha um caráter melancólico, que se acentuou com o passar dos anos e viu que as principais ordens papais recaíam sobre seu inimigo. É mais do que provável que isso, somado à sua própria instabilidade emocional e à morte do amigo e confidente Fioravante Martinelli, o tenha mergulhado, como já dissemos, em grave depressão. Seja como for, no dia 2 de agosto de 1667, o mundo perdia um dos maiores artistas barrocos, autor, entre outras maravilhas, da esplêndida igreja de San Carlo alle Quattre Fontane, em Roma.

7. Michelangelo Merisi (Caravaggio)

Michelangelo Merisi, mais conhecido como "Il Caravaggio" (1571-1610) é outro daqueles artistas que, como Vermeer, nos deixou poucos exemplos de sua magnífica obra. De fato, são poucos caravaggios que se conservam no mundo, em parte devido à sua fugaz passagem pelo mundo (morreu aos 39 anos). caravaggio Ele é famoso, entre muitas outras coisas, por ser o "inventor" do tenebrismo, um efeito de contrastes entre claro e escuro que daria uma marca de personalidade a todos os seus pinturas, e que seriam imitadas por outros artistas, entre eles a também grande Artemisia Gentileschi.

Quando a família de Caravaggio se mudou para Roma, o jovem começou a treinar em modestas oficinas de pintura. Sua primeira grande obra conhecida é o menino descascando fruta, de 1592, feita quando Caravaggio vivia com monsenhor Colonna, a quem o jovem pintor apelidou de “monsenhor alface” devido à dieta pouco variada que o clérigo lhe oferecia. Muitos autores apontaram os possíveis favores sexuais que os jovens pintores davam em troca de um lar e proteção. O fato é incerto, mas é uma possibilidade inteiramente plausível. Na verdade, a vida de Caravaggio sempre deslizou pelas profundezas mais baixas e sombrias da sociedade.

Desses ambientes tirou os modelos para suas pinturas, e por isso encontramos em suas obras aquele ar de realidade e naturalismo que nos move. De fato, algumas de suas obras foram rejeitadas por seus patronos por seu naturalismo acentuado, que pecou contra o "decoro" (nome dado à maneira correta de representar as cenas religioso). Um caso conhecido é A morte da Virgem (1604), para o qual Caravaggio modelou uma prostituta afogada no Tibre.

O próprio Caravaggio não escapou da influência nociva dos círculos obscuros que frequentava. Famoso por suas brigas e embriaguez violenta, em 1607 ele matou um homem em uma briga e teve que fugir de Roma. A partir daí, sua vida será uma peregrinação contínua até sua própria morte, ocorrida em 1610.

8. Luisa Roldán (“La Roldana”)

Luisa Roldán (1652-1706) é um dos nomes femininos que deveriam ser emoldurados com letras douradas na história da arte. Injustamente esquecida nos livros, como a maioria de suas companheiras, Luisa dirigiu um atelier de escultura em meados do século XVII. Nasceu na agitada e dinâmica Sevilha do século XVII, que também viu treinar outros grandes nomes como Velázquez ou Murillo, e treinou na oficina de seu pai, Pedro Roldán. Durante os primeiros anos, Luisa esculpiu figuras imponentes em tamanho natural que seguiram as diretrizes da Contra-Reforma Católica; a maioria deles destinados a procissões andaluzes. Também é famosa por sua produção de figuras de terracota para os presépios de estilo napolitano, que estavam na moda na época.

Luisa viveu com o marido em Sevilha (com quem se casou aos 19 anos sem o consentimento dos pais) até 1686, ano em que se mudaram para Cádiz. O palco de plenitude de Luisa Roldán é, no entanto, o seu palco em Madrid, cidade onde chegou em 1689, acompanhada do marido e dos filhos. Em 1692 chega a tão esperada nomeação: D. Carlos II nomeia-a escultora de câmara. Desta época madrilenha são as suas obras em terracota de pequeno formato, destinadas a famílias nobres e burguesas para devoção privada. Como é o caso da maioria das mulheres artistas, até recentemente grande parte de seu trabalho era atribuído ao pai ou ao marido. Felizmente, atualmente novos estudos têm colocado os pontos nos is e demonstrado a produção prolífica deste artista sevilhano, um dos grandes escultores do barroco hispânico.

9. Bartolomé Esteban Murillo

Se algo é lembrado a nível popular deste exímio artista do barroco espanhol, é a sua Imaculada Conceição e os seus belos Meninos Jesus e São João.

Com efeito, a obra de Murillo (1617-1682) foge à famosa monumentalidade barroca e introduz-nos num mundo de doçura íntima que parece tirado do cotidiano mais estrito. Um grande exemplo dessa "descida do religioso à terra" que, por outro lado, é típica da linguagem barroca, é sua famosa pintura A Sagrada Família do passarinho, onde nos é mostrada uma família comum, entregue às tarefas diárias. A Virgem, ao fundo, observa São José brincando com o Menino. Não há nada na cena que nos diga que os personagens são santos, nem que a criança é filha de Deus. É um instantâneo de uma família comum na Espanha do século XVII. E esse é o verdadeiro valor do trabalho de Murillo.

O artista sevilhano recolhe também na sua obra, paralelamente ao característico naturalismo barroco, um requinte que quase anuncia a estética rococó do século seguinte. Suas pinturas naturalistas extraem os motivos e personagens da vida cotidiana, como Caravaggio e Velázquez fizeram. em sua tela Crianças comendo uvas e melão, vemos dois meninos que se divertem devorando frutas, possivelmente um dos poucos alimentos aos quais terão acesso em vários dias. Os pezinhos sujos e as roupas rasgadas são notas de realismo com que Murillo aponta a pobreza dos meninos. Por outro lado, suas famosas Imaculadas Conceições, símbolo da Contra-Reforma, posam ao mesmo tempo monumentalidade e doçura, e os rostos dessas virgens estão entre os mais belos do pintura espanhola.

10. Johannes Vermeer

Vermeer (1632-1675) é, juntamente com Caravaggio, um dos pintores que nos deixou o menor corpo de arte. Apenas trinta obras são divulgadas entre os melhores museus do mundo, mas essa escassa produção suficiente para perceber que estamos diante de um dos grandes gênios da pintura universal.

Johannes Vermeer nasceu em Delft no outono de 1632. Naqueles anos, as chamadas Províncias Unidas já eram independentes da coroa espanhola, e no país desenvolve-se uma extraordinária produção artística, que tem sido chamada de Idade de Ouro dos Países Baixo. Os grandes patronos, ao contrário dos países católicos, eram os burgueses e comerciantes das cidades. É por isso que na Holanda encontramos outro tipo de linguagem pictórica, que nada tem a ver com o barroco meridional.

A burguesia holandesa, que também era protestante, não queria grandes telas de apoteose bíblica, mas preferia cenas de intimidade cotidiana. E foi nisso que Vermeer foi um verdadeiro mestre.

Os interiores vermeerianos são requintados, apesar do fato de que quase todos eles ocorrem na mesma sala, da qual apenas a posição dos elementos muda. Em todas as suas obras, os personagens parecem pegos de surpresa enquanto realizam suas atividades do dia-a-dia. Vemos uma jovem absorta na leitura de uma carta na peça menina lendo uma carta (1657), que não percebeu a nossa presença, ou outra jovem que, apoiando a cabeça na mão, tira um breve cochilo (menina dormindo, 1657). Em todas as obras de Vermeer temos a sensação de entrar em um mundo que não nos pertence.