Michelangelo: 9 arbejder for at kende renæssancens geni

Michelangelo var et af de største genier i den italienske renæssance, og hans navn er synonymt med en af ​​de største og vigtigste kunstnere nogensinde. Her præsenterer vi de 9 mest emblematiske værker af kunstneren, som alle burde kende:

1. Madonna af stigen

Det Madonna eller Jomfru af stigen Det er en marmorbaseret relief skulptureret mellem 1490 og 1492. Arbejdet blev afsluttet, før Michelangelo var 17 år, da han stadig studerede i Medici-haverne i Firenze med Bertolo di Giovanni.

Denne basrelief repræsenterer jomfruen, der sidder på nogle trapper, og holder og dækker sin søn, der ligger sovende, med en kappe.

Trapper fuldender resten af ​​baggrunden, og i baggrunden kan to børn ses, mens et tredje barn læner sig ned på gelændet.

Et fjerde barn står bag jomfruen og ser ud til at hjælpe det liggende barn med at strække et lommetørklæde (klar hentydning til Kristi mantel), som de begge holder.

I dette arbejde skiller arven fra den klassiske antikhed sig ud. Af denne grund er begrebet ataraxia, der er typisk for den epikuriske filosofi, velkendt, som består i fraværet af rastløshed i ånden.

Forskellen mellem dette koncept og apati er, at der i ataraxia ikke er nogen benægtelse eller eliminering af følelse, men fremmer hellere lykke ved at forsøge at finde styrken til at overvinde smerte og vanskeligheder.

Således er jomfruen lidenskabelig i overvejelsen om det fremtidige offer for sin søn, ikke fordi dette ikke får hende til at lide, men fordi hun finder en måde at overvinde den smerte stoisk på.

Til realiseringen af ​​denne basrelief benyttede Michelangelo sig af Donatellos teknik (italiensk renæssanceskulptør, 1386-1466), kaldet sticiatto (fladt).

2. Centauromachy

Lavet efter Madonna af stigen, Centauromachy (Battle of the Centaurs) er en marmorrelief udført omkring 1492, da Michelangelo stadig hjemsøgte Medici-haverne.

Det repræsenterer episoden mellem centaurerne og gravstenene, når, midt i prinsessens bryllup Hipodamia og Pirítou, konge af gravstenene, en af ​​centaurerne forsøgte at kidnappe prinsessen, hvilket resulterede i en kamp.

Kropperne er snoet og sammenfiltret, hvilket gør det vanskeligt at fortælle, hvem der er hvem. Bundet til hinanden, nogle besejret på jorden, formidler alle fortvivlelse midt i kampen.

Med dette arbejde antager den unge Michelangelo allerede sin besættelse af nøgenbilleder, for menneskelig skønhed var for ham et udtryk for det guddommelige. Således at overveje et værk, der repræsenterer den skønhed gennem nøgenhed, er at overveje Guds storhed.

Denne lettelse er med vilje ufærdig, noget der er karakteristisk for Michelangelos arbejde, der meget tidligt antog begrebet det ufuldstændige som en æstetisk kategori, ikke endelig.

Kun nogle dele af kroppen (hovedsageligt figurernes kufferter) bearbejdes og poleres, mens hoveder og fødder er ufuldstændige.

3. Fromheden

På grund af virkningen af ​​Lorenzo de Medicis død i 1492 forlod Michelangelo Firenze med kurs mod Venedig og senere til Bologna. Han vendte tilbage til Firenze i 1495, men rejste straks til Rom.

Det var i Rom, at den franske kardinal Jean Bilhères de Lagraulas betroede kunstneren en Pieta i marmor til basilikaen Sankt Peter i Vatikanet i 1497.

Det Fromhed af Michelangelo er en marmorskulptur udført mellem årene 1498 og 1499 og er en af ​​de største tilnærmelser til fuldstændig perfektion inden for kunst.

I dette arbejde bryder Miguel Ángel med det konventionelle og beslutter at repræsentere jomfruen yngre end hendes søn. Utroligt smuk, hun holder Kristus liggende død på sit skød.

Begge figurer formidler sindsro, og Jomfruen, der trådte tilbage, overvejer sin søns livløse krop. Kristi legeme er anatomisk perfekt, og detaljerne bearbejdes til perfektion.

I modsætning til begrebet ikke endelig, denne skulptur er hvad begrænset af ekspertise. Hele værket er usædvanligt poleret og færdigt, og med det kan Michelangelo have nået ægte perfektion.

Kunstneren var så stolt af denne skulptur, at han hugget sin underskrift på båndet, der deler jomfruens bryst med ordene "Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat", hvilket betyder "Michelangelo Buonarroti, den florentinske, hvad lavet ".

4. David

I 1501 vendte Michelangelo tilbage til Firenze og begyndte David, en marmorskulptur med mere end fire meter lavet mellem årene 1502 og 1504.

Øjeblikket af scenen valgt af Michelangelo er lige før konfrontationen mellem David og Goliat. På denne måde repræsenterer Michelangelo ikke en sejrende David, men en ung mand fuld af vrede og vilje til at møde sin undertrykker.

Det David Det er et fascinerende eksempel på den kraft, der driver denne kunstners arbejde, det være sig i valget af total nøgen eller i den indre forvirring, som figuren transmitterer.

Se også mere om:

• David skulptur af Michelangelo.
• 15 karakteristika ved renæssancen.

5. Tondo doni

Michelangelo og Leonardo da Vinci var de to største og mest repræsentative navne i den italienske renæssance. Indtil i dag inspirerer deres værker til beundring, men disse kunstnere, der var samtidige, blev aldrig enige i livet og stod overfor hinanden ved mere end en lejlighed.

En af hovedårsagerne til deres uenighed var Michelangelos erklærede foragt for maleri, især oliemaleri, en kunst, som han anså for at være passende for kvinder.

For denne kunstner var den sande kunst skulptur, fordi kun gennem fysisk kraft kunne opnås ekspertise.

Skulpturen, for Michelangelo, var maskulin, den tillod ikke fejl eller revisioner. Således modsatte han sig oliemaleri, Leonardos foretrukne teknik, som gjorde det muligt at udføre arbejdet i lag, hvilket tillod konstante korrektioner.

For Michelangelo ville den maleriteknik, der mest kunne tilnærme skulpturens overlegenhed, være freskoen at det på grund af dets egenskaber kræver hastighed og præcision og ikke tillader fejl eller rettelser eller kan males igen.

Således er det ikke overraskende, at i et af de få mobile billedværker, der tilskrives kunstneren, Tondo Doni, Michelangelo brugte en blanding af tempera og olie på træ i tondo (i en cirkel).

Dette arbejde blev udført mellem 1503 og 1504. I den er Sagrada Familia repræsenteret på en meget ukonventionel måde.

På den ene side synes Jomfruens venstre hånd at være rettet mod hendes søns køn. På den anden side, omkring familien i forgrunden, vises flere nøgenfigurer.

Disse tal, den ignudi, der er teenagere her, vil igen blive repræsenteret med et mere voksen aspekt i et andet værk af Michelangelo: sixstinske Kapel.

6. Fresker af det sixtinske kapel

I 1508 begyndte Michelangelo et af de vigtigste værker efter anmodning fra pave Julius II, der havde kaldt ham til Rom et par år tidligere for at projicere sin gravhøje.

Miguel Ángel var kendt for sin foragt for maleriet og accepterede arbejdet under protest, hvorfor han under processen skrev flere breve, hvori han udtrykte sin utilfredshed.

Derfor er freskerne i det sixtinske kapel en imponerende bedrift, der stadig blænder verden i dag.

Loft

Fra 1508 til 1512 malede Michelangelo kapellet. Det var et intensivt arbejde, hvor en total beherskelse af teknikken med fresco og tegning demonstreres.

Fresco-teknikken anvendes på en våd base, hvilket betyder, at processen skal være hurtig og uden korrektioner.

Således er det imponerende at forestille sig, at kunstneren i fire år malede kolossale og farverige figurer, der lå i et rum på 40 x 14 meter og næsten ikke stod på hans tegninger.

Malingskørslen påvirkede hans syn, og han led også konsekvenserne af isolation og ubehaget i den stilling, hvor han arbejdede. Men disse ofre resulterede i et af de største malerier.

Loftet er opdelt i ni paneler, der opsummerer Første Mosebog, mens de fremkalder de gamle testamentes profeter og sibylerne fra den græsk-romerske oldtid.

Den endelige dom

Alt sigter mod at vise en forbindelse mellem den såkaldte "Creation History" og "History of Frelse ", repræsenteret af Kristus, der ikke vises på loftet, men som vises på alteret, i den berømte scene kendt som Endelig dom, malet 20 år efter loftet (1535-1541).

Det er en billedkomposition med mere end 400 kroppe, der oprindeligt blev malet nøgne, inklusive Jomfruen og Jesus Kristus, men som senere skulle dækkes.

Se også analyse af freskerne i det sixtinske kapel.

7. Grav af pave Julius II

I 1505 indkaldte pave Julius II Michelangelo og betroede ham sin grav i Rom. Først ønskede han at bygge et stort mausoleum, der glædede kunstneren.

Men ud over værkets storhed besluttede paven med en ustabil personlighed, at han ønskede at blive begravet i det sixtinske kapel.

Til det havde kapellet brug for flere transformationer. Derfor måtte Michelangelo male freskerne i loftet og alteret først.

Projektet ville gennemgå andre ændringer og indrømmelser. For det første efter pavens død i 1513 reducerede projektet dets dimensioner, og for det andet ville visionen om Michelangelo komme til at kollidere med forventningerne fra pavens arvinger.

I 1516 blev der udarbejdet en tredje kontrakt, og projektet skulle gennemgå yderligere to ændringer i 1526 og 1532. Den endelige beslutning fastslog, at graven kun ville bestå af en facade, og at den ville være placeret i kirken San Pietro i Vincoli, i Rom.

Moses

På trods af alle tilbageslag og på trods af, at lidt af drømmen blev til, arbejdede Michelangelo intensivt på mausoleum-projektet i tre år.

Fra 1513 til 1515 skulpturerede Michelangelo således nogle af de mest symbolske værker i sin karriere, og et af dem, MosesI dag kræver det besøg af enhver rejsende.

Det Moses Det er en af ​​de skulpturer, der kan sammenlignes med Pieta af Vatikanet i teknisk perfektion. Denne skulptur og serien af Fanger eller Slaver de var beregnet til at dekorere parietalgraven.

I denne skulptur skiller karakteren og det forfærdelige udseende sig ud (Terribilità). Ligesom David, udtrykker et intenst indre liv, en kraft, der overskrider den sten, hvorfra figuren blev trukket ud.

Mens han påtvinger, mens han strøg over sit lange og detaljerede skæg, ser det ud til, at han med sit udseende og udtryk garanterer, at de, der bryder loven, vil blive straffet, da intet undgår guddommelig vrede.

Se også analyse af Michelangelos Moses.

Fanger eller Slaver

En række skulpturer kendt som Fanger eller slaver, kom de ud af den intense arbejdstid.

To af disse værker er færdige, den Slave døende og Oprør slave. Begge er i øjeblikket i Louvre-museet i Paris. De var beregnet til at blive placeret på pilastrene på underetagen.

Sensualiteten af Slave døende, hvis holdning udtrykker accept, ikke modstand mod døden. Overfor dette, den Oprør slavemed et upoleret ansigt, en forvrænget krop og en ustabil position synes han at nægte at blive underlagt og ser ud til at kæmpe for at komme ud af fængslet.

Fire andre værker stammer fra den periode og forherligede begrebet ikke endelig. Den udtryksfulde kraft er imponerende, da du kan se, hvordan kunstneren befri figurerne fra de massive stenblokke.

Ved at lade værkerne være ufærdige, fungerer de som allegorier for et af de temaer, der ledsagede og plagede hele Michelangelos liv og arbejde: kroppen som sjælens fængsel.

8. Grave af Lorenzo og Giuliano de Medici

I 1520 blev Michelangelo hyret af Leo X og hans fætter Giulio de Medici, fremtidige pave Clemens VII, til bygge et begravelseskapel i San Lorenzo i Firenze, hvor gravene til Lorenzo og Giuliano de Medici.

Først begejstrede projekterne kunstneren så meget, at han inderligt garanterede, at han ville være i stand til at gennemføre dem på samme tid. Men der opstod flere problemer, og drømmeprojektet gik tabt undervejs.

Konceptet udtænkt af Michelangelo havde som princip integrationen af ​​arkitektur, skulptur og maleri. Men malerierne blev aldrig lavet.

Da han arbejdede på gravene, brød der en revolution ud i Firenze mod Medici selv, og overfor dette scenario stoppede Michelangelo arbejdet og stod til fordel for oprørerne.

Da oprøret blev kontrolleret, tilgav paven ham på den betingelse, at han genoptog arbejdet, og Michelangelo fortsatte arbejdet.

Da Michelangelo forlod Firenze permanent i 1524 til Rom, forlod han arbejdet ufuldstændigt og de skulpturer, han havde lavet, blev senere anbragt på deres rette steder af andre mennesker.

Det, der har nået os indtil i dag, er to dobbelte parietalgrave, placeret ansigt til ansigt. På den ene side var graven til Lorenzo repræsenteret i en passiv, kontemplativ position og tænkte næsten som om den virkelige Lorenzo de 'Medici levede.

På den anden side, Giuliano, som i sin tid var en herlig soldat. Han er aktivt repræsenteret i rustning og udstyret med bevægelse. Venstre ben fremkalder viljen til at løfte den kolossale og magtfulde figur.

Ved fødderne af begge er der to allegorier, den Nat og Dag (grav over Lorenzo de Medici), den Tusmørke og daggry (Grav af Giuliano de Medici).

Det Dag og daggry er mandlige figurer og Nat og Tusmørke de er kvindelige figurer. Ansigterne på de mandlige allegorier er ufærdige, upolerede.

9. Den sidste Pietàs

Miguel Ángel kom til de sidste år af sit liv udstyret med fysisk styrke og behovet for at arbejde, men han bar mange beklager og pine.

Han kom til den konklusion, at han i løbet af en del af sit liv havde rejst et forkert ideal, idealet om skønhed og perfektion i kunsten og tanken om, at han gennem denne kunst ville nå Gud.

Således vender han sig i sine senere år til sin anden lidenskab, den guddommelige, og måske derfor har hans nyeste værker det samme tema og blev efterladt ufærdige.

Det Pietà og Pietà Rondanini er to ufærdige kugler, meget udtryksfulde og foruroligende, især Rondanini.

Som en allegori over al den lidelse og turbulente ånd, som Michelangelo bar hele sit liv, især i i de senere år skulpturerede han sine egne træk på jomfruens ansigt, der bar den døde søn i Pietà Rondanini.

Kunstneren opgav således idealet om menneskelig skønhed, der markerede ham hele sit liv, og gjorde klart hans overbevisning om, at kun i total overgivelse til Gud kan findes lykke og fred.

Michelangelo døde i 1564 i en alder af 89 år i fuld udnyttelse af hans fysiske og mentale kapacitet.

Paven ville begrave ham i Peterskirken i Rom, men før hans død udtrykte Michelangelo sin vilje til at blive begravet i Firenze, hvorfra han var rejst i 1524.

Det kan interessere dig: De 25 mest repræsentative malerier fra renæssancen

(Tekst oversat af Andrea Imaginario).