Die 10 wichtigsten Barockgemälde

Der Barock ist eine Epoche und eine künstlerische Strömung, die hauptsächlich im 17. Jahrhundert stattfand. Dieser künstlerische Stil hat zahlreiche Meisterwerke, die auf die besten Museen der Welt verteilt sind.

In diesem Artikel Wir werden uns auf die Barockmalerei konzentrieren und 10 seiner wichtigsten Gemälde retten.

• Verwandter Artikel: „Was sind die 7 Schönen Künste? Eine Zusammenfassung seiner Eigenschaften"

Barocke Malerei

Das 17. Jahrhundert war Zeuge des Aufstiegs wahrer Meister der Malerei. Künstler wie Velázquez, Vermeer, Rubens oder Ribera füllten die Seiten der Kunstgeschichte auf vielfältige Weise. Meisterwerke, die unerlässlich sind, um sowohl diese historische Periode als auch die Entwicklung der Kunst zu kennen allgemein.

Wie bei den meisten Kunstbewegungen ist der Barock kein einheitlicher Stil.. Jede Region und jedes Land hatte seine eigenen Charakteristika, angetrieben von seinem eigenen wirtschaftlichen, religiösen und sozialen Kontext. Während dieser Stil in katholischen Ländern als Vehikel für die Gegenreformation diente, diente er in den Regionen Die Protestanten wurden viel intimer und persönlicher, da sie von den Kaufleuten und Bürgerlichen gefördert wurden Städte.

• Das könnte Sie interessieren: „Die 4 wichtigsten Merkmale des Barock“

Die 10 Hauptgemälde des Barock

Als nächstes machen wir eine kleine Reise durch die 10 wichtigsten barocken Gemälde.

1. Las Meninas, von Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Es ist wahrscheinlich eines der meist reproduzierten Bildwerke und eines der berühmtesten der Welt. Die Leinwand ist bekannt als Las Meninas, obwohl sein ursprünglicher Name war Die Familie von Felipe IV. Es ist ohne Zweifel, eines der Meisterwerke der Barockmalerei und der Kunstgeschichte im Allgemeinen.

Es wurde 1656 im Cuarto del Príncipe del Alcázar in Madrid gemalt und bildet ein erstaunliches Spiel aus Licht und Perspektive nach. Im Hintergrund sehen wir in einem Spiegel die Büsten der Monarchen, König Felipe IV. und seiner Frau Mariana von Österreich. Links von der Leinwand nimmt Velázquez an der Staffelei ein Selbstporträt auf. Die Interpretationen des Werkes waren und sind sehr unterschiedlich. Sie malen die Könige und werden plötzlich von der kleinen Infantin Margarita unterbrochen, die von ihren Meninas und ihrem Gefolge begleitet wird? Wie dem auch sei, das Gemälde lässt den Betrachter vollständig in die Szene eintauchen, als wäre er eine andere Figur darin.

2. Judith und Holofernes, von Artemisia Gentileschi (Uffizien, Florenz)

Seit einigen Jahren nimmt das außergewöhnliche Werk von Artemisia Gentileschi wieder den ihm gebührenden Platz in der Geschichte der Malerei ein. Judit und Holofernes ist eines der Meisterwerke nicht nur seines Bildkorpus, sondern der Barockmalerei im Allgemeinen.

Der Künstler repräsentiert uns der in der Bibel aufgezeichnete Moment, in dem Judith, die jüdische Heldin, Holofernes, einen babylonischen General, der sie haben will, enthauptet. Artemisia repräsentiert den Moment mit einer Wildheit, die Ihnen den Atem gefriert. Viele Kritiker wollten in der Rohheit dieses Gemäldes all die Wut und das Leid sehen, das die Verletzung, der er kurz vor der Ausführung der ersten Version des Gemäldes zum Opfer fiel, die im Museum von Capodimonte aufbewahrt wird, Neapel. Auf jeden Fall machen das wunderbare Hell-Dunkel, die Komposition und die Dynamik der Charaktere dieses Werk zu einem der besten Beispiele barocker Malerei.

• Verwandter Artikel: "Die 7 besten Museen Spaniens, die Sie nicht verpassen dürfen"

3. Mädchen liest einen Brief vor dem offenen Fenster, von Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

Das große und zugleich intime Bilduniversum Vermeers reduziert sich leider auf etwa dreißig anerkannte Werke. Dieser Mangel an künstlerischer Produktion macht diesen niederländischen Barockkünstler zu einem Maler, der von einem geheimnisvollen Heiligenschein umgeben ist. Seine Innenausstattung wurde damals enorm geschätzt, obwohl sie später in Vergessenheit geriet und erst viel später von den Impressionisten des 19. Jahrhunderts beansprucht wurde.

Die Arbeit, die uns betrifft repräsentiert perfekt jenes Universum häuslicher Intimität, das für den Maler charakteristisch ist. In einem Raum, der von milchigem Licht durch ein offenes Fenster erhellt wird, liest eine junge Frau konzentriert einen Brief. Ihre private Welt wird unzugänglicher, weil wir sie physisch nicht erreichen können, da der Tisch und der Vorhang im Vordergrund uns daran hindern. Dieses Gemälde ist ein schönes Beispiel barocker Malerei aus den Niederlanden und vor allem jener Welt schwer fassbarer und fast gespenstischer Charaktere, die das Werk dieses außergewöhnlichen Künstlers bevölkern.

• Das könnte Sie interessieren: "Unterschiede zwischen Renaissance und Barock: wie man sie auseinanderhält"

4. Stillleben, von Clara Peeters (Prado-Museum, Madrid)

Das Genre des Stilllebens hat in der Kunstgeschichte bisher wenig Beachtung gefunden, obwohl es das ist eines Genres, das große Details und natürlich eine unbestreitbare Fähigkeit zur Erfassung von Texturen und Texturen erfordert Oberflächen. Dies ist ohne Zweifel ein Meisterwerk des Genres Stillleben der Malerin Clara Peeters.

Dabei zeigt sich die Virtuosität des Künstlers nicht nur in der sorgfältigen Darstellung des Elemente, sondern in der Serie von Selbstporträts, die der Maler als Spiegelbild in der Kanne und darin gemacht hat die Tasse. Das Einfangen einer Reflexion auf einer Oberfläche war etwas, das exquisite Virtuosität erforderte, und Clara zeichnet ihre bildnerischen Fähigkeiten durch diese Ressource und ihr Sein auf eine Möglichkeit, Ihre Rolle als Künstler in einem von Männern dominierten Beruf zu behaupten.

5. Der Unglaube des Heiligen Thomas, von Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Das biblische Thema des Zweifels des Heiligen vor der Auferstehung Christi wird in diesem Werk mit beeindruckendem Naturalismus gesammelt. Der heilige Thomas steckt einen Finger in die Wunde, die Jesus an einer seiner Seiten sieht. Christus selbst führt seine Hand und ermutigt ihn, durch physische Beweise zu glauben, was er nicht durch Glauben geglaubt hat. Diese Szene war noch nie mit so viel, wir könnten sagen, Rohheit erzählt worden. Der charakteristische Realismus von Caravaggio zeigt sich in der Anatomie der Körper, in den Falten, die die Stirn der Menschen durchziehen Apostel, in den schmutzigen Nägeln, die der heilige Thomas selbst präsentiert, und vor allem in seiner Fingerspitze, die in das Fleisch eindringt Christus. Caravaggios Werk ist eines der besten Beispiele dafür, dass der Barock nicht nur Theatralik und Prunk ist, sondern sich der Realität oft mit überraschendem Naturalismus nähert.

• Verwandter Artikel: "Gibt es eine Kunst, die objektiv besser ist als eine andere?"

6. gekreuzigter christus, von José de Ribera (Diözesanmuseum für sakrale Kunst, Vitoria-Gasteiz)

Eine der eindrucksvollsten Kreuzigungen der barocken Malerei. Es wird im Diözesanmuseum für sakrale Kunst von Vitoria-Gasteiz aus dem verschwundenen Kloster von aufbewahrt Santo Domingo und gilt als eine der besten Darstellungen des gekreuzigten Christus in der Malerei. Spanisch. Vor einem neutralen und betont dunklen Hintergrund, der die Idee der biblischen Sonnenfinsternis verstärkt, die die begleitete Tod Christi, die Gestalt Jesu steigt am Kreuz auf, mit dem weißen Leib und verzerrt in einem gezwungen Kontrapost. Die einzige Lichtquelle ist sein Körper, denn sogar das Reinheitstuch hat eine ähnliche Farbe wie das Holz des Kreuzes, an das es genagelt ist. Die Szene scheint den Moment einzufangen, in dem Christus zum Himmel aufblickt und murmelt: „Alles ist vorbei. Consumatum est”.

7. Kinder, die Trauben und Melone essen, von Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)

Dass der Realismus auch für die Kunst des Barock typisch ist, haben wir bereits angemerkt. Ein gutes Beispiel dafür ist dieses wunderbare Gemälde des Malers Bartolomé Esteban Murillo, das in München aufbewahrt wird und zwei schlecht gekleidete Kinder darstellt, die Weintrauben und Melone essen. Das Spanien des 17. Jahrhunderts bot deutliche Kontraste, und Armut war ein alltäglicher Anblick in den Straßen von Städten wie Madrid. Bei dieser Gelegenheit stellt Murillo die beiden Jungen dar, die sich auf ihr Essen konzentrieren. Sie sehen den Betrachter nicht an; in Wirklichkeit nehmen sie unsere Anwesenheit kaum wahr. Während sie die Melone und die Weintrauben verschlingen (vielleicht eines der wenigen Nahrungsmittel, zu denen sie viele Tage lang Zugang haben werden), unterhalten sie sich ruhig, wie ihre gegenseitigen Blicke bezeugen. Schmutzige nackte Füße und abgetragene Kleidung verleihen der liebenswerten Szene eine dramatische Note.

8. Gewölbe mit Apotheose der spanischen Monarchie, von Luca Giordano (Prado-Museum, Madrid)

Diese fantastische Decke, die Ende des 17. Jahrhunderts in der Technik der falschen Fresken hergestellt wurde, ist derzeit in der Bibliothek des Prado-Museums in Madrid zu sehen. Ursprünglich gehörte das Gewölbe zum alten Botschaftersaal des Buen-Retiro-Palastes, ein Ort der Ruhe und Erholung, den der Graf-Herzog von Olivares für König Felipe IV erbauen ließ.

Wie der Name schon sagt, war die Halle der Botschafter der Empfangsort für den Monarchen, daher ist die Ikonographie an ihrer Decke eine Erhebung der hispanischen Monarchie. Giordano schafft eine außergewöhnliche Komposition, die mit Allegorien und Symbolen aus der Mythologie übersät ist. das versuchte, die Antike der spanischen Krone und ihre Vorrangstellung gegenüber den anderen Königshäusern hervorzuheben Europäisch.

9. die drei danke, von Rubens (Prado-Museum, Madrid)

Anscheinend hat Rubens dieses Gemälde, eines der berühmtesten seiner Werke, zu seinem eigenen Vergnügen angefertigt, wie die Tatsache beweist, dass es sich bei seinem Tod in seiner persönlichen Sammlung befand. Tatsächlich sind die Gesichtszüge der Frau auf der linken Seite denen seiner zweiten Frau sehr ähnlich, Helena Fourment, die Rubens heiratete, als sie erst sechzehn war, und er, fünfzig- drei. Seit antiken Zeiten, Es ist üblich, den Grund für die mit der Verlobung verbundenen Gnaden zu finden, daher scheint es nicht abwegig anzunehmen, dass der Künstler das Gemälde als Hommage an seine eigene Verbindung gemalt hat. Die drei Figuren stehen wollüstig da und vereinen ihre Hände zu einer Art Tanz. Es ist in der Tat eines der elegantesten und sinnlichsten Gemälde des Künstlers.

10. reuige Magdalena der Lampe, von Georges de La Tour (Louvre-Museum, Paris)

De La Tour ist ein fantastischer Maler, der für das exquisite Hell-Dunkel in seinen Kompositionen berühmt ist, das durch den Schein einer oder mehrerer Kerzen erreicht wird.

In diesem Fall zeigt uns das Gemälde eine Maria Magdalena, die in ihre Meditation versunken ist. Ihr Blick ist wie im Werk der Künstlerin üblich auf das Feuer der vor ihr brennenden Kerze gerichtet, die einzige Lichtquelle im Bild. In der einen Hand stützt die Heilige ihren Kopf, während sie in der anderen, die auf ihrem Schoß ruht, einen Totenschädel hält, ein für den Barock so typisches Symbol der Buße und der Vergänglichkeit des Lebens. Das Motiv der büßenden Magdalena war im 17. Jahrhundert weit verbreitet. De La Tour selbst hat bis zu fünf Versionen dieses Gemäldes angefertigt. In zwei von ihnen steht der Schädel auf dem Tisch und verbirgt mit seinem Volumen das Feuer der Kerze, was das Hell-Dunkel der Szene zusätzlich betont.