Rococó: suas características, principais obras e artistas

O Rococó foi um movimento artístico europeu de origem francesa que se caracterizou pelo seu estilo alegre e provocador e pelo gosto pela decoração excessiva. Ela se manifestou na pintura, arquitetura, artes decorativas e escultura.

A arte rococó se desenvolveu no início do século XVIII, no período de transição entre a arte barroca e a neoclássica. Embora compartilhe com o barroco o interesse pela profusão de detalhes, distingue-se dele por substituir o prazer e a diversão pela solenidade e pelo drama.

Tamanha era a vontade de diversão que, segundo o pesquisador Michael Levey, o rococó não respeitava a Igreja nem o Estado. Amor, sensualidade e vida cotidiana eram assuntos mais interessantes do que glórias espirituais ou temporais.

A palavra rococó vem do termo Rocaille, uma espécie de decoração de jardim baseada no uso de conchas ou seixos, muito popular na Itália e na França durante o século XVII. Tanto a utilização destes motivos como a semelhança nos efeitos alcançados conduziram à aplicação do termo Rococó a este estilo.

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Para compreender este estilo, conheça a seguir suas características, seus principais representantes e obras e seu contexto histórico.

Características da arte rococó

Ao contrário da arte barroca, a arte rococó se caracterizou por ser alegre, celebrar a vida, dando espaço ao humor, à graça e ao erotismo leve. Pode-se dizer que foi, na realidade, a expressão de uma classe social que fugiu do tédio por uma arte entusiasta, sem pretensões transcendentes ou didáticas.

Personagem divertida e festiva

A arte rococó foi, acima de tudo, um estilo que procurou expressar graça e alegria. Seu personagem era festivo. Embora o rococó fosse ornamentado na decoração, seus ambientes buscavam ser claros e entusiasmados.

Humor e travessura

A arte rococó é a expressão de uma elite que se diverte. Portanto, tem uma grande dose de humor e travessura que suprime qualquer tentativa de solenidade. Por isso, o rococó também expressa o relaxamento do rótulo.

Tópicos sem pretensão moralizante ou didática

Os temas favoritos no rococó eram aventuras sentimentais, cenas pastorais, o entretenimento da elite ociosa e a vida doméstica. Mas, apesar da aparência adocicada das canções, eles tinham uma conexão com a experiência.

Temas religiosos, mitológicos ou históricos não foram interrompidos, mas foram despojados de sua solenidade. Foram-se as cenas que eram moralizantes, didáticas ou de poder. Cada assunto passou pelo filtro da graça, do prazer e da vida cotidiana.

Erotismo velado

A arte era nutrida por um erotismo velado, tanto em suas formas quanto em seus temas. Para alguns artistas, a mitologia era um esconderijo para justificar o desenvolvimento do nu erótico, de forma que não sofresse críticas das elites intelectuais.

Decoração suntuosa e imaginativa

O rococó era uma arte atenta aos detalhes e à excessiva ornamentação. Os artistas, designers e arquitetos enriqueceram a decoração das obras com elementos tão profundos quanto imaginativos. Não foi estranho encontrar elementos de culturas orientais como fauna, flora e todos os tipos de motivos.

Uso de tons pastéis e brancos

Uma das maneiras que os artistas rococó encontraram de trazer graça e alegria foi mudar a paleta de cores terrosas, escuras e ricas para tons pastéis e brancos. Isso foi aplicado tanto na pintura quanto na decoração arquitetônica, graças à qual tudo foi envolto em graça e sensualidade.

Arte liberada de sua função de propaganda

O rococó libertou a arte de seu papel propagandista. A arte deixou de estar a serviço de causas eclesiásticas ou absolutistas, o que influenciou a liberdade temática e de estilo. A arte não precisava mais ser o veículo de uma "verdade", nem precisava ser séria. Era suficiente que ele estivesse plácido.

Pintura rococó

A pintura rococó representou um triunfo do rubenismo sobre o poussinismo. Por Rubenismo conhecemos a corrente de pintores coloridos inspirados no pintor barroco flamengo Pedro Pablo Rubens (1577-1640), que fez prevalecer a cor sobre o desenho. O poussinismo é conhecido como a corrente que privilegiou o desenho sobre a cor, influenciada pelo pintor francês Nicolás Poussin (1594-1665). O colorismo era característico dos pintores rococó.

Seu caráter plácido e gracioso contrastava com o drama do Barroco. Na França, a vida no tribunal começou a girar em torno do entretenimento e banalidades, como casos de amor, jogos ou vida cotidiana, todas refletidas em a pintura. Esse espírito alegre permeou rapidamente os tribunais europeus, mas cada país o adaptou às suas particularidades.

Pintores rococó

Antoine Watteau (1684-1721). Watteau era um pintor de uma cidade flamenga anexada à França. Ele foi o primeiro artista a lidar com as preocupações da elite ociosa. Mas também foi ele quem deu aos personagens "humanidade". Entre suas obras mais importantes estão Peregrinação à ilha de Kythera (1717), A escala do amor (1717); Festa veneziana (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). Ele era um pintor francês freelance, graças aos recursos financeiros de sua esposa. Ele estava particularmente preocupado em representar a vida doméstica. Entre suas obras mais importantes estão O menino com o pião (1737), A jovem governanta (1740) e A bênção.

François Boucher (1703-1770). Pintor francês que trabalhou sob a proteção da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour. Ele tratou muitos assuntos mitológicos, pastorais e idílicos com grande exuberância. Entre suas obras mais importantes estão Retrato de Madame de Pompadour (1759); Jovem reclinado (1752) e Diana depois do banho (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). Foi um pintor francês que fez do hedonismo, erotismo, exuberância e uma atmosfera íntima os sinais mais representativos da sua pintura. Entre suas obras mais importantes estão Balanço (1767), Homem cego (1769), A fechadura (1779), O beijo roubado (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Pintor italiano amplamente reconhecido na Europa. Ele desenvolveu o tema religioso. Ele também executou temas mitológicos e cotidianos. Algumas de suas obras mais conhecidas são: Transferência da Santa Casa de Loreto (1743-1745), Frescoes from the Würzburg Residence (1752-1753), Jovem com um papagaio (1760) e Afrescos do Palácio Real de Madrid (1762-1766).

William Hogarth (1697-1764). Pintor inglês que colocou em prática os recursos e cores pastéis do Rococó, mas ridicularizou as convenções sociais, principalmente as da elite. Entre suas obras mais conhecidas estão: Os quatro momentos do dia (1736), A carreira de uma prostituta (1732) e Casamento à moda (h. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788). Pintor inglês. Era caracterizado por retratar pessoas em atitudes credíveis, fornecidas com graça. Ele se concentrou na pequena aristocracia local. Destacou-se pelo interesse pela paisagem, que sempre usa como pano de fundo de suas pinturas. Entre suas obras estão: Sr. e Sra. Andrews (1749), O jovem azul (1770) e Dr. Ralph Schomberg.

Arquitetura rococó

A arquitectura rococó caracterizou-se por ser austera nos acabamentos exteriores, mas muito rica e abundante na decoração interior. Os espaços interiores foram menores e tratados com maior intimidade, graças à utilização de formas delicadas e suaves.

A decoração interior destacou-se pela engenhosidade e imaginação. Os apliques de ouro estiveram na ordem do dia, servindo as mais variadas formas curvas com motivos florais, conchas e todos os tipos de sinuosidades. As cores eram sempre vivas e alegres.

O arquiteto francês Germain Boffrand foi o responsável pela introdução do Rococó na França, e colocado especialmente a serviço da ordem monárquica, embora eventualmente tenha desenvolvido projetos religioso. Participou de projetos como a Place Vendôme em Paris, o Conservatório de Versalhes, o Hotel de Soubise em Paris e o Castelo de Lunéville.

A estética rococó era muito valorizada na Áustria e nos estados alemães que faziam parte do Sacro Império Romano, tanto na arquitetura religiosa quanto na civil.

Exemplos disso são a Basílica de Vierzehnheiligen, de Johann Balthasar Neumann, e a Abadia de Ottobeuren na Baviera. Na Prússia, ele destacou a construção do Palácio Sanssouci, em Postdam, sob a direção de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

Na Espanha, a preeminência do barroco e a falta de intercâmbios artísticos com a França e a Alemanha, em especial, dificultaram a difusão do estilo rococó. No entanto, havia também algumas expressões valiosas facilitadas pela presença do churrigueresque.

Por exemplo, a decoração da sacristia de La Cartuja de Granada, provavelmente iniciada por Hurtado Izquierdo e continuada por José de Bada. Vale citar também o Transparente da Catedral de Toledo, de Narciso Tomé. Por fim, a fachada do Palácio do Marqués de Dos Aguas, projetada por Hipólito Rovira.

Móveis rococó

barroco — Escrivaninha do rei no Palácio de Versalhes. Observe também os arandelas nas paredes, os objetos de decoração, o carpete, a lareira e as cadeiras.

Nesse período, foi criado um estilo denominado Luís XV, em atenção ao gosto estético dominante na corte. Esse estilo se tornou uma moda internacional. A marcenaria seria caracterizada pelo uso de envernizamento e marchetaria de bronze. Os motivos mais utilizados foram os florais, embora também tenham sido aplicados embutidos, máscaras e cenas de pedra.

Da mesma forma, passou-se a projetar móveis para a estadia tranquila dos nobres na corte, algo que até então não era usual. Isso trouxe o desenvolvimento da arte de estofar para móveis.

Escultura rococó

Tanto a escultura autônoma quanto o serviço da arquitetura desempenharam um papel no rococó. Uma de suas diferenças mais notáveis foi a diminuição das dimensões colossais do Barroco. O rococó também procurou acentuar a suavidade e delicadeza no tratamento de texturas e movimentos.

Embora os escultores mantivessem interesse pelo mármore, a porcelana era usada assiduamente. Também foram feitas esculturas de gesso e madeira. Quanto à cor, quando a aplicaram, mantiveram os tons pastéis para iluminar o ambiente.

Entre os escultores Rococó mais proeminentes encontramos Antonio Corradini e Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752). Ele foi um pintor italiano que trabalhou a serviço da corte de Carlos VI. Ele era conhecido pela forma como tratava as roupas, principalmente o efeito das transparências. Algumas de suas obras mais comentadas são: A mulher de véu (A fé) Y Modéstia, também chamado Verdade velada.

Étienne-Maurice Falconet (França, 1716 - 1791). Ele foi um dos protegidos da Marquesa de Pompadour. Alguns pesquisadores de arte o estudam como uma figura da transição para o neoclassicismo. Entre suas obras estão: Cupido ameaçador (1757) e Pigmalião e Galatéia (1763).

Contexto histórico do rococó

O barroco dominou a estética ocidental desde meados do século 16 e ao longo do século 17. Foram tempos de guerras religiosas e consolidação de absolutismos.

Na França, já nos últimos anos do governo do rei Luís XIV, a estabilidade alcançada tornou desnecessário o cerimonial barroco. Mas então, o Rei Sol sentiu os nobres como uma ameaça. Perto do final de seu reinado, o rei tirou a nobreza de seu poder no campo, tornando-os uma elite ociosa.

Três eventos foram fundamentais no impulso do rococó:

a morte do rei Luís XIV;
a influência da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour;
o intercâmbio de artistas entre os diferentes tribunais europeus.

O rei está morto. Viva o Rei!

Com a morte de Luís XIV, a corte mudou-se de Versalhes para Paris, enquanto o menino Luís XV aguardava a idade para ascender ao trono. Em Paris, os nobres entraram em contato com as elites econômicas mais poderosas e com os funcionários do Tesouro. Aos poucos as formas do rótulo foram relaxando, segundo o pesquisador Stephen Richard Jones em seu livro Introdução à história da arte: século XVII.

Agora que os nobres estavam ociosos e entediados, era necessário manter seu interesse na corte e proporcionar-lhes novas ocupações. Aos poucos uma resposta será encontrada no art. Jones afirma que:

"A arte rococó só procurava agradar a uma sociedade abastada, realmente ociosa, para a qual o único pecado era o aborrecimento."

Quando o jovem Luís XV assumiu o cargo, a nova prosperidade renovou os ideais de patrocínio nas mãos do setor privado. Um dos patrocinadores mais importantes da época foi a amante do rei, Jeanne-Antoine Poisson, marquesa de Pompadour, conhecida por ser uma protetora das artes.

Assim se criou um mercado que, inspirado em Watteau, se interessou pela vida doméstica, pelo erotismo, pela celebração da vida e pelo prazer. Mas, acima de tudo, ele estava interessado em casos de amor, o melhor antídoto para o tédio.

Esse momento da história testemunhou a mobilidade de artistas entre países como nunca antes. A nova arte - que deixou para trás o significado do barroco - abriu caminho em grande parte da Europa.

Declínio

Em meados do século 18, pensadores iluministas como Voltaire proclamaram o domínio da razão e a medida das paixões pelo bem comum. O rococó parecia um excesso inaceitável para eles. Acusado de supérfluo, senão imoral, o rococó foi associado ao declínio do Antigo Regime.

Sob a influência do Iluminismo, o arquiteto Jacques François Blodel juntou-se às vozes que desqualificaram o estilo artístico do Antigo Regime. Ele então propôs uma modernização da arte que acompanhou o crescente republicanismo no debate político.

Como se fosse um pêndulo, com o passar do tempo o desenho triunfou novamente sobre a cor e, sob o comando pensamento filosófico e político, a arte voltou ao academicismo, moralização e propagandismo de Doença. Assim nasceu a arte neoclássica.