Edvard Munch: 20 strålende værker for at forstå ekspressionismens far

Edvard Munch er en norsk maler beliggende i overgangen fra det 19. til det 20. århundrede og betragtes som far til ekspressionismen. Hans arbejde, skandaløst for mange, vakte beundring hos unge kunstnere og den ikke-specialiserede offentlighed. Disse blev identificeret med den angst, der blev genereret af den hurtige industrialisering og den fremherskende mekanisme.

For etablerede kunstnere var årsagen til skandalen i Munchs tekniske frihed. For de konservative sektorer var det baseret på det faktum, at maleren åbent adresserede emner som sex, kærlighed og frem for alt sygdom og død, hans store besættelse.

Hans stil var unik takket være det faktum, at den skabte et autentisk og originalt sprog, en konsekvens af frit dialog med postimpressionisme, art nouveau og avantgarde. Det er derfor, selvom Munch åbnede ekspressionismens døre, kan han ikke mærkes i nogen bevægelse. Når vi kigger på hans vigtigste værker, vil vi forstå, hvorfor Munch er en unik og gentagelig kunstner.

1. Skriget, 1893

Skriget Det er Munchs arbejde, der udløste den mest skandale, og alligevel betragtes det i dag som Mona Lisa af samtidskunst. Det repræsenterer en androgyn person, hvis ansigt udtrykker kval i sit maksimale udtryk efter at have hørt eller udtalt et skrig. Emnet opfatter følgelig verden som en bølgende og stridende masse. Ingen andre end Munch havde gjort dette før inden for kunst.

Stykket blev udtænkt efter den periode, hvor en af ​​hans søstre blev fængslet for selvmordsforsøg, hvilket tyder på en forbindelse til episoden. En nysgerrig kendsgerning om Skriget er, at Munch lavede fire versioner med små forskelle mellem dem, en meget almindelig praksis hos maleren. Den mest berømte version er den fra 1893, som blev stjålet i 1994 og genoprettet kort tid efter.

2. Angst, 1894

Ja Skriget Det er billedet af individuel fortvivlelse Angst det er udtrykket for den kollektive kval, som Munch fanger i den norske sjæl. Derfor er Munch ikke en kunstner, der er begrænset til registret over individuelt ubehag, men er følsom over for generelt ubehag der påvirker samfundet i slutningen af ​​det 19. århundrede, hvis transformation er meget hurtigere end dets evne til at behandle ændringer.

Lærredet Angst Det er baseret på to tidligere Munch-malerier. Landskabet vi ser i Angst er hentet fra lærredet Skriget. Karaktererne er derimod taget fra Eftermiddag på Karl Johan Street. Strategien med at tage elementer fra tidligere rammer er tilbagevendende i Munch. Maleren "repræsenterer" ikke kun scener, men de elementer, der udgør dem, opfattes som deres egne symboler.

3. Den syge pige, 1885-1886

Den syge pige svarer til en tidlig stil i Munchs arbejde, nærmer sig impressionisme. Lærredet viser Munchs yngre søster, Sophie, på hendes dødsleje fra tuberkulose. Dengang var den unge kvinde omkring 15 år gammel.

Som hans skik udførte Munch forskellige versioner af denne sang, som var en permanent kilde til smerte og skyld for ham. Dette skyldtes det faktum, at maleren, der havde lidt af tuberkulose i en alder af 13 år, følte at han måtte være død i stedet for sin søster.

4. Kærlighed og smerte (vampyr), 1893

Munch benævnt dette arbejde Kærlighed og smerte. I det repræsenterede han en kvinde, der omfavnede en mand, der ligger på hendes skød, som om han søgte trøst. Selvom Munch aldrig afslørede den personlige betydning af værket, taler den originale titel meget. Men da dette stykke blev afsløret, udløste det en enorm skandale.

Folk så sadomasochistiske tegn i hende og fortolkede, at kvinden bet sin elskers hals som en vampyr. Derfor begyndte maleriet at blive kendt som Vampyr. Sådan var skandalen, at dette år senere var et af mange Munch-malerier, der blev censureret under den nazistiske besættelse af Norge.

5. Madonna, 1894

Kassen kendt som Madonna det blev oprindeligt titlen Kæreste kvinde eller Kvinde der elsker. Omdøb arbejdet Madonna det er utvivlsomt en provokation. Munch producerede mindst fem kendte versioner af dette stykke.

Kunstneren repræsenterer kvinden som om det var et ikon for at formidle følelsen af ​​tilbedelse, som hendes skønhed og seksualitet vækker. Den røde glorie, der omgiver hans hoved, henviser til forholdet mellem kærlighed og smerte, selv under fuldførelsen af ​​den seksuelle handling.

Denne hypotese er berettiget, fordi Munch lavede en indgraveret version, hvis ramme indeholdt dekorative sædmotiver, der konvergerer på et makabert foster. Afslutningsvis er maleriet et symbol på livets cyklus, der passerer gennem seksualitet, forplantning og død.

6. Aske, 1894

Aske Det betragtes som et af Munchs mest æstetiske smukke værker på grund af linjernes trådning og farvning. I kompositionen ser vi en mand i sort, mørkets og dødens farve. Manden går tabt i et hjørne, som om han skjuler sit ansigt i skam, med hænderne mod hovedet. Det minder os om den deprimerede mand fra Kærlighed og smerte (vampyr).

Bag ham løfter en kvinde i en hvid kjole, farven på renhed og med en rød overdel, lidenskabens farve, også hænderne op. Hans ansigt udtrykker tristhed og bekymring. Sløret for lidenskab er revet.

Forholdet mellem billedet og titlen peger på et paradoks: når lidenskab forbruges, forsvinder den. Ilden af ​​lidenskab efterlader kun aske. Men derudover fremkalder karakterernes bevægelser skyld og fortvivlelse. Dette afslører, at begivenheden trods en moralsk kode. Er det hor? Måske en voldtægt? Det skal være seeren, der afkoder det.

7. Pubertet, 1894-1895

På Pubertet, Munch skildrer en helt nøgen ung teenager. Den unge kvinde har et bange ansigt og skjuler sine private dele. Mere end et symbol på beskedenhed og uskyld er bevægelser et symbol på frygt og undertrykkelse i lyset af seksualitet, som Munch led i sin ungdom, i betragtning af sin fars religiøse stringens og sammenhæng med epoke.

Scenens mystiske stemning bekræftes af den uudslettelige skygge i baggrunden, der ligner en slags hjemsøgende fantasmagoria. Betydningen af ​​dette tidlige arbejde fra Munch ligger i det faktum, at det repræsenterer forandringspunktet mellem det "impressionistiske" slagtilfælde og frigørelsen af ​​teknik til tjeneste for kunstnerens psykologiske verden.

8. Selvportræt med cigaret, 1895

Selvportræt med cigaret Det er et af Munchs mest berømte værker såvel som hans mest kendte selvportræt blandt de mange han lavede. På lærred demonstrerer forfatteren en forståelse og absolut beherskelse af teknikken til at repræsentere lysets glød midt i mørke og røg.

På den måde opbygger Munch en næsten mystisk atmosfære, der henleder opmærksomheden på hans ansigt og hånd. Ansigtet virker forvirret og overrasket, mens hånden foruden at holde cigaretten stiger op til hjertets niveau. Hvis ansigtet er tegnet på motivets indre identitet, påvirket af følelsesmæssig ustabilitet, er hånden symbolet på kunstneren.

9. Døden i rummet, 1895

I sin barndom så Edvard Munch mange familiemedlemmer dø af tuberkulose: hans mor og far er nogle af tilfældene. Døden i rummet repræsenterer hans families lidelse ved tabet af hans yngre søster, Sophie, som vi ikke kan se. Det er forfatterens geni at fokusere beskuerens opmærksomhed på følelsesmæssig lidelse snarere end døden.

Den mand, der løfter hænderne i en bønfuld holdning, er hans far, en alvorlig protestantisk religiøs. Manden, der læner sig på væggen, menes at være Munch og vender ryggen til scenen (død, hengivenhed og tro), mens han ser lige på sin egen skygge. Det fremhæver det faktum, at hvert familiemedlem lider separat.

10. To mennesker (de ensomme), 1896

Lærredet To mennesker det er intet andet end en allegori om ensomhed. I den ser vi en mand og en kvinde uden identitet med ryggen til seeren og overvejer den inerte horisont. Mellem de to synes der at være en uoverstigelig afstand.

Arbejdet, som mange andre af Munch, blev dækket adskillige gange og i forskellige teknikker. Både temaet og måden at repræsentere det på bekræfter kunstnerens ængstelige, ensomme og depressive karakter.

11. Kysset, 1897

Kysset, fra 1897, er en af ​​versionerne af maleriet kendt som Kyset bag vinduetaf Munch selv. Den måde, hvorpå maleren repræsenterede de to figurer, skiller sig ud. De ligner en enkelt krop uden skillelinjer mellem dem. Karaktererne mangler identitet, deres egne grænser.

Figurernes sammensmeltning kan ikke læses romantisk, da scenens mørke og tunge atmosfære også antyder nærhed til døden. Effekten af ​​denne serie var sådan, at den inspirerede det berømte værk Kyssetaf Gustav Klimt.

Det kan interessere dig: Analyse af Kyssetaf Gustav Klimt.

12. Fertilitet, 1898

På lærredet Fertilitet fra Munch ser vi en gravid kvinde, oprejst, der bærer træets rigelige frugter. Foran hende sidder manden, crestfallen og bøjet, i kontrast. En faldet stok kan ses ved siden af ​​ham. Der er en kontinuitet mellem manden og træet, fordi den førstnævnte hviler sin fod på træstammen.

Træet kunne fortolkes som livets træ. En gren er dog afskåret, hvoraf kun en stub er tilbage. For at kunne bære frugt er træet beskåret, adskilt.

De mere radikale fortolkninger antyder, at Munch udtrykker sin afvisning af at få børn. Hendes frugter ville repræsentere slutningen på hans frugter. Fortolkningen er baseret på det faktum, at maleriet blev malet, da Munch stod over for muligheden for at blive gift med Tulla Larsen, en forpligtelse, der aldrig blev fuldbyrdet.

13. Møde i rummet, 1898

På Møde i rummet vi ser en mand og en kvinde graverer i rummet. Værket repræsenterer et erotisk øjeblik, afgrænset ikke kun af kroppe og bevægelser, men også af linjer, der er hentydende til sædceller, der bevæger sig omkring figurerne. Ansigterne er fjernt fra hinanden. Kvinden virker næsten ligeglad. Manden ser ud til at være leveret. Stykket viser den tekniske alsidighed hos forfatteren samt symbolerne og udtryksfulde ressourcer.

14. Livets dans, 1899

Livets dans det er en metafor for stadierne i livet og kærligheden. Det er en udendørs scene, hvis baggrund er en dybblå himmel over en norsk sø. På himlen ser vi den nordlige sol og dens refleksion i vandet, et af de symboler, der konsekvent gentages i malerens malerier.

I forgrunden ser vi den samme kvinde i tre faser: en ung pige i hvid til venstre. Til højre en ensom kvinde klædt i sort. I midten dansede kvinden og hendes mand som om verden ikke eksisterede. Kjolens røde symboliserer liv og lidenskab. Parret kunne være Tulla Larsen og Munch.

Omkring dem danser andre tegn. Bag kvinden i sort ses en grotesk mand klar til at misbruge en kvinde. Vigtigheden af ​​dette arbejde ligger i den måde, hvorpå Munch formår at formidle kompleksiteten af ​​sin indre angst omkring de stadier i livet, som han beskriver til kærlighed.

15. Marats død, 1907

I en periode af sit liv dedikerede Munch sig til at lave forskellige versioner af Marats død. Blandt disse versioner præsenterer vi en lavet i 1907. Marat var en fransk journalist og politiker fra det 18. århundrede, der blev myrdet af Charlotte Corday.

Serien ser ud til at have Munch selv som en mandlig reference og derved konsolidere ideen om, at maleren følte sig offer for kvinder. Fra et æstetisk synspunkt skiller værket sig ud for brugen af ​​linjer som en form for farvning. Det er en slags rayonisme, der bryder med den buede linjes modernistiske stil og med brugen af ​​tætte farvede overflader.

16. Badende mænd, 1907

Badende mænd de Munch skiller sig ud for sin livlige og livlige karakter, der er imod den bølgende og mørke atmosfære i mange af hans lærred. Scenen viser en gruppe mænd på en nøgenstrand, hvor Munch tilbragte en periode med bedring.

Munch viser sin evne til anatomisk tegning såvel som sin evne til farvning. Den implementerede teknik næres af impressionistiske og rayonistiske principper, og i nogle aspekter ser det ud til at være i dialog med Fauvisme.

17. Sol, 1909-1911

Sol er et monumentalt vægmaleri af Edvard Munch fundet ved Universitetet i Oslo. I dette udforsker Munch nye plastiske sprog, der bringer ham tættere på abstrakt avantgarde, især Kandinsky, repræsentant for gruppen Der Blaue Reiter, og lyrisk abstraktion.

Symbolikken her når sit maksimale udtryk. Solen bliver en metafor for det guddommelige, som udstråler sit lys på verden og rydder skyggerne for uvidenhed. Med dette arbejde demonstrerer Munch igen sin kreative frihed, hvilket forklarer, hvorfor han ikke kan mærkes i en enkelt stil eller bevægelse. Munch afslører sig som en unik kunstner i konstant innovation.

Du kan også være interesseret i: Ekspressionisme: egenskaber, værker og forfattere.

18. Galopperende hest, 1912

I rammen Galopperende hest, ser vi en hest trække en sneslæde med en mand om bord. Den iøjnefaldende detalje er på stien, der skiller sig ud for at være for snæver for præstationen.

Det skræmte udtryk for hesten og menneskets disposition ved siden af ​​vejen giver os forståelse for en overhængende fare. Børnene til højre forsøger at slippe væk, mens de voksne til venstre venter uhørt, inden de flytter. Det er en ny tilgang til emnet frygt og angst, så til stede i forfatteren.

19. Arbejdere i sneen, 1913

Edvard Munch var også følsom over for den sociale virkelighed, der omgav ham. Bevis for dette er de forskellige malerier, han lavede om arbejderne, såsom dette lærred kaldet Arbejdere i sneen.

I forgrunden repræsenterer Munch tre arbejdere, der står foran seeren med deres skovle som et omdrejningspunkt. I dem kan du mærke styrke, men også træthed og aldring.

Den hævede knytnæve af arbejderen arrangeret i midten, giver en forudanelse om et krav eller krav. Disse tre mænd ser ud til at være i våben. Bag disse tre karakterer fortsætter de andre arbejdere med deres arbejde uden at være opmærksomme på kunstnerens og samfundets blik.

20. Selvportræt mellem uret og sengen, 1940-1943

Selvportræt mellem uret og sengen det er et maleri fra Munchs sidste kreative fase. Munch udnyttede lærredet til at symbolisere dødens nærhed og placerede sin figur mellem et bedstefar og sengen. Uret repræsenterer tidens ustoppelige gang, og sengen repræsenterer døden som den sidste seng, som evig hvile.

En detalje skiller sig ud i kontrast: mens uret har et antikt design, har sengetæppet et moderne geometrisk design. Med dette udtrykker Munch samvittigheden over den dramatiske ændring af de tider, han måtte leve.

Bag Munch kan der skelnes mellem en slags rum, hvor tilstedeværelsen af ​​refererende værker i hans kunstneriske liv er underforstået, som han har afsat al sin indsats.

Se også: Ramme analyse Skriget af Edvard Munch.

Biografi

Edvard Munch er en norsk maler og trykmager, der blev født den 12. december 1863 og døde den 23. januar 1944.

Fra en ung alder måtte han håndtere sygdom og død. Tuberkulose krævede først sin mors, Laura Cathrine Munchs liv, da drengen bare var 5 år gammel. Senere forårsagede han sin yngre søsters, Sophies død; hans onkels og år senere hans fars, Christian Munchs. Selv Edvard Munch selv led af sygdommen i en alder af 13 år.

Disse begivenheder fik maleren til at udvikle en frygtelig terror af sygdom og sygdom. døden og led derfor af angst og depression hele sit liv, hvilket bestemte hans forespørgsler kunstnerisk.

Munch begyndte at studere ingeniørarbejde i 1879, men han opgav snart denne karriere for at dedikere sig til maleri. Han blev påvirket af fransk kunst fra det 19. århundrede takket være sine ture til Paris. Omkring 1890 begyndte han at male projektet Livets frise, en serie malerier, der skildrer forskellige milepæle i menneskeliv, baseret på hans egne oplevelser.

Selvom hans arbejde var en kilde til skandale i starten, fik det en vigtig plads i museerne i hans land og Europa. Efter den nazistiske besættelse af Norge omkring 1940 blev Munchs malerier imidlertid censureret af angriberne og blev fjernet fra udstillinger.

Imidlertid markerede 1942 hans endelige internationale indvielse ved at være genstand for en udstilling i New York i anerkendelse af hans frugtbare kunstneriske arbejde. To år senere døde Munch i fuldstændig ensomhed.