As 25 pinturas mais representativas do Renascimento para entender suas contribuições

A grande revolução pictórica do Renascimento ocorreu concretamente no século XV, conhecido como Quattrocento. Em um ambiente de crescente curiosidade intelectual, o aprimoramento e difusão da pintura a óleo permitiram o uso de a tela como suporte, para que a pintura se soltasse das paredes, o que favoreceu a coleta especial.

Assim, novos gêneros como o retrato foram criados e o interesse pela paisagem e pela natureza-morta nasceu, embora ainda não como gêneros independentes. Os nus e os temas mitológicos, históricos e alegóricos não cristãos também apareceram. Os temas religiosos permaneceram na ordem do dia, mas de uma abordagem antropocêntrica.

A seguir, faremos um passeio cronológico pelas pinturas mais famosas do Renascimento, a fim de captar as contribuições e inovações de cada artista e a evolução do estilo ao longo do tempo.

1. Santíssima Trindade com a Virgem, São João e doadores, por Masaccio (1425-1427)

O fresco Santíssima Trindade, com a Virgem, São João e doadores Representa o ponto de partida do Renascimento, pois as grandes mudanças plásticas e culturais da época se cruzaram. Destacam-se a perspectiva linear, o claro-escuro e a técnica trompe l'oeil. A abóbada de berço, de inspiração romana, antecipa mudanças na arquitetura renascentista. Junto com os personagens sagrados, os doadores são retratados, o que confere ao tema religioso um aspecto antropocêntrico. Isso revela a estima que a geração tinha de si mesma.

2. A anunciação, por Fra Angelico (1425-1426)

Sobre A anunciaçãoFra Angélico herda da Idade Média o gosto pelo detalhe da vegetação, mas traz recursos do Renascimento. Utilizou a sóbria arquitetura greco-latina e aproveitou suas linhas para acentuar a perspectiva. Para alcançar uma maior profundidade espacial, ele abriu várias aberturas que criam planos sobrepostos: uma porta leva a uma sala e, desta, mostra uma janela discreta no fundo. O jardim à esquerda refere-se à expulsão de Adão e Eva do paraíso. Na parte inferior, vemos uma linha de cenas da vida de Maria. Esse tipo de falas com sequências de cenas na base dos quadros são chamadas de predelas.

3. O casamento de Arnolfini, por Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck foi um pintor flamengo que aperfeiçoou a pintura a óleo e ajudou a divulgá-la. Esta obra em particular é um dos primeiros retratos pictóricos da história. Carregado de símbolos, transmite a importância e dignidade das personagens, que ocupam uma posição social privilegiada. No entanto, o gênio de Van Eyck não está lá.

O pintor apresenta ao fundo um espelho que brinca com os planos de representação. Nele, ele mostra o reflexo de dois personagens que não são visíveis na cena principal, criando a ilusão de que ocupam as posições do espectador. Este recurso provavelmente terá inspirado Meninas por Velázquez, mais de duzentos anos depois.

4. A Virgem do Cônego Van der Paelepor Jan van Eyck (1434-1436)

A Virgem do Cônego Van der Paele corresponde a um gênero amplamente utilizado na Renascença, denominado Conversa Sagrada (conversa sagrada), em que a Virgem conversa com os santos em ambiente íntimo. Neste caso está incluído o doador, Cônego Van der Paele, apresentado por São Jorge. Ele pisa na casula do cânone, lembrando-se de que está subordinado ao poder espiritual. No entanto, sua presença em cena justifica seu papel social no poder temporal.

A tela destaca o tratamento das roupas e a profusão dos detalhes. O brilho da armadura de São Jorge fornece uma desculpa para Jan van Eyck usar reflexos. Você pode ver o reflexo do artista e da Virgem, concebida como um espelho imaculado da graça divina.

5. A batalha de San Romano, por Paolo Uccello (c. 1438)

A batalha de San Romano de Paolo Ucello é um tríptico com cenas da batalha em que Florença derrotou Siena durante as guerras da Lombardia. Originalmente encomendado pela família Bartolini, logo passou para a coleção Medici. Elementos medievais ainda estão presentes, como a profusão de detalhes que acentuam o descritivo. No entanto, é considerada uma obra-prima devido ao uso da perspectiva e do encurtamento.

O encurtamento consiste na representação de um objeto em um ângulo perpendicular ao observador. Podemos vê-los em detalhes no painel O desarmamento de Bernardino della Ciarda, tanto nos cavalos caídos, como no cavalo animado e no cavalo branco à direita.

6. A coroação da virgem, por Fra Filippo Lippi (1439-1447)

A coroação da virgem É um retábulo que Fillipo Lippi encomendou por Francesco Moringhi para a igreja de San Ambrosio. Em vez de um espaço celeste, tudo parece decorrer num espaço teatral, evocando um salão real, para o qual foram convidados os santos, o doador e o próprio Lippi. Como podemos ver, o Renascimento italiano insistiu em uma visão antropocêntrica do céu.

7. A descida da cruz, por Rogier van der Weyden (c. 1443)

Rogier van der Weyden foi um pintor flamengo. Seu trabalho mais conhecido é A descida da cruz, originalmente pintado para a Capela de Nossa Senhora Fora dos Muros de Louvain. A anatonia não é excata, porque foi corrigida propositalmente para favorecer a elegância formal.

As proporções também são alteradas deliberadamente para distribuir os corpos por toda a composição. A Virgem Maria e Jesus parecem ser reflexos um do outro: como a mãe, o filho; como o filho, a mãe. A pintura vence no tratamento da expressão, vestimenta e texturas.

8. A flagelação de Cristo, por Piero della Francesca (1455-1460)

Sobre A flagelação de Cristo, Piero della Francesca reserva a cena religiosa em segundo plano, e se caracteriza por sua frieza. Não há emoção nos personagens. O tema parece quase uma desculpa para o desenvolvimento do programa plástico do Renascimento, baseado em em perspectiva linear, geometrização composicional e a exaltação da arquitetura classicista. Isso se confirma na conversa de três personagens contemporâneos, cuja identidade ainda não está determinada.

9. Melun Diptych, de Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet foi um pintor francês que renovou a linguagem artística da França por meio da influência da pintura flamenga e italiana. A obra em questão foi concebida como um díptico para o túmulo da esposa de Étienne Chevalier, seu diretor. Ambas as tabelas contrastam uma com a outra.

No painel esquerdo, o pintor representou Etienne Chevalier e Santo Estêvão, seu patrono, localizados em um espaço arquitetônico clássico. À direita, a Virgem com o Menino e os anjos. O peito nu de Maria refere-se a ela como a enfermeira da humanidade. Há uma crença de que o rosto da Virgem era o da amante do diretor, Agnès Sorel. Embora o assunto seja sagrado na aparência, ele tem um forte caráter profano.

10. Jornada dos Magos, por Benozzo Gozzoli (1459)

No Palazzo Medici Riccardi, em Florença, existe uma sala chamada Capela dos Magos, em alusão aos três afrescos de Gozzoli que relatam as cavalgadas dos Magos. Além de ter sido uma obra-prima pela complexidade composicional, a obra é, na verdade, uma exaltação do poder exercido pela família Médici, cujos rostos se encontram nos personagens representado.

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11. A Casa dos Cônjuges, por Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna se destaca neste afresco pelo uso de técnicas renascentistas, como o trompe l'oeil, em um claro esforço para borrar as fronteiras entre a pintura e a realidade. A imagem que vemos corresponde a apenas uma das paredes de A câmara dos maridos. Como o resto, celebra as glórias da família Gonzaga, grandes mecenas de seu tempo.

12. Lamentação sobre o Cristo morto, por Andrea Mantegna (1475-1478)

Se em algum momento Andrea Mantegna se supera, é no Lamentação sobre o Cristo morto. A peça se destaca pelo uso magistral da técnica de encurtamento. Com esse recurso, Mantegna incorpora o espectador à cena e desafia o modelo composicional tradicional. A representação das facções dos personagens também se destaca. Maria não é uma jovem donzela, mas um rosto envelhecido de dor. A austeridade da cena enfatiza a natureza terrível da morte e desolação para os enlutados.

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13. Políptico de San Vicente, por Nuno Gonçalves (1470-1480)

O Políptico de San Vicente É uma das obras-primas do Renascimento português. Atribuída a Nuno Gonçalves, representa cinquenta e oito personagens com São Vicente, que aparece duplicado nos painéis centrais, como se fosse um reflexo.

Destaca-se pela representação dos diferentes estratos da sociedade portuguesa, em atitudes e gestos de acordo com a sua condição. Da esquerda para a direita temos o painel dos frades; o painel de pescadores; o painel do Infante Dom Enrique (Enrique o Navegador); o painel do arcebispo; o painel de cavaleiros e o painel de relíquias.

14. A Adoração dos Magos, por Sandro Botticelli (1475)

A Adoração dos Magos de Botticelli constitui uma referência fundamental do Quatrocento italiano. Até Botticelli, a Sagrada Família ficava de um lado da cena, recebendo os fiéis do outro. Botticelli colocou-o no centro da composição e no ápice de uma pirâmide, e organizou os fiéis de um lado a outro e até mesmo um deles na frente.

O pintor também retratou os Magos com os rostos da família Médici: Cosimo e seus filhos, Piero il Gottoso e Giovanni. Outros membros da família e seus aliados são retratados, e o próprio Botticelli é incluído no personagem que olha para o espectador.

15. Entrega das chaves do céu a São Pedro, de Perugino (1482)

Esta obra de Perugino foi encomendada pelo Papa Sisto IV, construtor da Capela Sistina. O afresco corresponde à ideia da transmissão da autoridade de Deus à Igreja, representada por São Pedro. A obra é uma expressão mestre do trabalho e da profundidade da perspectiva aérea do pintor. Em primeiro plano, vemos os personagens principais: Jesus, os apóstolos e várias figuras da Renascença. No último, o edifício de planta central octogonal, símbolo da universalidade do papado.

16. O nascimento de Vênuspor Sandro Botticelli (1482-1485)

O nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli, originalmente fazia parte de um móvel, e provavelmente por isso não vemos um desenvolvimento tão exaustivo da paisagem. A atenção que recebe tem a ver em parte com o tratamento do assunto, que não é mais um assunto sagrado. Atendemos ao mito da origem de Vênus ou Afrodite, deusa da fertilidade e do erotismo.

Com esse trabalho, Botticelli legitimou a representação do nu feminino de corpo inteiro na arte sobre temas profanos. Mas Vênus não é aqui uma personagem totalmente exposta, mas uma Vênus modesta, que com seus cabelos cobre sua "vergonha". Assim, esse nu foi justificado como uma representação da Virtude no contexto do pensamento filosófico da época.

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17. Virgem das Rochas, de Leonardo da Vinci (1483-1486)

Esta peça de Leonardo foi encomendada pelos monges de San Donato, o que explica a centralidade do tema religioso. Leonardo modificou um elemento da tradição renascentista: em vez de uma paisagem arquitetônica, ele enquadrou a cena em uma paisagem natural rochosa. As figuras formam uma pirâmide e são delineadas delicadamente graças a uma das apostas mais reconhecidas do pintor: a técnica de Sfumato.

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18. Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, por Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Esta obra de Ghirlandaio é uma expressão exemplar do gênero retratista na Renascença. Em consonância com os valores revividos da Antiguidade Clássica, apresenta proporções e traços idealizados, bem como uma expressividade contida ou ausente. A fim de mostrar seus traços de caráter, alguns itens pessoais estão incluídos: joias presentes relato de sua vida pública, enquanto o livro de orações e o rosário dão um relato de sua vida espiritual.

19. O ultimo jantar, de Leonardo da Vinci (1498)

O ultimo jantar É uma das obras mais conhecidas de Leonardo. Destaca-se pelas referências intelectuais e filosóficas incorporadas à cena, mas também pelo drama. Sem renunciar ao equilíbrio renascentista, a obra carrega-se de tensão emocional e psicológica em seus personagens, desafiando a aparente frieza de muitas composições anteriores. Seu mau estado de conservação é em parte resultado da tentativa de Leonardo de misturar têmpera e óleo para fazer correções no gesso.

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20. Santo Domingo e os Albigenses ou O teste do fogo, de Pedro Berruguete (1493-1499)

O espanhol Pedro Berruguete representa uma passagem segundo a qual Santo Domingo de Guzmán teria proposto construir uma fogueira para testar os livros dos grupos heréticos na cidade de Albi, França. O fogo consome os livros heréticos, enquanto o livro canônico flutua no ar.

A obra expressa a mentalidade política da época dos Reis Católicos, que buscavam a unidade do reino lutando contra a heresia. Destaca formalmente a preciosidade dos detalhes, de inspiração claramente flamenca, assim como o gosto pelo ouro, derivado do gótico e muito apreciado no início do Renascimento.

21. Auto-retrato, por Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer foi um grande mestre do Renascimento alemão. Este famoso autorretrato, que à primeira vista é um ícone de Jesus Cristo, mostra duas inscrições-chave: à direita está escrito "Eu me pinto com cores indeléveis". À esquerda, a data que mostra sua idade, 28 anos.

A frontalidade de seu retrato é bastante audaciosa. Desafiando a tradição, que reservava esta pose para os ícones de Jesus - e também o gesto da mão, levemente alterado-, Dürer joga a inversão de identidade com o referente religioso e deliberadamente confunde o visualizador.

22. O Doge Leonardo Loredan, por Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, um pintor a serviço da República de Veneza, entrega este magnífico retrato do Doge Leonardo Loredan. Nesta brilhante obra consegue ultrapassar o sentimento de hieratismo graças à expressiva riqueza do rosto e ao requintado tratamento das texturas e do vestuário. Em relação a este último, é surpreendente como Bellini consegue representar o brilho dos tecidos orientais.

23. Monalisa, de Leonardo da Vinci (1503-1506)

O Monalisa É sem dúvida a obra mais famosa de Leonardo da Vinci. Ela é uma expressão da maturidade do estilo Leonardesco em termos de técnicas de claro-escuro e claro-escuro. Esfumato, que consiste em borrar as bordas das figuras para que a integração no espaço. Mostra também a técnica da paisagem ao fundo, o que abre espaço para dar maior profundidade. No entanto, esta obra, assim como toda a obra de Leonardo, não pertence ao Quattrocento, mas ao Alto Renascimento, às vezes também chamado de Segundo Renascimento.

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24. A escola de Atenas, por Rafael Sanzio (1510-1511)

Se algo representa o espírito cultural da Renascença, é o afresco A escola de Atenas, de Rafael Sanzio, uma das cenas das "Salas do Vaticano" ou "Salas do Rafael". Vemos um manuseio magistral da perspectiva linear e uma profundidade enfatizada pelas aberturas das abóbadas de berço que se abrem para o espaço aberto.

Em um ambiente arquitetônico de clara inspiração clássica, uma infinidade de referências filosóficas e científicas relembram o valor da razão e do conhecimento. Platão e Aristóteles são os protagonistas. Vemos também Ptolomeu, Heráclito, Hipátia, Homero e, como de costume, alguns rostos contemporâneos. O próprio Rafael, retratado como Apeles, não poderia estar ausente.

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25. Afrescos do teto da Capela Sistina, de Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Falar de Michelangelo Buonarroti, assim como dos pintores do Cinquecento italiano, é entrar no Alto Renascimento. Portanto, estamos nos aproximando do maneirismo, do qual Buonarroti será um de seus expoentes. Os afrescos da Capela Sistina são sua obra pictórica mais famosa.

São nove cenas que narram passagens do Gênesis, e todas levam ao Juízo Final, uma parede pintada cerca de duas décadas depois do teto. Nesta parede, São Bartolomeu, um mártir esfolado, pendura sua pele ancestral. Mas nele você pode ver o rosto de Michelangelo. Como podemos ver, o artista também é retratado, mas não como os artistas do Quattrocento que celebraram suas glórias terrenas, mas em reconhecimento a sua indignidade.

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