Claude Monet: værker, analyse og betydninger

Claude Monet (1840-1926) var en fransk malerrepræsentant for impressionisme, anerkendt begge for sin billedlige fund i behandlingen af ​​lys, som for at have lavet det maleri, der ville give navnet til bevægelse.

Sammen med andre kunstnere var Monet ansvarlig for at åbne døren til originaliteten af ​​det plastiske sprog gennem behandling af lys og studiet af opfattelsen af ​​farve. Lad os lære nogle af hans vigtigste værker at kende i denne artikel.

1. Frokost på græsset, 1865-1866

I 1863 ødelagde kritikere Edouard Manet på den officielle Paris Salon på grund af hans arbejde Morgenmad på græsset. Imidlertid havde Claude Monet været fascineret af stykket og besluttede at lave sin egen version som en hyldest til den kontroversielle maler. Monets ville have de ambitiøse dimensioner på fire meter høje og tyve meter lange. Det var samtidig en udfordring.

Han begyndte at male Frokost på græsset i 1865, ser for at deltage i salonen 1866. Hans usikre økonomi fik ham til at opgive projektet og måtte tilbyde det som en garanti for betaling af lejen. Lærredet blev rullet op og opbevaret af dets midlertidige ejer, indtil Monet hentede det i 1884. I betragtning af den bemærkelsesværdige forværring måtte den skæres ned. Kun to fragmenter er tilbage af værket: det centrale og venstre side.

På scenen repræsenterer maleren en picnicfrokost i en uformel og dagligdags luft. Markering af afstand med Edouard Manet fjerner han nøgen og klæder alle karaktererne, hvis kostumer afslører deres livsstil. Karaktererne er bestemt borgerlige, der fejrer levefesten uden skandale uden betydning. Monet er ikke interesseret i tematiske kontroverser mere end i plastisk sprog.

Selvom det originale stykke ikke formåede at blive helt bevaret, a Studer til frokost på græsset. Den mest åbenlyse forskel er i den unge mand uden skæg, der ser ud til at sidde på dugen. Denne karakter erstattes af en skægget mand, der ligner en henvisning til Gustave Coubert, en realistisk maler meget beundret af Monet, der ville have fortjent at besøge ham i hans værksted i de dage, hvor Monet arbejdede i udkast.

2. Camille med grøn kjole, 1866

Billede Camille med grøn kjole af Claude Monet blev udstillet i den officielle salon i 1866 og blev bredt accepteret, noget der ikke var efter Edourad Manets smag, der ved forveksling med Monet ved en fejltagelse modtog tillykke. Derudover havde Manet været i kritikens øje i 1863, og den officielle salon havde afvist ham i 1865 på grund af hans maleri. Olympia.

I hans bog Impressionisme, Sammenligner Paul Smith billedet Camille med grøn kjole med arbejdet Damen med en handske af Carolus-Duran, en discipel af maleren David og en regelmæssig deltager i royalistiske kredse i Paris. Selvom Carolus-Duran-stykket er senere end Monets, giver sammenligningen Smith mulighed for at konkludere det Monet havde taget en vigtig del af det realistiske billedsprog, der var meget værdsat i den store sal Officiel. Derfor blev det optaget.

I sin analyse skelner Smith, at Monet har fået kjolen til at bære ved hjælp af en kunstig pose, der er typisk for modeillustrationer. Samtidig har det forsynet scenen med kunstigt lys til at fremhæve karakteren. Monet afslører elementer, der minder om Couberts belysning og varme og linjen fra Manet, som udøvede stor indflydelse på ham.

3. Kvinder i haven, 1867

Paul Smith sammenligner lærredet Kvinder i haven af Monet med Minerva og tak af Charles Greyre, i hvis værksted Monet arbejdede i nogen tid. Med dette fremhæver Smith den sande revolution i den impressionistiske generation.

Som det var sædvanligt inden for kunst, repræsenterer Greyre en episode af litterær-narrativ karakter, der forsøger at eviggøre platoniske idealer af skønhed og godhed gennem gengivelsen af ​​myten om Minerva, visdommens gudinde og de tre nåde, symbol på skønhed. Dumpet ind i indhold bliver malers teknik usynlig, så motivet skinner uden at efterlade spor af dets linje.

Et år senere udførte Monet et lærred, der også repræsenterer fire kvinder i et vegetabilsk miljø, men disse vil være almindelige kvinder. Maleren repræsenterede ikke en evig værdi, men et flygtigt og flygtigt øjeblik, et sjovt møde mellem venner, der fejrer det borgerlige liv. De er symbolet på den nye middelklasse, der søger at opbygge sin egen værdi.

Monet skjuler ikke teknik på lærred. Tværtimod udstiller han det, viser linjen, styrer beskuerens opmærksomhed på det plastiske sprog, som Greyre og alle de traditionelle malere bevidst har skjult.

Som det var typisk for den spirende stil, udnytter Monet blå og grønne farver til at skygge og ændre karakterenes hud. Før skildrer det intense sommerlys, der overtager scenen. Hvad der er transcendent, vil derfor være billedsproget.

Se også Impressionisme: egenskaber, værker og forfattere.

4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Det er en række forskellige marine-malerier fra forskellige vinkler og øjeblikke. I dette lærred er Monet i vid udstrækning involveret i behandlingen af ​​lys og dets virkninger på genstande. Han overgiver sig hurtigt til den fulde form for impressionisme.

Fra arbejde til frisk luftEn ting, der kun var muligt på det tidspunkt takket være opfindelsen af ​​olierør, udnyttede Monet en hurtig linje for at give liv til de lysende indtryk og øjeblikkets forbigående. Tilskueren deltager på scenen som en mere. Der er ingen moralsk dom, der er ingen tematisk betydning. Interessen har vendt sig til plastisk sprog.

Renoir lavede en version af den samme scene med Monet.

Det kan interessere dig: Renoir: de vigtigste værker af den impressionistiske maler

5. Valmue felt, 1873

I 1871 bosatte Monet sig midlertidigt i Argenteuil, hvor han solidt udviklede den stil, han havde opdaget, også takket være de landskaber, som byen tilbød ham. Fra dette stadium er arbejdet Valmue felt, udstillet i Hall of the Rejected i 1874 sammen med 8 andre stykker.

To sektioner adskilt af skrå linjer skelnes i tabellen. Til venstre dominerer rødt i valmuefelt, mens til højre dominerer blågrøn. I scenen krydses valmuemarken af ​​to par kvinde og barn. Den, der skiller sig ud i forgrunden, er Monets kone, Camille, og deres søn Jean, der ofte var modeller for hans malerier.

6. Indtryk af den stigende sol, 1872

Blandt de malerier, som Monet præsenterede i den afviste hall, forårsagede man en reel skandale: Indtryk af den stigende sol. Under påvirkning af den engelske romantiske maler William Turners arbejde påførte Monet tykke penselstrøg, næsten pletter, der næppe antyder figuration. Princippet om komplementaritet af farver gør indgangen åben. Farverne placeret side om side skaber opfattelsen af ​​komplette nuancer.

Atmosfæren ser overskyet ud, og vandet ser ud til at bevæge sig med passage af små både. Langt fra et landligt landskab repræsenterer Monet en industrialiseret havn i baggrunden, hvor dampmaskiner og andre strukturer griber ind i den himmelske tåge. Han har ikke skjult noget. Livet er der for maleren at skildre. Solen, som modstår at røre ved disse strukturer, efterlader sit orange spor på havets bølger.

Efter udstillingen i 1874 beskyldte kunstkritikeren Louis Leroy, startende fra navnet på den provokerende liezo, Monet for at begrænse sig til en ren "impressionisme". Med den største værdighed antog Monet og hans generation denne diskvalifikation som bevægelsens navn.

Se også 16 seje malerier af Vincent Van Gogh.

7. Serie Saint-Lazare Station, 1877

Omkring 1877 flyttede Monet tilbage til Paris og svarede på hans ønske om at være en maler af ham i stedet for at lade den daglige verden i den industrielle by til side, inkorporerer den den i sin lærred. Det vil være Saint-Lazare-stationen, der giver Monet mulighed for at fortsætte med at udforske dampens lysstyrke og teksturer. Maleren vil dedikere syv lærred til Saint-Lazare stationen.

I modsætning til andre serier, hvor Monet skildrer det samme landskab under forskellige atmosfæriske variabler, såsom Rouen katedral, på Saint Lazare Station Monet skildrer ikke kun forskellige atmosfærer, men forskellige mål, indstillinger og perspektiver på livet på stationen.

8. Serie Høstakke, 1890-1891

Omkring 1883 flyttede Monet til Giverny med sin nye partner, Alice Hoschedé, efter at Camille døde i 1879. Der er han dedikeret til at udforske de nye muligheder, som det lokale landskab giver ham. Uden at planlægge det sådan endte han med at udvikle en af ​​hans mest kendte serier, Høstakke, der dækker i alt 25 lærred. Monet formår at fange lysdiversiteten, der adskiller hver periode af året, på bunkerne med hvede.

Monets æstetiske ambitioner voksede over tid. Nogle af disse billeder blev senere retoucheret i studiet for at nå et højere perfektionsniveau. I virkeligheden havde han brug for, siger Paul Smith, ikke kun for at skildre en lyseffekt, men for at skabe en harmonisk komposition og en æstetisk samlet serie.

9. Serie Rouen katedral, 1890-1894

På et tidspunkt, hvor Frankrig var vidne til en genoplivning af interessen for katolskhed, dedikerer Monet at udvikle denne serie inspireret af katedralen i Rouen, der ligger i den franske region Normandiet.

Det var udsigten fra vinduet i et studie, han havde lejet over gaden. Serien havde mere end tredive stykker, og otte af dem blev solgt inden de blev udstillet.

Ud over at fange lysstyrken, som er et karakteristisk element i hans arbejde, formår Monet på en mesterlig måde at fange porøsiteten og strukturen i den religiøse bygnings stenfacade.

10. Serie Parlamentets London1900 til 1904

I en periode med London-ophold med sin kone Alice er Monet dedikeret til at skildre udsigten fra St. Thomas Hospital, som giver ham mulighed for at fange Themsen og det omkringliggende landskab. Serien af Londons parlament og også Charing Cross Bridge og Waterloo Bridge.

I serien om ham Londons parlament, Formår Monet at repræsentere bygningen vævet med byens karakteristiske tåge. Men denne gang bliver parlamentet næsten en fantasmagoria, en silhuet, der åbner i en ladet og overskyet baggrund, forvandlet til skygge. Det minder os om William Turners værker.

År senere ville han gøre det samme i Venedig-serien, som han ville besøge sammen med sin kone i hænderne på en gruppe kunstentusiaster, og hvor han ville fange forskellige scener i den symbolske by.

11. Serie Liljepuder, 1883-1924.

Under sit ophold i Giverny dyrkede Monet en smuk have med en japansk bro. Den Giverny-have var ikke kun Monets hobby. Det var også hans inspirationskilde, især i de sidste år af hans liv.

I årenes løb udviklede maleren en ægte lidenskab for at skildre vidundere i sin have på sine lærred: vandliljerne. Serien ville nå op på i alt 250 lærred, der i dag distribueres i mange rum og gallerier rundt om i verden.

Del af Liljepuder Monets blev malet omkring tidspunktet for første verdenskrig. Selvom Monet var i en privat og stille verden, siger Paul Smith, at man fra sit hus kunne høre passagen af ​​togene med ammunitionen. Ifølge forskeren er det muligt at fortolke denne serie som et mål fra maleren for at bevare den verden, som krigen truede med at ødelægge.

Faktisk ville Monet ende med at donere en del af serien til den franske stat som et symbol på fred lige efter underskrivelsen af ​​våbenstilstanden i Compiègne, underskrevet den 11. november 1918. Denne prøve, der i dag er bevaret i Orangerie-museet, betragtes som "Impressionismens sixtinske kapel".

Claude Monet på Youtube