10 Obras de Arte sobre o Tempo

Tempus fugitivo, disseram os latinos; "o tempo corre". E assim é. Além das recentes teorias da relatividade, sempre houve um conceito concreto de tempo. Para os antigos era algo cíclico, que voltava sempre ao seu ponto de partida; para homens e mulheres medievais, era linear e terminava com a segunda vinda de Cristo.

Para a época barroca foi o grande destruidor da beleza e das coisas efémeras, daí a grande profusão de vaidade (vaidades), obras onde foram introduzidos elementos que atestam a passagem do tempo e a sua implacável destruição. Já para os românticos do século XIX, o tempo era o principal construtor de sua nostalgia; uma nostalgia do passado que se traduziu num gosto pela ruína e pela decadência.

10 obras de arte famosas sobre o tempo

É difícil escolher entre tantas obras que falam sobre o tema do tempo; esse É um conceito muito recorrente na história da arte.. A seguir, apresentamos alguns dos mais relevantes.

1. menstruaria do Real Panteão de San Isidoro de León (s. XI)

O Real Panteão dos Reis de Leão é considerado uma das joias mais perfeitas da arte românica da península. Não é de surpreender que tenha sido chamada de "Capela Sistina românica" por seus magníficos afrescos, incluindo um mensarial de alta qualidade.

O que eram os mensários medievais? Eram calendários cujo ritmo era marcado pelas atividades agrícolas correspondentes a cada mês.. No caso do mensario de San Isidoro de León, os meses estão localizados no intradorso do arco que fica ao lado do Pantokrator. O mês de Janeiro integra, como é tradicional nestas representações, o deus Jano, de origem romana e que marcava o início do ano. No mês de fevereiro, o mais frio de todos, um velho é representado protegido do fogo. O mês de abril, esplendor da primavera, é personificado por um jovem que carrega algumas flores nas mãos, e setembro é um agricultor que colhe uvas...

No Idade Média, o tempo girava em torno de Deus. A linha do tempo cristão medieval era finita, pois o tempo dos homens terminaria com a segunda vinda de Cristo. Paralelamente a esse tempo linear, havia também outro, herdado da antiguidade, que via o tempo como algo cíclico, relacionado às mudanças da natureza e aos ciclos da vida.

2. Saturnopor Peter Paul Rubens (1636)

Você não pode entender o tempo na arte sem falar sobre Saturno. Este deus era uma antiga divindade da península italiana que mais tarde foi assimilada ao deus grego Cronos, de quem tirou os atributos. Embora Crono não fosse o deus do tempo, a semelhança entre seu nome e o nome grego para o tempo causou uma assimilação entre os dois.

O mito conta que Crono/Saturno, Temeroso de um oráculo que previra que um de seus filhos acabaria por destroná-lo, um a um ele devorou ​​todos os brotos que sua esposa, Rhea, lhe deu.. Esta lenda não fez nada além de enfatizar o deus como a personificação do tempo, já que o tempo é imparável e devora para humanos.

Rubens pintou esta tela para a Torre de la Parada, em Madri. Nele, ele retrata Saturno como um homem velho, embora com um corpo ainda musculoso (afinal, ele era um Titã), arrancando a carne de seu filho recém-nascido. A forte luz teatral, tão típica do barroco, que ilumina os dois corpos e os delineia contra o fundo escuro, confere dramaticidade à cena.

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3. Em acidente vascular cerebralpor Juan de Valdés Leal (1672)

Esta tela sombria, que está entre as obras de arte mais famosas da época, é emparelhada com o chamado Finis Gloriae Mundi, também de Valdés Leal. Ambas as pinturas estão no coro baixo do Hospital de la Caridad, em Sevilha, e foram encomendadas pelo humanista Miguel Mañara para ilustrar os dois conceitos-chave na mentalidade barroca: o momento da morte (“lembre-se que você vai morrer”) e vanitas (a vaidade do mundo).

Ambos os conceitos estão intimamente ligados ao tempo: por um lado, o memento lembra-nos que ele passa inexoravelmente e que a morte acaba por chegar a todos nós; quanto ao segundo, é um lembrete da transitoriedade da vida e de que tudo que é belo desaparece ou se estraga com o tempo. No caso da obra em questão, In ictu oculi poderia ser traduzido como “num piscar de olhos”, uma alusão muito clara à natureza efêmera da existência.

Na tela de Valdés Leal vemos um esqueleto arrepiante erguer-se sobre um globo terrestre (a morte que domina a terra); na mão esquerda carrega uma foice, enquanto com a direita apaga o fogo da vela da vida. Abaixo, uma montanha de elementos que não podemos levar com a morte, símbolo de que tudo é passageiro.

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4. A gota d'água (The Jolly Knight)por Judith Leyster (1639)

Numa sala escura, praticamente sem qualquer referência espacial, a pintora Judith Leyster situa dois jovens que bebem e fumam alegremente. Suas roupas são de cores quentes e estridentes, e seus rostos são distorcidos pelo álcool e pela euforia. É uma cena de festa, não é?

Bem… na verdade, não. Porque Leyster coloca, atrás do jovem que está sentado à esquerda, um esqueleto perturbador que é iluminado pela chama da vela que ele próprio carrega consigo. É sobre a chama da vida; a vida do jovem feliz que a morte está prestes a extinguir. O esqueleto se aproxima do menino e parece sussurrar algo para ele. Sem dúvida, ele está avisando: o tempo está passando e o seu está contado. Para enfatizar sua mensagem, ele levanta a mão direita, onde notamos uma ampulheta correndo...

Judith Leyster, fiel representante do seu tempo, capta nesta magnífica obra a vanitas barroca, segundo a qual o tempo corre e nada pára. Muito menos juventude e prazer...

5. Autorretratos de Rembrandt

Se há artista interessado nas mudanças que o tempo deixou em seu rosto, esse artista é Rembrandt van Rijn (1606-1669). Ao longo de quarenta anos, o artista fez nada menos que uma centena de representações de si mesmo (embora sua identidade seja questionada sobre algumas), razão pela qual podemos acompanhá-lo na trajetória de sua vida.

Rembrandt fez seu primeiro autorretrato em 1628, quando tinha apenas 22 anos. A artista aparece rindo, com uma pincelada ainda incerta. Muito melhor é o autorretrato de 1629, onde vemos o pintor do busto, com um ricto gravíssimo no rosto. E assim por diante; Podemos seguir os traços dos traços do pintor até 1669, ano da sua morte, quando pintou o seu último autorretrato aos 63 anos. Um verdadeiro testemunho para a posteridade.

6. Tempo fumando uma pinturapor William Hogarth (1732)

William Hogarth é um dos artistas satíricos mais apreciados do século XVIII inglês. Famosas são suas pinturas e gravuras que criticam os costumes da Inglaterra da época. Neste caso, encontramos uma alegoria à passagem do tempo e como ele destrói tudo o que toca, incluindo a arte.

Um velho de barba comprida e corpo musculoso (personificação do tempo) contempla uma pintura que repousa sobre seu cavalete. Na mão esquerda carrega a foice, identificada com a morte, o fim e o desaparecimento, e com a outra segura um cachimbo. A fumaça que sai dela atinge a tela em cheio, sujando-a e escurecendo-a.

Obviamente, Hogarth reflete sobre os efeitos que o tempo tem sobre as coisas. Especialmente, sobre as pinturas; Nesse sentido, a gravura é a sátira de uma corrente de pensamento de sua época, promulgada especialmente por Addison, que sustentava que a época “pintava” e aprimorava a obra. Não, Hogarth parece dizer com esta gravura; o tempo não melhora a obra, apenas a modifica e destrói.

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7. Os Destinos (Atropos), de Francisco de Goya (1820-23)

As Parcas eram três divindades menores na mitologia grega que eram responsáveis ​​pelo tempo e pela existência humana; eram eles que decidiam quanto tempo durava a vida de uma pessoa. No inventário do patrimônio do filho de Goya realizado no século XIX, a pintura é descrita como Atropos, aludindo ao nome do Grim Reaper que é encarregado de cortar o fio da vida.

Como o resto das chamadas tintas pretas, o cromatismo desta obra é lúgubre e escuro, assente em tons acinzentados, acastanhados e pretos. As três Parcas estão suspensas no ar, como se estivessem levitando, e no centro do grupo, uma quarta figura com as mãos amarradas nos chama a atenção. Um homem cuja vida eles estão decidindo?

8. O sonhador (as ruínas de Oybin)por Caspar David Friedrich (1835)

No romantismo, o tempo passa de ameaçador a belo. O artista romântico é o artista nostálgico por excelência; ele se sente confortável entre os restos de um templo ou castelo, e imagina para eles um passado idealizado que nada tem a ver com a realidade.

Friedrich foi um dos maiores artistas na arte de pintar vestígios do passado.. Corroboramos com a referida obra, onde vemos um homem sentado sobre os restos do que parece ser uma catedral gótica. Pela fresta dos arcos do que resta da janela, vemos um belíssimo pôr-do-sol (ou nascer do sol), que envolve a tela numa luz especial. Friedrich capta a pureza da religião e da espiritualidade de tempos remotos e, incidentalmente, exalta o passado da nação alemã. O homem, o sonhador do título, é um exemplo perfeito de sentimento romântico.

9. Natureza morta com vela viradapor Max Beckman (1930)

Apesar de o momento de esplendor da vaidade Foi, como já comentamos, o barroco, a razão da passagem do tempo e da transitoriedade da vida não foi esquecida na pintura posterior. Nem mesmo no século XX, como esta obra de Max Beckmann, datada de 1930 e que nos mostra um vaidade com uma linguagem vanguardista.

Três velas repousam sobre uma mesa. Dois deles ainda estão ativos; o terceiro foi abatido e se apagou. O espelho encostado na parede reflete perturbadoramente o fogo dos dois sobreviventes: vontade de querer prolongar a vida contra toda lei natural? A composição heterogênea produz um efeito claustrofóbico que acentua a sensação de inquietação e desespero.

10. A persistência da memoriapor Salvador Dali (1931)

Os famosos relógios derretidos de Dalí têm nesta obra a sua expressão máxima. Nas palavras do próprio gênio, eles são o "camembert do tempo", em relação à sua consistência flácida, como queijo derretido.

A tela (na capa) faz parte do famoso método, estabelecido por Dalí, que ele mesmo chamou de "paranóico-crítico", através do qual o artista captou visões e jogos óticos que enganavam e confundiam o espectador. Na pintura que nos interessa, o tempo perdeu todo o sentido: a realidade e o sonho se misturam, como num sonho. Espalhados pela paisagem, sombrios como num pesadelo, aparecem relógios meio gastos; à esquerda, as formigas acorrem ao único relógio que parece manter a forma. No centro da pintura, um rosto estranho com longos cílios parece simbolizar o declínio da morte. Em Persistencia de la memoria o tempo é virado do avesso e ganha um novo significado.