Edvard Munch: 20 ผลงานที่ยอดเยี่ยมเพื่อทำความเข้าใจบิดาแห่ง Expressionism

Edvard Munch เป็นจิตรกรชาวนอร์เวย์ที่อยู่ในช่วงเปลี่ยนผ่านจากศตวรรษที่ 19 เป็นศตวรรษที่ 20 และถือเป็นบิดาแห่ง Expressionism ผลงานของเขาซึ่งอื้อฉาวสำหรับหลาย ๆ คน ปลุกเร้าความชื่นชมของศิลปินรุ่นเยาว์และสาธารณชนที่ไม่เฉพาะทาง สิ่งเหล่านี้ถูกระบุด้วยความวิตกกังวลที่เกิดจากอุตสาหกรรมอย่างรวดเร็วและกลไกที่มีอยู่

สำหรับศิลปินที่มีชื่อเสียง สาเหตุของเรื่องอื้อฉาวอยู่ในเสรีภาพทางเทคนิคของ Munch สำหรับภาคส่วนอนุรักษ์นิยมนั้น ขึ้นอยู่กับความจริงที่ว่าจิตรกรพูดถึงเรื่องเพศอย่างเปิดเผย เช่น เพศ ความรัก และเหนือสิ่งอื่นใด ความเจ็บป่วยและความตาย ความหลงใหลอันยิ่งใหญ่ของเขา

สไตล์ของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวด้วยความจริงที่ว่ามันสร้างภาษาที่แท้จริงและเป็นต้นฉบับ ซึ่งเป็นผลมาจากการสนทนาอย่างอิสระกับโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ อาร์ตนูโว และเปรี้ยวจี๊ด นั่นคือเหตุผลที่แม้ว่า Munch จะเปิดประตูแห่งการแสดงออก แต่เขาไม่สามารถถูกระบุว่าเป็นการเคลื่อนไหวใด ๆ เมื่อมองดูผลงานที่สำคัญที่สุดของเขา เราจะเข้าใจว่าทำไม Munch ถึงเป็นศิลปินที่มีเอกลักษณ์และไม่มีใครทำซ้ำได้

1. กรี๊ด, 1893

กรี๊ด เป็นผลงานของ Munch ที่ปล่อยเรื่องอื้อฉาวมากที่สุด และวันนี้ก็ถือว่า Mona Lisa ของศิลปะร่วมสมัย มันแสดงถึงคนกะเทยที่มีใบหน้าแสดงความปวดร้าวในการแสดงออกสูงสุดหลังจากได้ยินหรือเปล่งเสียงกรีดร้อง ตัวแบบจึงรับรู้ว่าโลกเป็นลูกคลื่นและลูกคลื่น ไม่มีใครนอกจาก Munch เคยทำสิ่งนี้มาก่อนในงานศิลปะ

ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นหลังจากช่วงที่พี่สาวคนหนึ่งของเขาถูกคุมขังในข้อหาพยายามฆ่าตัวตาย บ่งบอกถึงความเชื่อมโยงบางอย่างกับเหตุการณ์นี้ เรื่องน่ารู้เกี่ยวกับ กรี๊ด คือมันช์สร้างสี่เวอร์ชันโดยมีความแตกต่างเล็กน้อยระหว่างพวกเขา ซึ่งเป็นวิธีปฏิบัติทั่วไปในจิตรกร เวอร์ชันที่มีชื่อเสียงที่สุดคือปี 1893 ซึ่งถูกขโมยไปในปี 1994 และกู้คืนได้ไม่นานหลังจากนั้น

2. ความวิตกกังวล, 1894

ใช่ กรี๊ด เป็นภาพความสิ้นหวังของแต่ละบุคคล individual ความวิตกกังวล มันคือการแสดงออกถึงความปวดร้าวร่วมที่ Munch รวบรวมไว้ในจิตวิญญาณของนอร์เวย์ ดังนั้น Munch ไม่ได้เป็นเพียงศิลปินที่จำกัดความรู้สึกไม่สบายของแต่ละบุคคล แต่มีความไวต่อความรู้สึกไม่สบายทั่วไป ที่ส่งผลกระทบต่อสังคมในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ซึ่งการเปลี่ยนแปลงได้เร็วกว่าความสามารถในการประมวลผลมาก การเปลี่ยนแปลง

ผ้าใบ ความวิตกกังวล มีพื้นฐานมาจากภาพวาด Munch สองภาพก่อนหน้านี้ ภูมิทัศน์ที่เราเห็นใน ความวิตกกังวล ได้รับการกู้คืนจากผ้าใบ กรี๊ด. ตัวละครถูกพรากไปจาก ช่วงบ่ายที่ Karl Johan Street. กลยุทธ์ในการนำองค์ประกอบจากเฟรมก่อนหน้ากลับมาใช้ซ้ำใน Munch จิตรกรไม่เพียง แต่ "เป็นตัวแทน" ของฉากเท่านั้น แต่องค์ประกอบที่ประกอบเป็นภาพเหล่านี้ถือเป็นสัญลักษณ์ของตัวเอง

3. สาวป่วย, 1885-1886

สาวป่วย สอดคล้องกับสไตล์ในยุคแรกๆ ในงานของ Munch ซึ่งกำลังเข้าใกล้อิมเพรสชั่นนิสม์ บนผืนผ้าใบแสดงให้เห็นโซฟีน้องสาวของ Munch บนเตียงมรณะของเธอจากวัณโรค ตอนนั้นหญิงสาวอายุประมาณ 15 ปี

ตามธรรมเนียมของเขา Munch เล่นเพลงนี้ในเวอร์ชันต่างๆ ซึ่งเป็นที่มาของความเจ็บปวดและความรู้สึกผิดอย่างถาวรสำหรับเขา นี่เป็นเพราะจิตรกรซึ่งป่วยด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 13 ปี รู้สึกว่าเขาต้องตายแทนน้องสาวของเขา

4. ความรักและความเจ็บปวด (แวมไพร์), 1893

Munch ตั้งชื่องานนี้ว่า ความรักและความเจ็บปวด. ในนั้นเขาเป็นตัวแทนของผู้หญิงคนหนึ่งที่โอบกอดชายคนหนึ่งซึ่งนอนอยู่บนตักของเธอราวกับแสวงหาการปลอบโยน แม้ว่า Munch จะไม่เคยเปิดเผยความหมายส่วนตัวของงาน แต่ชื่อเดิมก็มีเนื้อหามากมาย อย่างไรก็ตาม เมื่อชิ้นนี้ถูกเปิดเผย ก็ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่

ผู้คนเห็นสัญญาณเกี่ยวกับความเศร้าโศกในตัวเธอ และตีความว่าผู้หญิงคนนั้นกัดคอของคนรักเหมือนเป็นแวมไพร์ จิตรกรรมจึงเริ่มเป็นที่รู้จักในนาม แวมไพร์. นี่เป็นเรื่องอื้อฉาวที่หลายปีต่อมา นี่เป็นหนึ่งในภาพเขียน Munch จำนวนมากที่ถูกเซ็นเซอร์ระหว่างการยึดครองของนาซีในนอร์เวย์

5. มาดอนน่า, 1894

กล่องที่เรียกว่า มาดอนน่า แต่เดิมมีชื่อว่า คนรักผู้หญิง หรือ ผู้หญิงที่รัก. เปลี่ยนชื่องาน มาดอนน่า ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นการยั่วยุ Munch ผลิตผลงานชิ้นนี้อย่างน้อยห้ารุ่นที่เป็นที่รู้จัก

ศิลปินทำให้เป็นตัวแทนของผู้หญิงราวกับว่ามันเป็นไอคอน เพื่อสื่อถึงความรักใคร่ที่ความงามและเรื่องเพศของเธอตื่นขึ้น รัศมีสีแดงที่ล้อมรอบศีรษะหมายถึงความสัมพันธ์ระหว่างความรักและความเจ็บปวด แม้กระทั่งในช่วงที่การมีเพศสัมพันธ์เสร็จสิ้นลง

สมมติฐานนี้มีความสมเหตุสมผลเนื่องจาก Munch ได้สร้างแบบจำลองที่แกะสลักไว้ ซึ่งกรอบดังกล่าวรวมถึงลวดลายตกแต่งของตัวอสุจิที่บรรจบกันบนตัวอ่อนในครรภ์ที่น่าขยะแขยง โดยสรุปแล้ว ภาพวาดนี้เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรชีวิตที่ผ่านทางเพศ การให้กำเนิด และความตาย

6. ขี้เถ้า, 1894

ขี้เถ้า ถือเป็นหนึ่งในผลงานที่มีความสวยงามทางสุนทรียะที่สุดของ Munch อันเนื่องมาจากการร้อยเรียงของเส้นและการลงสี ในการจัดองค์ประกอบ เราเห็นชายชุดดำ สีของความมืดและความตาย ชายคนนั้นหลงทางในมุมหนึ่งราวกับว่าซ่อนใบหน้าของเขาด้วยความอับอายด้วยมือของเขาที่ศีรษะ มันทำให้เรานึกถึงชายที่หดหู่ใจของ ความรักและความเจ็บปวด (แวมไพร์).

ข้างหลังเขา มีผู้หญิงในชุดสีขาว สีของความบริสุทธิ์ และเสื้อท่อนบนสีแดง สีของความรัก ก็ยกมือขึ้นเช่นกัน ใบหน้าของเขาแสดงความเศร้าและความกังวล ม่านแห่งความรักถูกฉีกออก

ความสัมพันธ์ระหว่างภาพกับชื่อเรื่องชี้ให้เห็นถึงความขัดแย้ง: เมื่อความหลงใหลหมดไป ความหลงใหลก็จะสลายไป ไฟแห่งความหลงใหลเหลือเพียงขี้เถ้า แต่นอกจากนี้ ท่าทางของตัวละครยังทำให้เกิดความรู้สึกผิดและสิ้นหวัง เผยให้เห็นว่าเหตุการณ์ที่ขัดต่อหลักศีลธรรม เป็นการล่วงประเวณีหรือไม่? มันเป็นการข่มขืน? ต้องเป็นผู้ชมที่ถอดรหัสมัน

7. วัยแรกรุ่น, 1894-1895

บน วัยแรกรุ่น, Munch แสดงภาพวัยรุ่นเปลือยเปล่าอย่างสมบูรณ์ หญิงสาวมีใบหน้าที่น่ากลัวและซ่อนส่วนส่วนตัวของเธอ มากกว่าสัญลักษณ์ของความสุภาพเรียบร้อยและไร้เดียงสา ท่าทางเป็นสัญลักษณ์ของความกลัวและการกดขี่ข่มเหง เรื่องเพศซึ่ง Munch ประสบในวัยเด็กของเขาเนื่องจากความรุนแรงทางศาสนาของบิดาและบริบทของ ยุค.

อารมณ์ลึกลับของฉากได้รับการยืนยันโดยเงาที่อ่านไม่ออกในแบ็คกราวด์ ซึ่งดูเหมือนภาพหลอนที่หลอกหลอน ความสำคัญของงานแรกๆ ของ Munch นี้อยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่ามันแสดงถึงจุดเปลี่ยนระหว่างจังหวะ "อิมเพรสชันนิสม์" กับการปลดปล่อยเทคนิคในการให้บริการโลกแห่งจิตวิทยาของศิลปิน

8. ภาพเหมือนตนเองกับบุหรี่, 1895

ภาพเหมือนตนเองกับบุหรี่ เป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของ Munch และยังเป็นภาพเหมือนตนเองที่โด่งดังที่สุดในบรรดาผลงานอื่นๆ ที่เขาสร้างขึ้น บนผืนผ้าใบ ผู้เขียนแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจและความเชี่ยวชาญในเทคนิคนี้อย่างแท้จริงเพื่อแสดงถึงการเรืองแสงของแสงท่ามกลางความมืดและควัน

ในการทำเช่นนั้น Munch สร้างบรรยากาศที่เกือบจะลึกลับซึ่งดึงดูดความสนใจไปที่ใบหน้าและมือของเขา ใบหน้าดูงุนงงและประหลาดใจ ขณะที่มือที่ถือบุหรี่ก็ชูขึ้นจนถึงระดับหัวใจ หากใบหน้าเป็นสัญลักษณ์ของตัวตนภายในของตัวแบบที่ได้รับผลกระทบจากความไม่มั่นคงทางอารมณ์ มือก็เป็นสัญลักษณ์ของศิลปินที่เป็นพลาสติก

9. ความตายในห้อง, 1895

ในช่วงวัยเด็กของเขา Edvard Munch เห็นว่าสมาชิกในครอบครัวหลายคนเสียชีวิตด้วยวัณโรค: พ่อและแม่ของเขาเป็นบางกรณี ความตายในห้อง แสดงถึงความทุกข์ทรมานของครอบครัวของเขาที่สูญเสียน้องสาวของเขา โซฟี ที่เราไม่เห็น เป็นอัจฉริยะของผู้เขียนที่จะมุ่งความสนใจของผู้ชมไปที่ความทุกข์ทางอารมณ์มากกว่าความตาย

คนที่ยกมือขึ้นในการอธิษฐานคือบิดาของเขา ซึ่งเป็นผู้เคร่งศาสนาโปรเตสแตนต์ที่เคร่งครัด เชื่อกันว่าชายผู้เอนกายพิงกำแพงคือ Munch โดยหันหลังให้กับที่เกิดเหตุ (ความตาย ความรักใคร่ และศรัทธา) ขณะที่มองตรงไปยังเงาของตัวเอง เน้นความจริงที่ว่าสมาชิกในครอบครัวแต่ละคนต้องทนทุกข์ทรมานแยกกัน

10. มนุษย์สองคน (คนเหงา), 1896

ผ้าใบ มนุษย์สองคน ไม่มีอะไรมากไปกว่าการเปรียบเทียบความเหงา ในนั้นเราเห็นชายและหญิงที่ไม่มีตัวตนโดยหันหลังให้กับผู้ดูกำลังพิจารณาขอบฟ้าเฉื่อย ระหว่างทั้งสองดูเหมือนจะมีระยะทางที่ผ่านไม่ได้

งานเช่นเดียวกับงานอื่น ๆ ของ Munch ถูกกล่าวถึงหลายครั้งและในเทคนิคต่างๆ ทั้งรูปแบบและรูปแบบการนำเสนอเป็นการยืนยันถึงบุคลิกที่วิตกกังวล โดดเดี่ยว และซึมเศร้าของศิลปิน

11. จูบ, 1897

จูบตั้งแต่ปี พ.ศ. 2440 เป็นภาพเขียนรูปแบบหนึ่งที่เรียกว่า จูบหลังหน้าต่างโดย Munch เอง วิธีที่จิตรกรเป็นตัวแทนของทั้งสองร่างนั้นโดดเด่น พวกเขาดูเหมือนร่างเดียวไม่มีเส้นแบ่งระหว่างพวกเขา ตัวละครขาดเอกลักษณ์ ข้อจำกัดของตัวเอง

ไม่สามารถอ่านการผสมผสานของตัวละครได้อย่างโรแมนติก เนื่องจากบรรยากาศที่มืดมิดและหนักหน่วงของฉากยังบ่งบอกถึงความใกล้ชิดของความตายอีกด้วย ผลกระทบที่เกิดจากซีรีส์นี้จึงเป็นแรงบันดาลใจให้ผลงานที่มีชื่อเสียง จูบโดย กุสตาฟ คลิมท์

คุณอาจสนใจ: การวิเคราะห์ จูบโดย Gustav Klimt.

12. ภาวะเจริญพันธุ์, 1898

บนผืนผ้าใบ ภาวะเจริญพันธุ์ จาก Munch เราเห็นหญิงมีครรภ์ตั้งตรงแบกผลไม้อันอุดมสมบูรณ์ของต้นไม้ ต่อหน้าเธอ ชายผู้นั่งหงอนและก้มตัว แตกต่างออกไป สามารถมองเห็นไม้เท้าที่ร่วงหล่นอยู่ข้างๆเขา มีความต่อเนื่องกันระหว่างมนุษย์กับต้นไม้เพราะอดีตวางเท้าไว้บนลำต้นของต้นไม้

ต้นไม้สามารถตีความได้ว่าเป็นต้นไม้แห่งชีวิต อย่างไรก็ตาม กิ่งหนึ่งถูกตัดออก ซึ่งเหลือเพียงตอไม้เท่านั้น เพื่อให้เกิดผล ต้นไม้ถูกตัดแต่งกิ่ง ผ่าเป็นชิ้นๆ

การตีความที่รุนแรงมากขึ้นแสดงให้เห็นว่า Munch แสดงออกถึงการปฏิเสธการมีลูก ผลของเธอจะเป็นตัวแทนของการสิ้นสุดของผลของเขา การตีความขึ้นอยู่กับข้อเท็จจริงที่ว่าภาพวาดนั้นถูกวาดเมื่อ Munch ต้องเผชิญกับความเป็นไปได้ที่จะแต่งงานกับ Tulla Larsen ซึ่งเป็นความมุ่งมั่นที่ไม่เคยสำเร็จ

13. ประชุมในอวกาศ, 1898

บน ประชุมในอวกาศ เราเห็นชายหญิงกำลังจมอยู่ในอวกาศ งานนี้แสดงถึงช่วงเวลาที่เร้าอารมณ์ โดยไม่ได้แบ่งแยกตามร่างกายและท่าทางเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเส้นที่พาดพิงถึงการเคลื่อนตัวของอสุจิไปรอบๆ ร่างด้วย ใบหน้าอยู่ห่างไกลจากกัน ผู้หญิงคนนั้นดูเกือบจะเฉยเมย ดูเหมือนว่าชายผู้นี้จะได้รับการปลดปล่อย ชิ้นนี้แสดงให้เห็นถึงความเก่งกาจทางเทคนิคของผู้แต่งตลอดจนสัญลักษณ์และแหล่งข้อมูลที่แสดงออก

14. การเต้นรำของชีวิต, 1899

การเต้นรำของชีวิต มันเป็นอุปมาสำหรับช่วงชีวิตและความรัก เป็นฉากกลางแจ้งซึ่งมีพื้นหลังเป็นท้องฟ้าสีครามเหนือทะเลสาบนอร์เวย์ บนท้องฟ้า เราเห็นดวงอาทิตย์ทางตอนเหนือและเงาสะท้อนในน้ำ ซึ่งเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ที่ซ้ำซากจำเจในภาพวาดของจิตรกร

ในเบื้องหน้า เราเห็นผู้หญิงคนเดียวกันในสามขั้นตอน: หญิงสาวในชุดขาวทางซ้าย ทางขวามือ ผู้หญิงโดดเดี่ยวในชุดดำ ตรงกลาง ผู้หญิงและผู้ชายของเธอเต้นรำราวกับว่าโลกนี้ไม่มีอยู่จริง ชุดสีแดงเป็นสัญลักษณ์ของชีวิตและความหลงใหล ทั้งคู่อาจเป็น Tulla Larsen และ Munch

รอบตัวพวกเขา ตัวละครอื่นๆ เต้นรำ ข้างหลังผู้หญิงชุดดำ มีคนเห็นผู้ชายพิลึกๆ พร้อมที่จะทำร้ายผู้หญิง ความสำคัญของงานนี้อยู่ในแนวทางที่ Munch สามารถถ่ายทอดความซับซ้อนของความปวดร้าวภายในของเขาได้ตลอดช่วงชีวิตที่เขาจำกัดความรัก

15. ความตายของมารัต, 1907

ในช่วงชีวิตของเขา Munch ได้อุทิศตนเพื่อสร้าง ความตายของมารัต. ในบรรดารุ่นเหล่านี้ เราขอนำเสนอรุ่นที่ผลิตในปี 1907 Marat เป็นนักข่าวและนักการเมืองชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ซึ่งถูกลอบสังหารโดย Charlotte Corday

ซีรีส์นี้ดูเหมือนว่าจะมี Munch เป็นตัวอ้างอิงของผู้ชาย ดังนั้นจึงรวบรวมความคิดที่ว่าจิตรกรรู้สึกว่าตัวเองตกเป็นเหยื่อของผู้หญิง จากมุมมองด้านสุนทรียศาสตร์ ผลงานชิ้นนี้โดดเด่นในเรื่องการใช้เส้นเป็นรูปแบบการลงสี เป็นประเภทของเรยอนนิสม์ที่แตกออกด้วยรูปแบบสมัยใหม่ของเส้นโค้งและด้วยการใช้พื้นผิวที่มีสีหนาแน่น

16. ผู้ชายอาบน้ำ, 1907

ผู้ชายอาบน้ำ de Munch โดดเด่นด้วยตัวละครที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวา ซึ่งตรงข้ามกับบรรยากาศที่เป็นคลื่นและมืดในผืนผ้าใบของเขา ฉากนี้แสดงให้เห็นชายกลุ่มหนึ่งบนชายหาดเปลือย ซึ่งมันช์ใช้เวลาพักฟื้น

แทะเล็มแสดงความสามารถพิเศษในการวาดภาพทางกายวิภาคและความสามารถพิเศษในการระบายสี เทคนิคที่นำมาใช้นั้นได้รับการหล่อเลี้ยงด้วยหลักการอิมเพรสชั่นนิสม์และเรยอนนิสม์ และในบางแง่มุม ดูเหมือนว่าจะเป็นการสนทนากับโฟวิส

17. อา, 1909-1911

อา เป็นภาพจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่โดย Edvard Munch ที่พบในมหาวิทยาลัยออสโล ในเรื่องนี้ Munch ได้สำรวจภาษาพลาสติกใหม่ที่ทำให้เขาใกล้ชิดกับเปรี้ยวจี๊ดที่เป็นนามธรรมมากขึ้น โดยเฉพาะ Kandinsky ตัวแทนของกลุ่ม Der Blaue Reiter และแนวคิดที่เป็นนามธรรมเชิงโคลงสั้น ๆ

สัญลักษณ์ที่นี่แสดงถึงการแสดงออกสูงสุด ดวงอาทิตย์กลายเป็นอุปมาอุปไมยของพระเจ้า ซึ่งฉายแสงส่องมายังโลกและขจัดเงาแห่งความไม่รู้ ด้วยงานนี้ Munch ได้แสดงให้เห็นถึงอิสระในการสร้างสรรค์ของเขาอีกครั้ง ซึ่งอธิบายได้ว่าทำไมเขาถึงไม่ถูกจัดว่าเป็นสไตล์หรือการเคลื่อนไหวเดียว Munch เผยตัวเองว่าเป็นศิลปินที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในด้านนวัตกรรมอย่างต่อเนื่อง

คุณอาจสนใจ: Expressionism: ลักษณะงานและผู้แต่ง.

18. ควบม้า, 1912

ในกรอบ ควบม้าเราเห็นม้าลากเลื่อนหิมะกับผู้ชายคนหนึ่งบนเรือ รายละเอียดที่สะดุดตาอยู่บนเส้นทาง ซึ่งโดดเด่นเพราะแคบเกินไปสำหรับความสำเร็จ

การแสดงออกถึงความหวาดกลัวของม้าและนิสัยของคนข้างถนนทำให้เราเข้าใจถึงอันตรายที่ใกล้จะเกิดขึ้น เด็กทางขวาพยายามหนี ในขณะที่ผู้ใหญ่ทางซ้ายรออย่างไม่สะทกสะท้านก่อนจะเคลื่อนตัว เป็นแนวทางใหม่ในเรื่องของความกลัวและความวิตกกังวล จึงมีอยู่ในผู้เขียน

19. คนงานในหิมะ, 1913

Edvard Munch ยังอ่อนไหวต่อความเป็นจริงทางสังคมรอบตัวเขา ภาพวาดต่างๆ ที่เขาสร้างเกี่ยวกับคนงานเป็นข้อพิสูจน์เรื่องนี้ เช่น ผ้าใบที่เรียกว่า คนงานในหิมะ.

ในเบื้องหน้า Munch เป็นตัวแทนของคนงานสามคนที่ยืนอยู่หน้าผู้ชม โดยใช้พลั่วเป็นจุดสนับสนุน ในนั้นคุณสามารถสัมผัสถึงความแข็งแกร่ง แต่ยังรวมถึงความเหนื่อยล้าและความชรา

กำปั้นที่ยกขึ้นของคนงานที่จัดไว้ตรงกลางทำให้เกิดลางสังหรณ์ของการเรียกร้องหรือความต้องการ ชายสามคนนี้ดูเหมือนจะอยู่ในอ้อมแขน เบื้องหลังตัวละครทั้งสามนี้ คนงานคนอื่นๆ ยังคงทำงานต่อไป โดยไม่สนใจสายตาของศิลปินและสังคม

20. ภาพเหมือนตนเองระหว่างนาฬิกากับเตียง, 1940-1943

ภาพเหมือนตนเองระหว่างนาฬิกากับเตียง มันเป็นภาพวาดจากเวทีสร้างสรรค์สุดท้ายของ Munch Munch ใช้ประโยชน์จากผืนผ้าใบเพื่อแสดงถึงความใกล้ชิดของความตาย โดยวางร่างของเขาไว้ระหว่างนาฬิการุ่นคุณปู่กับเตียง นาฬิกาเป็นตัวแทนของกาลเวลาที่ผ่านพ้นไม่ได้ และเตียงแสดงถึงความตายเสมือนเตียงสุดท้าย เสมือนการพักผ่อนชั่วนิรันดร์

รายละเอียดหนึ่งโดดเด่นในทางตรงกันข้าม: ในขณะที่นาฬิกามีการออกแบบโบราณ ผ้าคลุมเตียงมีการออกแบบทางเรขาคณิตที่ทันสมัย ด้วยเหตุนี้ Munch จึงแสดงความรู้สึกผิดชอบชั่วดีเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของช่วงเวลาที่เขาต้องมีชีวิตอยู่

เบื้องหลัง Munch ห้องประเภทหนึ่งสามารถแยกแยะได้ว่ามีผลงานอ้างอิงเกี่ยวกับชีวิตศิลปะของเขาโดยนัยซึ่งเขาได้ทุ่มเทความพยายามทั้งหมดของเขา

ดูสิ่งนี้ด้วย: การวิเคราะห์เฟรม กรี๊ด โดย Edvard Munch.

ชีวประวัติ

Edvard Munch เป็นจิตรกรและช่างพิมพ์ชาวนอร์เวย์ เกิดเมื่อวันที่ 12 ธันวาคม พ.ศ. 2406 และเสียชีวิตเมื่อวันที่ 23 มกราคม พ.ศ. 2487

ตั้งแต่อายุยังน้อยเขาต้องรับมือกับความเจ็บป่วยและความตาย วัณโรคคร่าชีวิตแม่ของเขา ลอร่า แคทรีน มุนช์ ครั้งแรกเมื่อเด็กชายอายุเพียง 5 ขวบ ต่อมาเขาได้ทำให้น้องสาวของเขา โซฟีเสียชีวิต; ของลุงของเขาและหลายปีต่อมา ของพ่อของเขา คริสเตียน มุนช์ แม้แต่ Edvard Munch เองก็ป่วยด้วยโรคนี้เมื่ออายุ 13 ปี

เหตุการณ์เหล่านี้ทำให้จิตรกรพัฒนาความน่ากลัวของการเจ็บป่วยและโรคภัยไข้เจ็บ เสียชีวิตและทุกข์ทรมานจากความวิตกกังวลและภาวะซึมเศร้าตลอดชีวิตซึ่งกำหนดคำถามของเขา ศิลปะ.

Munch เริ่มเรียนวิศวกรรมศาสตร์ในปี พ.ศ. 2422 แต่ไม่นานเขาก็ละทิ้งอาชีพนี้เพื่ออุทิศตนให้กับการวาดภาพ เขาได้รับอิทธิพลจากศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 จากการเดินทางไปปารีส ราวปี พ.ศ. 2433 เริ่มทาสีโครงการ ชะตาชีวิตซึ่งเป็นชุดภาพวาดที่แสดงถึงเหตุการณ์สำคัญต่างๆ ในชีวิตมนุษย์ โดยอิงจากประสบการณ์ของเขาเอง

แม้ว่างานของเขาจะเป็นที่มาของเรื่องอื้อฉาวในตอนเริ่มต้น แต่ก็ได้กลายมาเป็นสถานที่สำคัญในพิพิธภัณฑ์ในประเทศและยุโรปของเขา อย่างไรก็ตาม หลังจากการยึดครองของนาซีในนอร์เวย์ ราวปี 1940 ภาพวาดของ Munch ถูกตรวจสอบโดยผู้บุกรุกและถูกนำออกจากการจัดแสดง

อย่างไรก็ตาม ปี พ.ศ. 2485 ถือเป็นการอุทิศถวายระดับนานาชาติขั้นสุดท้ายโดยเป็นเป้าหมายของนิทรรศการในนิวยอร์กเพื่อยกย่องผลงานศิลปะที่ประสบความสำเร็จของเขา สองปีต่อมา Munch เสียชีวิตอย่างโดดเดี่ยว