Filmen Amélie, vars ursprungliga namn är Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (Amélie Poulains fantastiska öde), är en komedi regisserad av Jean-Pierre Jeunet och visades för första gången 2001. Dess framgång har varit sådan att den är den mest sett franskspråkiga filmen i världen efter De Oberörbara, så det har blivit en kultfilm. Låt oss veta mer detaljer om det.
Sammanfattning av filmen
Amélie. Affischdetalj.
En berättare presenterar historien om Amélie Poulain, en märklig kvinna med ett fantastiskt öde. Hennes far, en läkare av yrke och inte särskilt tillgiven man, övertalar sig själv att flickan lider av ett hjärtproblem på grund av att hans hjärta tävlar varje gång han rör vid henne. Därför bestämmer hon sig för att Amélie ska bli hemundervisad med sin mor, en yrkeslärare och en kvinna med ett nervöst temperament.
Amélies mor krossas till döds av en självmordskvinna vid Notre Dame. Hans far drar sig ännu längre och begränsar sig till vårdens lilla mausoleum i trädgården, som han så småningom dekorerar med ett gnom.
Berövad all social kontakt behöver flickan Amélie bara odla sin fantasi och utveckla ett nyfiken intresse för de små detaljerna och nöjen i livet.
Amélie och hennes imaginära barndomsvän.
När hon blev kvinna lämnar Amélie hemmet. Den lilla världen i hans gamla lägenhet består av Madeleine (portvakten), fruktskålen Collignon och hans assistent Lucien, blind tiggare som vandrar från tunnelbanan till kaféet och särskilt hans granne Raymond Dufayel, en målare med en passion för målning Roddarnas lunch av Renoir, vars konstiga sjukdom gav honom smeknamnet "glasmannen."
Huvudpersonen hittar ett jobb på caféet Los Dos Molinos. Suzanne, ägaren, arbetar med henne; Georgette, tobakssäljaren hypokondriac och servitrisen Gina. Regulars inkluderar Joseph, Ginas svartsjuka ex-älskare; Hipólito, en misslyckad författare, och Philomene, en värdinna som vanligtvis lämnar sin katt för Amélie att ta hand om. De har alla något gemensamt med Amélie: den enorma ensamheten som bor i dem.
En händelse som kommer att förändra allt
Amélie hittar en skatt.
Medan hon lyssnar på nyheterna om Lady Di's död, tappar Amélie locket på en lotion tills den träffar sockelbräda, bara för att upptäcka att bakom mosaiken finns en låda med minnen som något barn uppskattade i andra tid. Upphetsad bestämmer Amélie att skicka tillbaka skatten till honom.
Sekvens: Bretodeau tar emot lådan med minnen.
Genom delikata och fina stratagems, det enda sättet att komma runt sin blyghet, överlämnar Amélie skatten till sin tidigare ägare, Dominique Bredoteau. När han ser hans känslor bestämmer han sig för att ägna sig åt att hjälpa andra. När allt kommer omkring: "Det är bättre att helga dig själv till andra än till ett trädkvarn", säger Amélie.
Amélie, det goda hämnaren
Från det ögonblicket är Amélie dedikerad till att hjälpa andra att fixa sitt liv utan att bli märkt, men något verkar saknas. Hennes granne Raymond tittar på henne med oro. För honom är Amélie som flickan med glaset vatten i målningen Roddarnas lunch av Renoir, vars förlorade blick djupt ner uttrycker en brist på engagemang för sitt eget liv.
Vägen till din egen lycka
Amélie möter Nino i fotobåset för andra gången.Detalj av Amélies brinnande hjärta när hon blir kär i Nino i deras andra chansmöte.
Amélie blir kär i Nino, en ung man som hon ser två gånger på tunnelbanan frossa under en fotobås och tappar av misstag ett album med en samling kasserade fotografier. Nu har du en ursäkt för att leta efter den: returnera din portfölj. Efter att ha lyckats misslyckas med sina stratagems på grund av sin rädsla ger Amélie upp tills det äntligen är Nino som kommer att möta henne.
Filmanalys
Närhelst en historia berättas, ska dess huvudperson genomgå en omvandling. När det gäller filmen Amélie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain), dess ursprungliga titel ger oss det första tecknet.
Typen av berättande
Berättelsen presenteras av en berättare som vet allt som händer i handlingen och i sammanhanget, men vet också vad som händer i karaktärernas fantasi och deltar i de nästan surrealistiska symbolerna för berättelse.
Med den här rösten in av, den första berättelsen börjar den 3 september 1973 vid 18 timmar, 28 minuter och 32 sekunder, ögonblicket för befruktningen av Amélie Poulain. Från det ögonblicket kommer Amélies historia att berättas i kronologisk ordning från början till slut. En första sekvens visar oss Amélies kreativa men ensamma små spel. Med detta erbjuder regissören en tydligare bild av hjältinnens ensamhet.
Amélie bryter den fjärde väggen och tittar på publiken i strid med fiktion.
Historien om Amélie avbryts knappast av listan över de andra karaktärernas enastående nöjen, liksom av minnena om dessa som upphöjer handlingarnas betydelse. Sådana minnen representeras alltid i svartvitt, vilket står i kontrast till filmens intensiva färgpalett.
I den här filmen bryter Jean-Pierre Jeunet medvetet med principen om den fjärde väggen, typisk för scenrepresentation, av störa tittaren genom direkt visuell kontakt av vissa karaktärer med kameran, såväl som genom röst från berättare. Det kommer att finnas flera möjligheter för skådespelarna att adressera tittaren.
Målning, estetik och film i Amélie Poulain
Jeunet citerar den unga kvinnans detalj med glaset över vattnet över skärmen.
Relationerna mellan film och målning har varit och är mycket nära sedan starten. Amélie Poulain är inget undantag. Ärendet kan ses på flera nivåer: i iscensättningen (scenografi, kostymer, paletter); i handlingen och i den diskursiva formen. Inte förgäves, Amélies universum ligger i hjärtat av Montmartre, vaggan för modern konst.
Amélies rum. På sängens huvud och på varje sida finns dukar av kända konstnärer.Juarez Machado: En mycket speciell middag. Kvadratisk flankerande vänster sida av Amélies säng.
Från estetisk synvinkelDet var regissörens Jean-Pierre Jeunets uttryckliga önskan att varje sekvens av filmen såg ut som en duk. I den meningen byggdes filmen på ett färgkoncept inspirerat av den brasilianska Juárez Machado, som bor i Paris.
Målningar av Juarez Machado med filmens färgpalett Amélie.
Han tillämpar de ljusa färgerna från Machados palett, särskilt rött, grönt och gult, även om han ibland också använder blå accenter (Amélies lampa). Alla dessa färger appliceras genom mättnad och har en symbolisk betydelse. Rött kommer att vara karaktärens känslomässiga värme, grönt kommer att vara balans eller neutralitet, gult kommer att vara glädje och eufori och slutligen kommer blå att vara en symbol för sorg.
Jeunet tar också synliga art deco-element i Machados verk, påverkade i sin tur av konstnären Tamara de Lempicka. Det visar också illustratörens Michael Sowas arbete, som äger hundens målningar och ankan som kröner Amélies säng.
Amélie på jakt efter Bretodeau. Machados palett kan ses i scenen och i kompositionen Komplett, inklusive frisyr och garderob, kan du se Tamara de Lempickas art deco-inflytande.Detalj av karaktärens frisyr.Tamara de Lempicka: Porträtt av hertiginnan de La Salle.
Filmen hänvisar till andra konstnärer och rörelser, antingen direkt i scenen (till exempel de målningar som visas i Amélies rum eller Renoirs målning) eller genom ledtrådar som antyder symboliska verk eller stilar som fluktuerar i minnet kollektiv.
Detaljerad bild av frisläppandet av spermahvalen, Amélies självmordsdjur. Det påminner om arbetet med impressionistiska målare på parkdammar.
Således når vi den andra nivån i målningens förhållande till filmen: handlingen. Raymond Dufayel är besatt av impressionistens Pierre-Auguste Renoirs arbete, särskilt med målningen Roddarnas lunch, målad 1881. Hans besatthet har fått honom att studera varje detalj i tjugo år där han har gjort tjugo identiska exemplar.
Dufayels dömda studie har inte tillåtit honom att dechiffrera det senaste mysteriet: flickans utseende med glaset vatten, den enda karaktären som inte kompromissar med sin miljö. Således uppfyller denna målning en funktion inom Amélie Poulains plot. Målningen är det detaljerade och synkrona utseendet på Amélies prestanda, kärleksfull och öm, men mystisk, rädd och främmande.
Dufayel och Amélie pratar om flickan med glaset vatten. Observera att Amélie utför samma åtgärd.
De typ av tal Det kommer också att tillämpa element som är typiska för visuella koder, även om de verkligen är anpassade till filmordningen. Berättaren verkar från tid till annan för att stoppa utvecklingen av handlingen. Det är inte en återgång till ett minne (som det gör så småningom men som vi inte behöver utveckla här). Snarare är det ett svartvitt porträtt av karaktären som gör att vi kan göra en mental bild av hans mänskliga kvalitet. Detta porträtt förklarar inte psykologiska egenskaper direkt, utan unika detaljer om karaktären, det vill säga hans små nöjen.
Som ett renässansporträtt får Jeunet berättelsen att stoppa, det vill säga han avbryter tiden för att presentera karaktärens lilla nöje som ett attribut som uttrycker hans karaktär. Detta sätt att säga är typiskt för måleriet, som, eftersom det är rumsligt och inte tidsmässigt, stannar vid ett ögonblick i tid för att visa alla möjliga detaljer på duken.
Ensamhet i transformation
Amélie i sitt rum.
Runt Amélie, i hjärtat av Montmartre, hjärtat av modern konst, visas pauserna i ett slitet och fastnat stadsliv. Den rumsliga axeln består av huset Amélie och hennes grannar, grönsakshandlaren, caféet, tunnelbanan, nöjesparken, sexprodukterbutiken och naturligtvis hennes fars hus. Filmens hjältinna går genom vart och ett av dessa utrymmen, och var och en är ett uttryck för svårigheterna med att relatera till miljön.
Amélie projicerar sina behov och bekymmer på de andra karaktärerna. Hon ger möjligheter till transformation för alla karaktärer, men misslyckas med att adressera någon direkt. Hans rädsla är förlamande, patologisk.
Som karaktär börjar Amélie sin resa i frustration på grund av ensamheten som omger henne. Oförmågan att relatera är inte bara hon utan hela regionen som omger henne. Men bara hon har nyckeln till transformation tack vare sin förmåga att föreställa sig och drömma. Din inre värld är din glädje.
Amélie och hennes far i trädgårdsmausoleet innan hon stjäl gnomen.
Berättaren är en medbrottsling av Amélies blick och kan ge fantasin samma betydelse av verkligheten. Genom huvudkaraktärens ögon ser vi de förhållandevanskor som de flesta birollarna har, som Amélie tycker att hon måste hjälpa ut ur sitt fängelse.
Återlösande kärlek
Säkert, Amélie Det är inte en ursäktande film. Vi måste dock säga att enligt vår åsikt representerar Jeunets film kärlek och relation som en transformativ energi som ger liv åt mening.
Därför bör det inte förbises att detta verk hänvisar till kontexten Lady Di och figur av Moder Teresa av Calcutta (detta refererar bara en gång), som dog inom några dagar efter skillnad. Var och en av dem är en symbol för en annan kärlek i den sociala fantasin.
Det bör inte heller förbises att de enda karaktärerna som återgår till sitt normala tillstånd är Georgette och Joseph. Efter en eldig romantik uppmuntrad av Amélie, återgår Joseph till sin fientliga uppförande och gör Georgette "sjuk" igen. Det är uppenbart att den omvandlande kraften inte härrör från enbart passion utan mening utan från den personliga mänskliga relationen.
I filmen Amélie, kärleken känner bara en motsats: rädsla. Joseph lider av detta, men också och på ett annat sätt, Amélie, som inte kan övervinna det ensam. Hon behöver det personliga förhållandet som nekades henne i hennes barndom. Du måste bygga konkreta band av tillgivenhet och förtroende. Det är därför dina altruistiska handlingar inte räcker. I dem finns det inget förhållande, men stratagems, som om hon spelade för att dra i andras öde.
Det är därför varje detalj i Amélie Poulan räknas; det är därför berättaren insisterar på att räkna dem. Att känna igen de små detaljerna som gör människor unika är tecken på ett omtänksamt, konstruktivt, kärleksfullt och förlossande förhållande. Så Amélie använde dessa detaljer för att hjälpa till.
Kärlek leder till det goda, och detta uppfattas som fullhet: för författaren Hipólito sammanfattades det goda genom att läsas och beaktas; för vaktmästaren var en kärleksfull lögn bättre än avgrunden av hjärtsorg där hon låg; det goda i Dominique Bretodeau kunde bara komma från att lära sig att dela det han hade istället för att samla skatter; hos Amélies far kunde det goda bara öppna hans sinne om han slutade kalla kärleken till det förflutna som han använde som gömställe. För Dufayel skulle det goda komma genom att dechiffrera mysteriet med målningen och befria sig från imitationen av Renoir.
Om Amélie lyckas "spara", det vill säga förvandla de flesta karaktärerna, är hon inte själv kapabel att ta språnget. Amélie, som lyckades hjälpa alla, kan inte hjälpa sig själv. Således kommer hon att veta vad som är det sanna centrumet för all frälsning: kärlek och relation. Amélie räddas från avgrunden av sitt nätverk av vänner, som hon har gett så mycket till: Gina å ena sidan, glasmannen, å andra sidan. Men slutligen, Nino, som inte är rädd för kärlek. I slutet av allt uppmanar de henne indirekt eller direkt att ta emot sitt fantastiska öde.
I ett modernt liv, ångrat, utan kraft och vägd av rutin, introducerar Jeunet kärlek som den förnyande kraften.
Få det att se ut som ödet
Amélie och Nino åker skoter genom Paris. Slutsekvens.
Det sista som är värt att nämna är frågan om "öde". Det är underförstått att i mytisk tanke är ödet en oundviklig tur som flyttas av mystiska krafter. Däremot ses ödet i modern tid som ett resultat av mänskliga handlingar, helt enkelt.
Även om i filmen Amélie Mystiska krafter agerar inte, med hjälp av hennes strategier spelar huvudpersonen för att få händelserna konstruerade av det goda att verka som ett öde. En touch av magi kommer till Bretodeaus liv när han får, utan att veta hur, sin skattkartong. Samma sak händer med Madeleine när hon på mystiskt sätt tar emot de förfalskade breven från mannen som övergav henne. Detsamma gäller Amélies karriär med den blinda mannen och den resande nissen som stör hennes far.
Ingen av dem hade svårt att tro på dessa pseudomagiska tecken. Alla accepterade mandatet för mysteriet som kärleksfullt avslöjades i varje knep. De rördes av meningen och inte av de rationella orsakerna till dessa händelser.
Varje handling för Amélies skull ger magi och tro tillbaka till livet, övertygelsen om att något mer kraftfullt än oss händer bakom verkligheten. uppenbar, idén att historien också har osynliga trådar som måste följas med en fin känsla av beröring och inte av verkligheten skenbar. Således mötte de alla en fantastisk destination.
Det kan intressera dig: Renoir: de viktigaste verk av den impressionistiska målaren
Jean-Pierre Jeunet är en fransk filmregissör, manusförfattare, skådespelare, producent och redaktör född den 3 september 1953 i Loire. Han har arbetat i filmbranschen från en ung ålder. Förutom den romantiska komedi genren utforskas i Amélie, Jeunet har också utvecklat animeringsprojekt, liksom filmer om dystopier, futuristiska världar, vapenhandel, etc. Han har också arbetat i reklamvärlden.
Bland hans mest kända filmografi kan vi nämna följande:
Delicatessen (1991) regisserade tillsammans med Marc Caro
Staden för förlorade barn (1995), samregisserad med Marc Caro
