Kvinna med ett MONET-paraply: analys av arbetet

Kvinna med ett paraply: analys av arbetet

Kvinna med paraply (Femme à l'ombrelle) är ett verk målat av Claude Monet 1875 och satt i Argenteuil, en stad där parisare brukade åka på helger och som impressionistiska målare också besökte för att måla utomhus. Monet bodde där mellan åren 1871 och 1878, och Sisley, Renoir och Caillebotte var också vanliga. Detta verk tillhör en serie målningar som gjorts där av Monet som en del av hans studier av ljus och färg och hans anslutning till estetiska principer för impressionismen.

I den här lektionen från unPROFESOR.com erbjuder vi dig en Analys av arbetet Kvinna med paraply, en av de mest representativa för Claude Monet och hans tidiga faser inom den impressionistiska rörelsen.

Du kanske också gillar: The Last Supper av Leonardo da Vinci: analys av arbetet

Index

Beskrivning och sammanhang av Kvinna med ett paraply
Formell analys av kvinna med paraply
Analys av färg i detta arbete av Monet

Beskrivning och sammanhang av Kvinna med ett parasoll.

År 1871, Claude Monet flyttade från England till Nederländerna och därifrån fortsatte han till

instagram story viewer

Argenteuil, i Frankrike. I den här staden, bara 15 minuter från Paris med tåg och i Oise-dalen, var det ett av flyktområdena i den parisiska huvudstaden att vila och njuta av naturen. De impressionister De valde också Argenteuil som inspirationsstad och det var också där Monet gjorde några av sina mest representativa verk.

I huset där Monet och hans familj bodde hade han en stor trädgård mycket nära Seinen och nära huset Edouard Manet, som ofta besökte honom sommaren 1874.

Kvinna med paraply (1875) representerar hans fru Camille och hennes son Jean på en av dessa promenader i Argenteuil landsbygden. En ögonblicksbild där Monet försöker fånga just det ögonblick när de båda når toppen och stannar för att observera omgivningen. På målningen står Camille, klädd i vitt och med ett paraply, på toppen av en kulle med en blå himmel som bakgrund. Figuren vänds mot betraktaren och bakom den är barnet som också ser rakt framåt.

Formell analys av kvinna med ett paraply.

Vi följer denna analys av Kvinna med paraply att uppmärksamma de formella aspekterna. Det är en olja på duk som för närvarande finns i National Gallery of Art i Washington. Kritiker anser att det är en av mest representativa verk från Monet och från Impressionism.

Uppdraget att måla efter plein air eller plenarismo, bort från studier och utan att följa akademiska riktlinjer, blev det en av de största önskningarna hos denna generation konstnärer. Utomhusmålning gjorde det möjligt att studera ljus och färg och fånga på duken hur landskapet eller föremålen eller scenerna målade förändrades efter dagens ljus. Målet var att fånga ett unikt ögonblick och, som fotografi, visa verkligheten som den uppfattas av det mänskliga ögat.

Sammansättning och perspektiv

Impressionisterna fattade beslutet att bilda en grupp och ställa ut sina verk utanför dessa mer konventionella och akademiska utrymmen. Vistelsen bort från akademiens begränsningar tillät Monet att måla ämnen som detta, hans familjs vandring i landet.

I kompositionen är betraktaren på den plats där Monet skulle ha varit, så att vi kan delta i det bekant och vardagligt ögonblick. Ett porträtt långt borta från konventionella familjeporträtt och där ett ögonblick fullt av spontanitet och naturlighet. För detta använder Monet, en mästare som fångar ögonblicket snabba penseldrag, vilket skapar effekten att scenen är en ögonblicksbild, även om familjen som vanligt poserade i timmar.

De perspektiv den är väldigt låg och därmed uppnår att Camilles figur fyller scenen och får en monumental aspekt. För detta placerade Monet staffli vid en lägre punkt på marken, himlen fick också en stor roll. Men målaren lyckas balansera alla element så att betraktarens ögon långsamt vandrar från en till en annan, från Camille till paraplyet, till himlen, gräset och barnet.

Kvinna med paraply: analys av arbetet - Formell analys av Kvinna med paraply

Analys av färg i detta arbete av Monet.

Monet tillämpar färg klokt, det vill säga de mest slående och livfulla tonerna är gräsets gröna, vilket balanserar framträdande och övervägande av himmelens blå. En grön som också upprepas i paraplyet och därmed styr blicken från topp till botten. Figuren av Camille är målad i en vit och blåaktig färg som också lyfter våra ögon mot himlen, vilket också får oss att titta på barnet genom att lägga till en nyans av rött i ansiktet och hatt.

De nyanser av figurerna målar han dem i violetta toner, något väldigt typiskt för impressionismen, som också återskapar ljusets effekter på var och en av figurerna och visar deras passage genom paraplyet, förutom effekten av den flytande slöjan på ansiktet av Camille.

Kvinna med paraply fick många utmärkelser när det ställdes ut på årets andra impressionistiska utställning 1876, betraktas som en av hans vackraste atmosfäriska verk. Denna utställning hölls på Durand-Ruel Gallery, presenterar Monet cirka 18 målningar. Även om utställningen inte firades i stor utsträckning av pressen, fick den positiva recensioner för den höga kvaliteten på ljusbehandlingen. A) Ja, Edmond duranty, författare och konstkritiker, noterade i sitt arbete La Nouvelle peinture som impressionisterna

”[...] De har gradvis uppnått sönderdelning av solljus i dess strålar och dess element och för att kombinera deras enhet med en generell harmoni av iridescens spridd över deras dukar. Ur synvinkeln av hans verk och den subtila penetrationen av hans färger är det ett ganska extraordinärt resultat. Den mest lärda fysikern skulle inte ha något att bebreeda dem om deras ljusanalys. "