Cei mai importanți 10 artiști baroc

Este greu, dacă nu imposibil, să alegem 10 artiști dintre marile nume pe care ni le-a dat epoca barocului. Cu toate acestea, în acest articol vom încerca. noi iti oferim o listă a primilor 10 artiști baroc care au fost adevărate genii ale picturii, sculpturii și arhitecturii, alături de biografia lui (deseori plină de evenimente).

• Articol înrudit: „Ce sunt cele 7 arte plastice? Un rezumat al caracteristicilor sale"

Artiști baroc pe care ar trebui să-i cunoști

Desigur, sunt multe altele. Barocul este o mișcare care a dat splendoare artelor și a lăsat posterității nume illustre precum Velázquez, Rubens sau Bernini. Aici vă lăsăm doar 10 dintre acești cei mai importanți artiști, dar vă încurajăm să investigați pentru a-i cunoaște pe ceilalți artiști baroc care rămân în curs. Bucurați-vă de tur!

1. Diego Velazquez

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) este, fără îndoială, unul dintre cei mai mari exponenți ai barocului. S-a născut în cosmopolita Sevilla la sfârșitul secolului al XVI-lea, unul dintre cele mai dinamice centre economice și artistice din Europa. Deja în tinerețe, proaspăt ieșit din atelierul lui Francisco Pacheco (cu fiica cu care, de altfel, s-a căsătorit), Velázquez demonstrează un talent rar, evident în lucrări precum

Bătrână care prăjește ouă (1618) sau Băiatul de apă din Sevilla (1620). Portretul excepțional al lui Jerónima de la Fuente, realizat când pictorul avea doar 21 de ani, este un exemplu minunat de măiestria înnăscută a artistului în a surprinde psihologia subiecţilor săi.

La vârsta de 24 de ani îl găsim pe Velázquez la Madrid unde, cu ajutorul socrului său și a unora dintre contactele sale, i se face cunoștință cu Felipe al IV-lea. Curând monarhul, care nu este indiferent față de calitatea artistică, își observă opera. Pentru acest monarh și cercul său, artistul a creat capodopere autentice, precum seria de portrete ale lui Felipe al IV-lea, magnificul portret ecvestru al Contelui-Duce de Olivares sau foarte celebrul Las Meninas, executat deja în stadiul său de plenitudine artistică.

Rubens, pe care l-a cunoscut personal, îl roagă pe Felipe al IV-lea să-l trimită pe Velázquez în Italia. Această primă călătorie în peninsula italiană oferă artistului cunoștințele clasicilor și ale maeștrilor Renașterii. Rezultatul călătoriei sale italiene este munca lui Forja lui Vulcan (1630), unul dintre puținele tablouri cu temă mitologică pe care le găsim în corpusul său pictural. În timpul celui de-al doilea ședere în Italia, a realizat ceea ce va fi singurul nud din opera sa, the oglindă venus (1647-1651), și care va fi, de asemenea, unul dintre puținele nuduri din pictura spaniolă, împreună cu Pistilul lui Goya.

• Ați putea fi interesat de: „Cele mai importante 10 picturi baroc”

2. Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) este una dintre acele personalități artistice copleșitoare care apar din când în când în istoria artei.

Sculptor remarcat, dar și pictor și arhitect, a fost adesea comparat cu Michelangelo pentru multiplele sale fațete, toate executate cu o mare calitate artistică. Tânărul Gian Lorenzo fusese instruit în atelierul tatălui său, care era sculptor, și a demonstrat curând talentul înnăscut pe care îl poseda. Grupurile sculpturale comandate de cardinalul Borghese îl stabilesc drept unul dintre cei mai buni sculptori ai generației sale. Într-adevăr, în unele dintre aceste lucrări, precum Răpirea lui Proserpine fie Apollo și Daphne, artistul își etalează toată măiestria cu dalta. Sculpturile prezintă un realism impresionant și creează o iluzie extraordinară de mișcare.

Bernini își dezvoltă corpus artistic sub mandatul a nu mai puțin de șapte papi. Începând din 1629 și la doar 31 de ani, Bernini a preluat cel mai mare monument al creștinismului: Bazilica San Pedro, a cărui reformă a început cu câteva secole înainte și a inclus genii autentice precum Michelangelo, Rafael și sfoară. Bernini se ocupă și de impresionantul baldachin din bronz solid care împodobește altarul principal al bazilicii și a Scaunului din San Pedro (tot în bronz), precum și nu mai puțin impresionanta Plaza de San Pedro și colonadă. Ridicată în vârf de Papa Urban al VIII-lea, Roma barocă se datorează, în parte, operei sale prolifique și uluitoare.

3. Peter Paul Rubens

Pentru mulți oameni, a evoca pictura barocă înseamnă a-l evoca pe Rubens (1577-1640). Într-adevăr, A fost un pictor prolific care a avut numeroși discipoli și asistenți în atelierul său pentru a face loc cererii enorme pe care a primit-o. Toate casele aristocratice doreau o lucrare a lui Rubens. Și, printre cei mai mari clienți ai săi, a fost coroana spaniolă a Habsburgilor.

Peter Paul Rubens s-a născut în Westfalia, în Germania de astăzi. Curând s-a stabilit la Anvers, unde a primit educație picturală și umanistă din mâna artiștilor manieristi. După un sejur în Italia și, mai târziu, în Spania, unde a realizat celebrul și impresionantul portret ecvestru al ducelui de Lerma, în care regele Felipe al III-lea avea încredere, Rubens s-a stabilit la Anvers și s-a căsătorit cu Isabel Brant. În acei ani, artistul a fost la apogeul faimei sale și a realizat pânze impresionante pe teme religioase și exaltarea monarhiei. Dar probabil picturile pentru care Rubens este cel mai bine amintit sunt cele care tratează teme mitologice.

Artistul avea o solidă pregătire umanistă, întărită prin călătoriile sale în Italia, și a știut să transfere aceste cunoștințe pe pânzele sale. Ele sunt remarcabile pentru culorile lor rafinate și pensulele lor senzuale. Cele Trei Haruri (1639), o lucrare destul de târzie în producția sa și care include reprezentarea celei de-a doua soții, Helena Fourment; cel Crearea Căii Lactee (1636-38) și Judecata de la Paris (1638).

4. anton vandyck

Anton Van Dyck este unul dintre marii picturii barocului englez. El este considerat de mulți autori ca un discipol al lui Rubens, dar aceasta este o chestiune încă supusă dezbaterii. Faptul că, în comisioanele pe care le-au primit, ambii pictori au primit onorarii identice, ne face să presupunem că mai mult decât un discipol, Van Dyck i-a fost colaboratorul.

În ciuda faptului că este un pictor excepțional în toate domeniile, Van Dyck este amintit în special pentru portretele sale.. Carol I al Angliei, fascinat de opera sa, îl cheamă alături de el și îl numește pictor de cameră în 1632, așa că flamand se stabilește. permanent la Londra și s-a căsătorit cu Mary Ruthwen, căreia i-a făcut, în 1639, un portret delicios în care doamna apare îmbrăcată într-o matase rochie albastră. Mary suferea de alopecie, iar soțul ei nu ascunde acest „defect” în portretul său. Totuși, el o reprezintă pe tânără cu o dulceață și o demnitate caracteristice lucrărilor sale, în care realitatea personajului este amestecată cu un halou de eleganță și rafinament.

• Articol înrudit: „Ce este creativitatea? Suntem cu toții „genii”?

5. Artemisia Gentileschi

Una dintre cele mai cunoscute pictori baroc, Artemisia Gentileschi (1593-1656) este, însă, amintită aproape exclusiv pentru episodul trist al violului ei. El a produs prima sa lucrare majoră la doar 17 ani, Susana și bătrânul (1610), unde ilustrează binecunoscutul pasaj din Biblie într-un mod realist și dur.

Format în atelierul tatălui ei, Orazio Gentileschi, la 18 ani îi pune la dispoziție un profesor particular, întrucât statutul de femeie al Artemisiei o împiedica să acceseze o academie. Acest tutore, Agostino Tassi, o abuzează sexual, așa că tatăl îl duce pe criminal în instanță. Artemisia (care este, în realitate, victima), este supusă unui interogatoriu umilitor, unui inspectie ginecologica si, in sfarsit, la o tortura mai mult decat infioratoare, pentru a "verifica" ce ADEVĂRAT. Artemisia se menține pe poziție, iar Tassi este condamnată la un an de închisoare și exil.

S-a comentat că una dintre cele mai cunoscute lucrări ale artistului, Judith îl decapita pe Holofernes (1612-13), este un fel de răzbunare, un strigăt de furie aruncat în cele patru vânturi pentru a vărsa durerea pe care i-a provocat-o acest episod al vieții sale. Nu știm dacă a fost exact așa, dar cert este că pânza are o cruditate sfâșietoare și probabil depășește opera omonimă a lui Caravaggio, de la care, de altfel, Artemisia și-a luat tenebrismul și magnificul și copleșitorul clarobscur.

6. Francesco Borromini

Biografia lui Francesco Castelli (1599-1667), care mai târziu și-a schimbat numele de familie în Borromini, este renumită pentru finalul său tragic. În dimineața zilei de 2 august 1667, artistul, probabil cufundat într-o depresie gravă, s-a aruncat pe sabie. stins cu el una dintre cele mai strălucitoare lumini ale barocului italian.

Veșnic dușman al lui Gian Lorenzo Bernini, viața lui Borromini a fost o luptă continuă pentru a rămâne în frunte. Roma era, în acele vremuri, epicentrul artei europene. Papii s-au succedat și au comandat lucrări una după alta, cu intenția de a înfrumuseța Orașul Etern și de a-l transforma într-un simbol viu al Contrareformei. Francesco Borromini a ajuns în orașul papal la doar 20 de ani, după un sejur la Milano, unde lucrase la Dom. La Roma, Borromini a început să lucreze la Sf. Petru, iar mai târziu la Palatul Barberini, împreună cu rivalul său de mai târziu, Bernini.

Mulți autori s-au întrebat care a fost adevăratul motiv care l-a determinat pe marele artist să-și pună capăt vieții. Se pare că Borromini avea un caracter melancolic, care s-a accentuat odată cu trecerea anilor și a văzut că principalele ordine papale cădeau asupra dușmanului său. Este mai mult ca probabil ca acest lucru, împreună cu propria instabilitate emoțională și moartea prietenului și confidentei lui Fioravante Martinelli, l-au cufundat, așa cum am spus deja, într-o depresie gravă. Oricum ar fi, la 2 august 1667, lumea a pierdut unul dintre cei mai mari artişti baroc, autor, printre alte minuni, al splendidei biserici San Carlo alle Quattre Fontane, din Roma.

7. Michelangelo Merisi (Caravaggio)

Michelangelo Merisi, mai cunoscut sub numele de „Il Caravaggio” (1571-1610) este un alt dintre acei artiști care, ca și Vermeer, ne-a lăsat puține exemple din lucrarea sa magnifică. Într-adevăr, sunt puțini caravaggios care se păstrează în lume, parțial datorită trecerii sale trecătoare prin lume (a murit la vârsta de 39 de ani). caravaggio Este renumit, printre multe alte lucruri, pentru că a fost „inventatorul” tenebrismului, un efect de contraste între lumină și întuneric care urma să dea o pecetă de personalitate tuturor celor ale lui picturi, și care ar fi imitat de alți artiști, printre ei și marea Artemisia Gentileschi.

Când familia lui Caravaggio s-a mutat la Roma, tânărul a început să se formeze în atelierele modeste ale pictorilor. Prima sa operă importantă cunoscută este băiat care curăță fructe, din 1592, realizată pe vremea când Caravaggio locuia cu Monseniorul Colonna, pe care tânărul pictor l-a poreclit „Monseniore salată” datorită alimentației puțin variate pe care i-o oferea duhovnicul. Mulți autori au evidențiat posibilele favoruri sexuale pe care tinerii pictori le-au oferit în schimbul unui cămin și protecție. Faptul este incert, dar este o posibilitate cu totul plauzibilă. De fapt, viața lui Caravaggio s-a strecurat mereu prin cele mai de jos și mai întunecate adâncimi ale societății.

Din aceste medii a luat modelele pentru picturile sale, iar din acest motiv găsim în lucrările sale acel aer de realitate și naturalism care ne mișcă. De fapt, unele dintre lucrările sale au fost respinse de patronii lor pentru naturalismul lor accentuat, care a păcătuit împotriva „decorului” (denumirea dată modului corect de reprezentare a scenelor religios). Un caz binecunoscut este Moartea Fecioarei (1604), pentru care Caravaggio a modelat o prostituată înecată în Tibru.

Caravaggio însuși nu a scăpat de influența dăunătoare a cercurilor umbroase pe care le frecventa. Faimos pentru războaiele și beția violentă, în 1607 a ucis un bărbat într-o încăierare și a trebuit să fugă din Roma. De atunci, viața lui va fi un pelerinaj continuu până la propria sa moarte, care a avut loc în 1610.

8. Luisa Roldán („La Roldana”)

Luisa Roldán (1652-1706) este unul dintre numele feminine care ar trebui să fie încadrate cu litere de aur în istoria artei. Uitată pe nedrept în cărți, la fel ca majoritatea tovarășilor ei, Luisa a condus un atelier de sculptură la mijlocul secolului al XVII-lea. S-a născut în Sevilla agitată și dinamică a secolului al XVII-lea, care a văzut și alți mari, precum Velázquez sau Murillo, antrenându-se și s-a antrenat în atelierul tatălui său, Pedro Roldán. În primii ani, Luisa a sculptat figuri impunătoare în mărime naturală, care au urmat liniile directoare ale Contrareformei Catolice; majoritatea destinate procesiunilor andaluze. De asemenea, este renumit pentru producția sa de figuri de teracotă pentru scenele de naștere în stil napolitan, care erau atât de furori la acea vreme.

Luisa a locuit cu soțul ei la Sevilla (cu care se căsătorise la vârsta de 19 ani fără acordul părintesc) până în 1686, anul în care s-au mutat la Cádiz. Etapa de plinătate a Luisei Roldán este, însă, etapa ei din Madrid, oraș în care a ajuns în 1689, însoțită de soțul și copiii ei. În 1692 sosește numirea mult așteptată: regele Carlos al II-lea își numește sculptorul de cameră. Lucrările sale de teracotă de format mic sunt din această perioadă madrilenă, destinate familiilor nobile și burgheze pentru devotamentul privat. Așa cum este cazul majorității femeilor artiste, până de curând o mare parte din munca ei a fost atribuită tatălui sau soțului ei. Din fericire, în prezent noi studii au pus punctele pe i și au demonstrat producția prolifică a acestui artist sevilian, unul dintre marii sculptori ai barocului hispanic.

9. Bartolome Esteban Murillo

Dacă ceva este amintit la nivelul popular al acestui excelent artist al barocului spaniol, este Imaculata sa Zămislire și frumoșii săi Copii Isus și Sfântul Ioan.

Într-adevăr, opera lui Murillo (1617-1682) evadeaza din celebra monumentalitate baroc si ne introduce intr-o lume a dulcetii intime care pare luat din cea mai strictă viață de zi cu zi. Un mare exemplu al acestei „coborâri a religioșilor pe pământ”, care, pe de altă parte, este tipică limbajului baroc, este faimoasa sa pictură. Sfânta Familie a păsării mici, unde ni se arată o familie obișnuită, livrată la treburile zilnice. Fecioara, în fundal, îl privește pe Sfântul Iosif jucându-se cu Pruncul. Nu există nimic în scenă care să ne spună că personajele sunt sfinți și nici că copilul este un copil al lui Dumnezeu. Este un instantaneu al unei familii obișnuite din Spania secolului al XVII-lea. Și aceasta este adevărata valoare a operei lui Murillo.

Artistul sevillian adună și în opera sa, în paralel cu naturalismul caracteristic baroc, un rafinament care aproape vestește estetica rococo a secolului următor. Picturile sale naturaliste extrag motivele și personajele din viața de zi cu zi, așa cum au făcut Caravaggio și Velázquez. pe pânza lui Copii care mănâncă struguri și pepene galben, vedem doi băieți care se distrează devorând fructe, posibil unul dintre puținele alimente pe care le vor putea accesa în câteva zile. Picioarele sale murdare și hainele rupte sunt note de realism cu care Murillo subliniază sărăcia băieților. Pe de altă parte, celebrele sale Imaculate Concepții, simbol al Contrareformei, pozează în același timp monumentalitate și dulceață, iar chipurile acestor fecioare sunt printre cele mai frumoase din Pictura spaniolă.

10. Johannes Vermeer

Vermeer (1632-1675) este, alături de Caravaggio, unul dintre pictorii care ne-a lăsat cel mai mic corp de artă. Abia treizeci de lucrări sunt diseminate printre cele mai bune muzee din lume, dar aceasta rară suficientă producție pentru a realiza că avem de-a face cu unul dintre marile genii ale picturii universal.

Johannes Vermeer s-a născut în Delft în toamna anului 1632. În acei ani, așa-numitele Provincii Unite erau deja independente de coroana spaniolă și în țară se dezvoltă o producţie artistică extraordinară, care a fost numită Epoca de Aur a Ţărilor Scăzut. Marii patroni, spre deosebire de țările catolice, erau burghezii și comercianții orașelor. De aceea, în Olanda găsim un alt tip de limbaj pictural, care nu are nicio legătură cu barocul sudic.

Burghezia olandeză, care era și protestantă, nu dorea pânze mari de apoteoză biblică, ci prefera scene de intimitate cotidiană. Și despre asta a fost Vermeer un adevărat maestru.

Interioarele vermeeriane sunt rafinate, în ciuda faptului că aproape toate au loc în aceeași cameră, din care doar poziția elementelor se schimbă. În toate lucrările lui, personajele par luate prin surprindere în timp ce își desfășoară activitățile de zi cu zi. Vedem o tânără absorbită în a citi o scrisoare din piesă fată care citește o scrisoare (1657), care nu a observat prezența noastră, sau o altă tânără care, sprijinindu-și capul pe mână, trage un scurt pui de somn (fata adormita, 1657). În toate lucrările lui Vermeer avem senzația de a intra într-o lume care nu ne aparține.