Vilka är skönhetskanonerna för medeltida konst?

En mörk tid. Lite kunskap. En grov och klumpig konst. Mycket religiösa varelser som alltid bad... Det är de förutfattade meningarna vi har från medeltiden, delvis sporrade av filmer och romaner. Verkligheten var dock en helt annan.

Människorna i Medeltiden de hade konstnärlig känsla och hade sina egna kanoner i förhållande till skönhet. Faktum är att dessa i många avseenden inte skiljer sig alltför mycket från antiken, även om ämnena har försökt lära oss något annat.

Hur var skönhetskanonerna på medeltiden?

Så att, Vilka är de viktigaste skönhetskanonerna inom medeltida konst? Vad ansågs vara vackert på medeltiden? I den följande artikeln, och förlitar oss på författare lika berömda som Umberto Eco, kommer vi att försöka beskriva en kort skiss av skönhet under medeltiden och hur det återspeglades i deras konstnärliga verk.

ett symboliskt universum

Först och främst är det viktigt att betona att vi inte kan jämföra medeltida konst, eminent symbolisk, med andra tiders konst, mycket mer naturalistisk. Vad menar vi med detta? Tja, helt enkelt

det som rådde för medeltida konstnärer när de skapade var inte hur något representerades, utan vad som representerades.

Av denna anledning är det ärligt talat absurt att diskutera om den medeltida de visste eller inte av perspektiv, eller proportion eller symmetri. Tänker vi på detta när vi står inför en egyptisk fresk? Förmodligen inte, och det beror på att vi är vana vid att i det antika Egypten se en dogmatisk civilisation, inte alls naturalistisk.

Så, om vi är mycket tydliga att Egypten var en religiös värld och att den enda avsikten de hade tiden att skapa var att fånga det andliga universum, varför är vi så orättvisa mot plast medeltida? Varför jämför vi medeltidens målningar med klassisk konst, och rynkar pannan och säger att de "inte visste hur man målar", men vi gör inte detsamma med egyptiernas konst?

I verkligheten är den egyptiska och medeltida världen inte så långt ifrån varandra. Vi förklarar oss själva. För medeltida män och kvinnor var kosmos Guds skapelse, den perfekta arkitektens fullkomliga verk, och därför var allt genomsyrat av hans gudomlighet.

Detta innebar att varje skapelseelement var sammankopplat och allt hade en djupare mening än det hade vid första anblicken. För medeltiden var ett djur inte bara ett djur, utan var täckt av en symbolik: pelikanen, från som man trodde öppnade sitt bröst för att mata sina ungar med sitt blod, var en symbol för Kristus och hans offra. Strutsen var förkroppsligandet av idén om rättvisa, eftersom dess fjädrar var strikt symmetriska. Hermelinen var ren, på grund av sin obefläckade vita färg. Och så med en lång etcetera.

I den gudomliga skapelsen hittades ingenting i världen av en slump. Den medeltida mentaliteten trodde inte på slumpen, som den moderna vetenskapliga mentaliteten skulle göra senare. Varje element var föremål för en orsak, etablerad av Gud, så ibland kunde existensen av något bara förstås av Skaparen.

Det var fallet med fulheten, missbildningen, monstret, som för övrigt plågar medeltida konst, särskilt i versaler och spalter. Om de fanns så var det för att Gud hade gett dem ett uppdrag, en mening. På medeltiden var ingenting överflödigt och ingenting saknades i världen.

• Relaterad artikel: "Skönhetskanoner: vad är de och hur påverkar de samhället?"

En "onaturalistisk" konst

Detta symboliska universum återspeglades ständigt i måleri och skulptur. Uppenbarligen kan vi inte leta efter naturalistiska inslag i medeltida konst. Vi har redan sagt att avsikten inte var hur, utan vad. Den medeltida konstnären fångar alltså inte vad han ser, utan vad han betyder verklighet. För att göra detta avstår man från volymer, proportioner och alla andra "akademiska" regler och på så sätt förvärvas en större uttrycksfrihet. Låt oss föreställa oss att den medeltida konstnären försökte representera himmel och jord på ett strikt naturalistiskt sätt. Omöjlig. Hur fångar man begrepp som frälsning, fördömelse, Gud, Kristus, odödlighet, uppståndelse??? För att fånga liknande idéer krävs ett symbolspråk, och symbolspråk kan inte vara föremål för fysiska eller matematiska regler, eftersom, om han gjorde det, hans uttrycksförmåga skulle minska.

Detta betyder dock inte att det under medeltiden inte fanns en viss uppfattning om proportion och symmetri. Låt oss komma ihåg att medeltiden kände till mycket av de klassiska skrifterna och inte var så långt borta från den antika världen att de inte såg sig speglade i den. Även i den romanska konsten, som är så onaturalistisk, finner vi tydliga exempel där konstnären har försökt representera verkligheten med viss noggrannhet.

Detta är fallet med relieferna och skulpturerna i Moissac-klostret i Frankrike, där vi hittar en Saint Paul och en Saint Jeremiah häpnadsväckande naturalistiska för tiden, med kläderna klamrar sig fast vid kroppen och faller i veck som oundvikligen påminner om klassisk teknik. Å andra sidan Eve av Soulliac, också i Frankrike, är en utmärkt liggande naken som helt naturligt återger brösten och kvinnans kropp, som för övrigt förstör en annan ganska hackad klyscha: att det på medeltiden inte fanns någon naken".

• Du kanske är intresserad av: "Historiens 15 grenar: vad de är och vad de studerar"

Anpassning till rymd och symmetri

Det som är utmärkande för medeltida plastkonst är figurernas anpassning till rymden. I denna mening är medeltiden ganska strikt: den som ansvarar är byggnaden eller platsen dit arbetet är avsett, och detta måste anpassas till dess egenskaper. Av denna anledning är det ganska vanligt att scener raderas eller ändras för att korrekt lokalisera karaktärerna i ett tympanon, arkiv eller versal.

Å andra sidan är symmetrikriteriet ganska närvarande i medeltida plastkonst. Umberto Eco, i sin magnifika essä Konst och skönhet i medeltida estetik, innehåller några intressanta exempel, som det från Soisson, där en av de vise männen är "eliminerad" för att utöva perfekt symmetri med den intilliggande scenen. Vi ser här ett tydligt exempel på den stelhet med vilken medeltiden övervägde läggningen och den figurernas symmetri, eftersom representationens helhet måste överensstämma med ett absolut perfekt.

På medeltiden fanns det inget utrymme för innovation, åtminstone under de första århundradena. Medeltida hantverkare upprepar kanoner och former och anpassar sitt arbete till utrymmet efter tydliga föreskrifter som överförs från generation till generation. En Pantokrator kommer alltid att följa liknande modeller, såväl som en Virgin Theotokos eller en tillkännagivande. Vi kommer att få vänta till slutet av den gotiska perioden för att ett nytt uttryck ska dyka upp, vilket naturaliserar figurerna och uttrycken och försöker antyda perspektiv och rekreation av utrymmen verklig.

• Relaterad artikel: "5 ämnen om medeltiden som vi måste få ur våra huvuden"

ljus och färg

En annan viktig aspekt för att förstå vad den medeltida människan baserade begreppet skönhet på är ljus och färg. Medeltiden kan inte förstås utan dessa två element, eftersom, för dess huvudpersoner, Gud är ljus och ljus är färg..

Allt blir alltså ett kromatiskt uttryck: väggar och tak i kyrkor och katedraler, skulpturer, kläder, banderoller, miniatyrer, juveler. Trots sin övertygelse om att skönhet är överjordisk och att den existerar bortom det synliga, är den medeltida människan inte likgiltig för den attraktion som känslig skönhet utövar på honom. Suger själv, abbot av Saint-Denis, var förvånad över det brus av färg och ljus som hans kyrka hyste, eftersom det kopplade den direkt till gudomlig skönhet. Något som förresten Bernardo de Claraval och cistercienserna kommer att betrakta som farligt för dygden och kommer att försöka utrota från sina byggnader.

I medeltida måleri är färgen ren, just för att den är ljus. Medeltidens människa blir inte gravid med färg "halv"; tonerna är rena, lysande, klara. Användningen av guld når sin topp under den så kallade internationella gotiken, där fonderna är dekorerade med denna nyans, som representerar Gud. Ädelstenar och ädelstenar är lika mycket uppskattade, inte bara för deras ekonomiska värde, utan också för att de "fångar" färg och ljus. I romaner och trubadurpoesi är den älskades röda kinder, hennes vita hy och hennes hår upphöjda. blondiner, och adelsmännen bär omöjliga kombinationer som inkluderar blått med grönt och rött med gult eller violer. Kort sagt, i motsats till vad folk (fortfarande) tror, ​​är medeltiden en tid som utstrålar ljus.

Den nya "gotiska" skönheten

Det romanska uttrycker skönhet genom kraftfulla och "solida" figurer, inspirerade av ikonografier från den bysantinska östern., som ikonerna för Jungfrun och Kristus i Majestät. Mot slutet av 1200-talet visar stilen tydliga tecken på utmattning, och ett mycket mer "stiliserat" skönhetsideal, som är karakteristiskt för gotiken.

Det betyder inte att vertikalitet inte existerade i romanskan. En annan återkommande klyscha från medeltiden är att romanska kyrkor bara är horisontella, när det finns talrika exempel på dåtidens katedraler som vittnar om kärleken till vertikalitet (uppstigningen mot Gud). Men det är sant att under den gotiska perioden var figurerna av plastiska representationer "förlänga", och därmed lyda kanonen för senmedeltida mänsklig skönhet, som motsvarar tio huvuden. Som vi kan se är den resulterande siffran överdrivet smal, om vi tar hänsyn till att kanonen i klassisk tid reducerades till sju och åtta.

Vertikalitet är alltså skönhet under gotiken. Katedraler reser sig till oändligheten, målade glasfönster upptar mer och mer utrymme (särskilt i norra Europa), och till och med mode fånga denna fascination för de "avlånga": toppade huvudbonader för damerna och dubbletter smala i midjan för män som kompletteras med Strumpor och långa skor bidrar till att skapa senmedeltidens idealiska maskulina skönhet: en lång och smal man som tornet i en katedral. gotiska.