Luis Buñuel: Hauptfilme und Bühnen des Genies des spanischen Kinos

Luis Buñuel ist einer der eigentümlichsten Filmemacher der Filmszene. Seine filmische Sprache und sein Verständnis des Kinos haben großen Regisseuren im Laufe der Geschichte als Referenz gedient.

In fast allen Filmografien des aragonesischen Regisseurs sind Züge seiner Persönlichkeit zu sehen. Sein Kino spricht von einem Nonkonformisten seiner Zeit und sehr konventionskritisch bürgerlich und religiös, was ihn sogar dazu veranlasste, seine Heimat zu verlassen und gegen die Zensur der Moment.

Seine Arbeit zielt darauf ab, einem konformistischen Betrachter die Augen zu öffnen, die etablierte Gesellschaftsordnung zu untergraben und Themen wie Gesellschaft, Familie ins Rampenlicht zu rücken. Religion, Bourgeoisie oder Politik, all dies ohne Anspielungen auf die Traumwelt und die innere Welt des Einzelnen zu verpassen, Themen, die es immer gab besessen.

Zweifellos markierte das Kino von Luis Buñuel eine große Etappe in der Geschichte des Kinos. Der Regisseur benutzte die Filmkunst als eine Art Leinwand, auf der er alle Sorgen festhielt, die in seiner inneren Welt auftraten.

Buñuel tat etwas, was damals nur sehr wenige Filmemacher erreichen konnten: Spätere Generationen machen ihr Kino erben wird und es trotz der Zeit schafft, das Gewissen weiter zu rühren und zu machen reflektieren.

1. Surreale Bühne

Mitte der 1920er Jahre ging Buñuel nach Paris. Dort tauschte er sich mit verschiedenen Künstlern der Zeit aus und unterhielt unbeabsichtigt den ersten Kontakt mit der surrealistischen Strömung, als er André Breton traf.

Später wurde er Teil der surrealistischen Gruppe, mit der er sympathisierte und mit dem Film die Strömung im kinematografischen Medium zu ihrem maximalen Ausdruck brachte Ein andalusischer Hund (1929).

Ein andalusischer Hund (1929)

Es geht um deine Debüt als Regisseur, der mit Salvador Dalí schrieb. Es gilt als eines der größten surrealistischen Werke in der Geschichte des Kinos. 1929 uraufgeführt in Paris im Studium der Ursulinen und verursachte eine große Kontroverse für die Kritiker der Zeit.

Es ist ein Film, der den Zuschauer einlädt, in die Welt der Träume einzutauchen und die Realität beiseite zu lassen. Es geht darüber hinaus, wo uns unsere Sinne oder unsere Vernunft leiten. Es herrscht Unwirklichkeit und öffnet die Tür zu einer unlogischen Erzählung. Was macht es offen für verschiedene Interpretationen.

Der Film ist schon vom ersten Moment an schockierend. Ein Mann (Buñuel) erscheint auf einem Balkon, der ein Rasiermesser schärft und als nächstes sieht man, wie er einer Frau das Auge schneidet. Es ist eine der bekanntesten Szenen des Films.

Von diesem Moment an taucht der Film in ein authentisches Aufnahmespiel ein, das zwar anscheinend bedeuten sie nichts, sie schaffen es, beim Betrachter dank einer großartigen Sensation zu wecken Montage.

In den meisten Fällen wird es verkettet verwendet. Ein prominentes Beispiel ist, wenn Ameisen aus der Hand des Reiters auftauchen und sich plötzlich in die Achselhaare einer Frau und dann in einen Igel verwandeln.

Es bricht auch mit der Linearität dank der inkohärenten Verwendung von Zwischentiteln, die den Betrachter nicht leiten, sondern irreführen: "Es war einmal", "Acht Jahre später", "Gegen drei Uhr morgens", "Sechzehn Jahre zuvor" und "In Frühling".

Im Laufe der Jahre wurden verschiedene Interpretationen des Films gezogen, obwohl keine vollständig korrekt ist. Buñuel selbst hat es beschrieben:

Der Film ist nichts anderes als ein öffentlicher Aufruf zum Attentat.

Die Realität ist, dass, obwohl er es nie geschafft hat, den Grund für diesen Film zu erklären, es zugrunde liegende Elemente gibt, die es tun werden während seiner gesamten Karriere aufrechtzuerhalten, wie zum Beispiel seine Besessenheit vom Tod, der Welt der Träume und der Unterbewusstsein.

Auch wenn jede Analyse des Films gültig sein mag, Ein andalusischer Hund versucht, beim Empfänger eine Spur zu hinterlassen, damit er, wenn er sich an den Film erinnert, nicht versucht, nach einer Handlung zu suchen, sondern versucht, die Emotionen zu beschreiben, die er beim Anschauen erlebt hat.

Das goldene Zeitalter (1930)

Anfang der 1930er Jahre hat Buñuel seinen zweiten surrealistischen Film uraufgeführt, diesmal mit Ton und französischer Sprache. Es ist ein bahnbrechendes und einzigartiges Werk, das von Viscount de Noailles, einem Mitglied der Aristokratie, finanziert wurde. Der Start des Films brachte den Skandal und das Verbot seiner Vorführung durch die französische Regierung mit sich.

Darin offenbart Buñuel eine Kritik an den Bräuchen und Traditionen der damaligen bürgerlichen Gesellschaft. Der Regisseur selbst beschrieb den Film als:

Der Sexualtrieb und das Todesgefühl bilden die Essenz dieses Films. Es ist ein romantischer Film mit surrealer Raserei.

Es ist der Kampf zweier Liebender, ihre leidenschaftliche Liebe in einer von Regeln dominierten Gesellschaft fortzusetzen. Es besteht kein Zweifel, dass der Film eine Erhöhung der verrückten Liebe ist, absolut kostenlos und vor allem eine Klage gegen a all jene Faktoren, die seine Entwicklung unterbrechen, im Allgemeinen die Konventionen der Gesellschaft Bourgeois.

Die Erzählung, die mit einer Dokumentation über das Leben der Skorpione beginnt, zieht vom ersten Moment an Aufmerksamkeit auf sich. Vielleicht ist die Aufnahme von 1912 aufgenommenen Bildern kein Zufall, wenn man bedenkt, dass Buñuel von Insekten besessen war.

Später versuchen einige Kriminelle aus ihrer Hütte zu fliehen, während eine Gruppe von Bischöfen vor dem Meer eine Art Ritual vollzieht und schließlich tot am Strand auftauchen.

Eine Gruppe von Menschen kommt in einem Boot an, um die Seele der Bischöfe zu verehren. Die Zeremonie wird unterbrochen vom Lärm der Liebenden, eines Mannes und einer Frau, die am Strand ihrer Liebe freien Lauf lassen. Der Mann wird schließlich festgenommen.

Von diesem Moment an dreht sich der Film um die Frau, die in einem wohlhabenden Haus lebt und versucht, ihre sexuellen Wünsche angesichts der Behinderung der sie umgebenden Gesellschaft zu erfüllen.

Seine kritischste Analyse kommt mit dem Einfügen von Aufnahmen, die den Zuschauern in Erinnerung geblieben sind. Zum Beispiel das Bild der mumifizierten Bischöfe, der Protagonist, der am großen Zeh einer Statue lutscht oder eine Kuh auf einem eleganten Bürgerbett.

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2. Etappe der Zweiten Spanischen Republik

Der Skandal verursacht durch Goldenes Zeitalter, macht Holywood klar, dass Buñuel "eine Goldmine" für die Filmindustrie sein könnte. Deshalb überquerte er 1931, angelockt von einem Angebot von Metro Goldwyn Mayer, den Atlantik. Sie beabsichtigen, es dort in das kinematografische System einzuführen; Der unterschiedliche Spott und die Unhöflichkeit Buñuels gegenüber hohen Positionen in der Branche bringen ihn jedoch nach Spanien zurück.

Land ohne Brot (1933)

Kurz nach seiner Rückkehr drehte er den Dokumentarfilm Land ohne Brot mit dem Geld aus einem Lottogewinn. Es soll das Leben von Las Hurdes (Extremadura) widerspiegeln, wo die Situation wirklich dramatisch war, obwohl Buñuel es ein bisschen mehr übertreibt.

Der Film zeigt Bilder der Umgebung als Voice-over er kommentiert das, was in ihnen erscheint. Es beginnt mit einer Situationsinfografik, in der eine Karte von Europa auftaucht und sich allmählich nähert Zoomen und es zeigt den genauen Punkt an, von dem es sprechen wird. Während eine Stimme erzählt:

In einigen Teilen Europas gibt es Brennpunkte einer fast paläolithischen Zivilisation. In Spanien, 100 km von Salamanca, einem Ort der Hochkultur, entfernt, sind Las Hurdes durch schwer zugängliche Berge von der Welt isoliert (...)

Der Film ist wie Buñuels eigener Spaziergang durch die Gegend, der Zuschauer sieht, was seine Augen sehen. Versuchen Sie, das Leben der Menschen dort "neutral" zu lehren. Es zeigt Armut, Krankheit, Kinder und Unterernährung.

Auffallend ist der übertriebene Ton des Erzählers bei der Beschreibung dessen, was er sieht, manchmal misstrauisch, echt zu sein. Ein klares Beispiel ist, wenn er eine Frau mit Kropf beschreibt, die laut Erzähler 32 Jahre alt ist, obwohl es unglaublich erscheint.

Mit diesem Film will Buñuel so weit provozieren, dass eine Bevölkerung ins Rampenlicht gerückt wird der unter erbärmlichen Bedingungen lebt, obwohl er in der Nähe von entwickelten Orten ist und kultiviert.

Andererseits will der Regisseur das ländlichste und rückschrittlichste Spanien seiner Zeit bekannt machen, in einer Zeit vermeintlicher Entwicklung, die von Politikern und Führern vergessen wird.

Es zeigt auch die Heuchelei der Kirche, wenn man einen christlichen Ort, an dem die Bauern in heruntergekommenen Häusern leben, mit dem Reichtum vergleicht, den sie besitzt.

Schließlich verbot die republikanische Regierung den Film, da er ein schlechtes Bild von Spanien vermittelte. Dies hinderte Buñuel jedoch nicht daran, es später grenzüberschreitend zu vermarkten.

3. Exilstufe: Mexiko

Mit Beginn des Bürgerkriegs musste Buñuel, der der republikanischen Seite treu geblieben war, ins Exil gehen. Zuerst wandert er nach Frankreich aus, wo er eine Zeitlang lebt, und kehrt dann nach Hollywood zurück. Nach einem Aufenthalt in Nordamerika reiste er nach Mexiko mit der Absicht, eine Verfilmung des Werks zu drehen. Bernarda Albas Haus Alba de Lorca und obwohl es noch nicht endgültig fertig war, beschloss er, sich dort niederzulassen.

Es ist 1949 in Mexiko, als er beschließt, seine Karriere als Filmregisseur wieder aufzunehmen, die er mit Kriegsbeginn ins Stocken geraten ließ. In dieser Zeit werden einige der wichtigsten Filme von Buñuels Filmografie gedreht. Darunter sind:

Das Vergessene (1950)

In diesem Film zeigt der Regisseur einmal mehr seine Sorge um soziale Probleme. Wie bei der Dokumentation Land ohne Brot, Er hebt zunächst hervor, dass im Schatten des Reichtums der Großstädte die ärmsten und am stärksten benachteiligten Gebiete liegen.

Statt seinen Blick auf sein Heimatland zu richten, denkt er diesmal an die Slums von Mexiko-Stadt. Und es kehrt zurück, um die Aufmerksamkeit auf die am stärksten gefährdete Bevölkerungsgruppe zu lenken: Kinder.

Die Handlung dreht sich um Jaibo, einen Teenager, der aus einer Erziehungsanstalt flieht und in seine Nachbarschaft zurückkehrt. Tage später begeht er einen Mord vor seinem Freund Pedro, einem Jungen, der versucht, gut zu sein. Von diesem Ereignis führt Jaibo Pedro in die Irre und ihre Schicksale werden abgeschnitten.

Dieser Film ist eine Hymne an die harte Realität. Überraschend ist die Grausamkeit, mit der Themen wie Machismo und Alkoholismus in der Gesellschaft präsent sind.

Andererseits ist die Vorstellung, die Kinder von der Schule haben, bemerkenswert, für sie ist es wie eine Bestrafung. Als Pedro zur Schule geht, um einen Beruf zu erlernen, glaubt er, seine Freiheit zu verlieren und die Schule einem Gefängnis gleichzusetzen.

Es zeigt auch die Ignoranz der Bevölkerung, die dem Volksglauben verbunden bleibt. Zum Beispiel glaubt eine kranke Frau, dass sie von einer Taube geheilt wird.

Der Filmemacher lässt es sich auch nicht nehmen, die Welt der Träume zu erforschen und tut dies durch die Figur des Pedro. Auffallend ist die Verlangsamungstechnik, mit der er die Traumwelt des Kindes beschreibt, in der er die Sorgen der Figur zeigt.

Was Buñuel und Luis Alcoza, die Drehbuchautoren des Films, mit dieser Erzählung zeigen wollen, ist die Heuchelei, die zwischen den beiden Seiten derselben Medaille besteht. Einerseits die Entwicklung und der Reichtum des Zentrums einer Großstadt mit einer wohlhabenden Bevölkerung. Auf der anderen Seite eine arme Peripherie, in der Kriminalität, Armut und Involution vorherrschen, Probleme, die im Schatten des politischen Systems bleiben.

Mit vollem Magen geht es uns allen besser.

Die Reaktion nach der Premiere des Films in Mexiko-Stadt war alles andere als freundlich. Obwohl sie später bei den Filmfestspielen von Cannes Anerkennung fand und benannt wurde Erinnerung an die Welt von Unesco.

Er (1952)

Es ist ein Film, der 1952 gedreht wurde und auf dem gleichnamigen Buch des spanischen Schriftstellers Mercedes Pinto basiert. Es erzählt die Geschichte von Francisco, einem Mann von hoher Herkunft, der davon besessen ist, die Liebe von Gloria, der Freundin seines Freundes, zu bekommen.

Schließlich heiraten die Liebenden und ihre Ehe wird aufgrund der Eifersucht und Obsessionen des Protagonisten zur Hölle.

In diesem Melodram tauchen auch in Buñuels Filmen zwei grundlegende Ingredienzien auf: die Kirche und die High Society. Es ist in einer kirchlichen Umgebung, wo die Erzählung während der Feier des Gründonnerstags beginnt. Dort treffen sich die Protagonisten, beide aus der wohlhabenden Klasse.

Bald taucht einer der Grundbegriffe auf, der beim Betrachten des Films an Bedeutung gewinnen wird: Paranoia. Als wäre es eine Studie über ein rationales Tier, "seziert" der Regisseur den Geist der Hauptfigur. Und als Zuschauer sind wir Zeugen der " Franciscos Reise ins Delirium durch die subjektive Realität und die Suche nach seiner eigenen Wahrnehmung der Realität.

Sie können auch Verwirrung zwischen den Konzepten von Liebe und Besessenheit sehen. Es gibt eine klare Unterwerfung von Gloria gegenüber ihrem Mann zu Beginn, sogar eine Art "toxische Toleranz" gegenüber seinem Verhalten.

Nach und nach beginnt Francisco zu glauben, dass alles, was passiert, gegen ihn ist und denkt, dass seine Frau Sie ist jedem Mann, der sich ihr nähert, untreu und geht sogar so weit, sie physisch und psychisch zu missbrauchen.

Andererseits ist zu beobachten, wie die damalige Gesellschaft dieses Verhalten des Mannes gegenüber der Frau rechtfertigt, wenn Francisco seine Schwiegermutter und den Priester mit seinen Wahnvorstellungen manipuliert. Diese implizieren, dass die junge Frau die Launen ihres Mannes befriedigen muss. Der Priester nennt sein Verhalten sogar "leicht".

Buñuel lässt auch seine Besessenheit von Tieren nicht beiseite, die, obwohl sie nicht explizit erscheinen, Sie tun es durch die Rede des Protagonisten, während er oben auf dem Turm des Glockenturm. Darin setzt er Menschen mit Würmern gleich.

Er vielleicht ist es einer der persönlichsten Filme in der Filmografie des Regisseurs oder zumindest hat er ihn gelegentlich so gezeigt, indem er versichert, dass "vielleicht der Film ist, den ich am meisten eingesetzt habe. Im Protagonisten steckt etwas von mir.“

Es ist ohne Zweifel eine Kritik der Mentalität der damaligen Gesellschaft, die auf Konventionen und Überzeugungen basiert, die in religiösen Vorstellungen verwurzelt sind. Ein Film, der, obwohl er nicht so viel Wirkung hatte wie andere Filme des Regisseurs, niemanden gleichgültig lässt.

Essay über ein Verbrechen (1955)

Essay über ein Verbrechen es ist auch eine Adaption eines Romans, diesmal des mexikanischen Schriftstellers Rodolfo Usigli. Diese Geschichte im Stil des schwarzen Humors dreht sich um die Figur von Archibaldo, einem verwöhnten Kind aus einer wohlhabenden Familie, das besessen von der Spieluhr seiner Mutter lebt.

Seine Gouvernante erzählt ihm eine Geschichte rund um die Kiste, in der er bekennt, dass sie die Macht hat, Wünsche zu erfüllen. Auf diese Weise möchte das Kind, dass seine Nanny stirbt und sie wird Opfer eines Schusses.

Von diesem Moment an dreht sich alles, was Archibaldo als Erwachsener passiert, um dieses Ereignis, da er glaubt, dass seine Wünsche his wurden von der Box gewährt und bekennt sich vor einem Richter der Verbrechenswelle, die er angeblich selbst begangen hat entfesselte.

Der Film beginnt mit der Kontextualisierung der Geschichte der mexikanischen Revolution als Voice-over, die des erwachsenen Protagonisten, beschreibt seine Kindheit und wie seit einem damaligen Ereignis sein Leben konditioniert wurde. In diesem Moment präsentiert er uns das Katalysatorelement der Geschichte: die Spieluhr.

Dieses Objekt wird eine Veränderung in seinem Leben als Kind auslösen, mit der Ermordung seines Kindermädchens und später als Erwachsener, wenn er die Kiste aus einem Antiquitätenladen holt. Es ist interessant, wie ihr Sound Ereignisse aus Vergangenheit und Gegenwart aneinanderreihen wird.

Die Verwendung einer kreisförmigen Struktur lässt den Film mit einer Szene beginnen, in der Archibaldo beichtet seine angeblichen Verbrechen vor einem Richter nach dem Tod einer Nonne und kehre gegen Ende des Film. Der Rest der Geschichte wird erzählt Rückblenden.

Die Rolle der Vorstellungskraft des Charakters ist von grundlegender Bedeutung, der schmale Grat zwischen Begehren des Protagonisten und dem Zusammentreffen der Ereignisse, die schließlich zu einer "Geschichte von verrückt ".

Archibaldo weist auf das Objekt als Täter hin, der seinen kriminellen Instinkt geweckt hat, bis er schließlich die Kiste entsorgt, indem er sie in einen See wirft, als ob er auf diese Weise seine Psychopathie losgeworden wäre.

Wie in anderen Filmen dieser buñuelianischen Zeit wird die bürgerliche Gesellschaft scharf kritisiert, fast alle Charaktere haben einen Bezug zu dieser sozialen Schicht und auch zur Kirche.

Viridiana (1962)

Basierend auf dem Roman Halma von Galdós, dieser Film war ein Waffenstillstand für Buñuels Exil. Obwohl es sich um eine spanisch-mexikanische Koproduktion handelt, reiste der Regisseur für die Dreharbeiten in sein Heimatland.

Schließlich wurde es vom Vatikan heftig kritisiert, der es als blasphemisch bezeichnete, und das Franco-Regime verbot es für fünfzehn Jahre in Spanien.

Der Film erzählt die Geschichte von Viridiana, einer Novizin, die das Kloster verlässt, um ihren Onkel Don Jaime, einen wohlhabenden Landbesitzer, zu besuchen.

Bald versucht der Mann, die junge Frau zu vergewaltigen, und phantasiert von der großen Ähnlichkeit, die sie mit seiner verstorbenen Frau haben.

Obwohl er schließlich bereut und die Tat nicht ausführt, begeht er schließlich Selbstmord als Gefangener seines Gewissens.

Nach diesem Ereignis erbt Viridiana das Vermögen ihres Onkels und obwohl sie nicht ins Kloster zurückkehrt, beschließt sie, Gutes zu predigen, indem sie eine Gruppe von Bettlern im Haus willkommen heißt. Aber seine Nächstenliebe führt ihn schließlich zum Bösen.

Bei einigen Gelegenheiten bezeichnete Buñuel selbst die Hauptfigur als:

Viridiana ist eine Art Quijote mit Rock.

In gewisser Weise können wir Viridiana als eine schwache und passive Figur sehen, die sich zu Beginn des Films nach den Entscheidungen anderer bewegt. Aber nach und nach entwickelt sich die Protagonistin entsprechend den Ereignissen, die ihr widerfahren und wird schließlich zu einer reiferen und weniger einflussreichen Figur.

Auch in diesem Film ist die Kirche ein zu beurteilendes Element. In ihm erscheinen verschiedene Darstellungen der kirchlichen Welt. Die maximale Darstellung wird von der Hand von Viridiana, einer potentiellen Nonne und Gläubigen, gegeben. Andere religiöse Elemente, die erscheinen, sind: die Dornenkrone und ein kruzifixförmiges Messer. Obwohl einer der wichtigsten Momente vielleicht der Versuch ist, das Gemälde von. zu klonen Das letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci.

Auch diese Arbeit von Buñuel unterstreicht die Verbesserung der fotografischen Ästhetik. Im Vergleich zu früheren Filmen sind die Bilder dieses Films sauberer und sorgfältiger.

Viridiana es war nicht nur ein Film eines anderen Regisseurs. Obwohl es ein gescheiterter Versuch war, in seinem Land erneut zu drehen, und er heftig kritisiert wurde, war er auch einer der am meisten verehrten Filme des Regisseurs, als er den Gewinner Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes.

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Der vernichtende Engel (1962)

Nach einer kurzen Zeit in Spanien kehrt Buñuel nach Mexiko zurück, um weiter Filme zu drehen. 1962 uraufgeführt Der vernichtende Engel, in dem er erneut das bürgerliche Leben untersucht.

Die Handlung dreht sich um ein Treffen des gehobenen Bürgertums in der luxuriösen Villa des Ehepaars Nóbile. Nach einem langen Abendessen, als es Zeit ist, nach Hause zu gehen, stellen die Gäste fest, dass sie den Raum aus unbekannten Gründen nicht verlassen können. Dort verbringen sie mehrere Tage und die Situation geht von einem luxuriösen Abendessen zu einem Kampf ums Überleben.

Surrealismus herrscht in diesem Film, in dem sich der Zuschauer wie die Charaktere fragt: Warum können sie das Haus nicht verlassen?

Niemand weiß es, weder der Zuschauer noch die Charaktere. Das auslösende Element, das den Verdacht erweckt, was passiert sein könnte, ist die plötzliche Flucht der Diener aus dem Herrenhaus Nóbile. Das Geheimnis wird jedoch nie entdeckt.

Der Großteil der Rede findet am selben Ort statt, was dem Zuschauer das Gefühl gibt, dass er seine Sprache verloren hat Zeitvorstellung, wenn nicht die Dialoge, die Veränderung des Aussehens der Charaktere oder die Uhr, die im Hintergrund in gezählt wird Gelegenheiten.

Dem Film lässt sich eine antibürgerliche Lesart entnehmen, er zeigt das wahre Gesicht der reichen Klasse.

Zu Beginn der Geschichte, wenn die Party beginnt, verstecken sich alle hinter einer Fassade der Heuchelei und führen inhaltslose Gespräche untereinander, aber wie in einem Reality-Show In Frage, nach und nach zeigt jeder von ihnen seine Persönlichkeit.

Es stellt sich heraus, dass sie, wenn sie einer "extremen" Situation ausgesetzt sind, immer noch Tiere mit Überlebensinstinkt sind. Es ist dann, wenn sie sich von Ornamenten und Reichtümern befreien, um zu zeigen, dass sie nicht mehr sind als alle anderen.

4. Letzte Etappe: Frankreich

Die letzte Phase seiner Filmkarriere findet in Frankreich statt. Dort zog er um und hatte mehr Ressourcen und Mittel, um einige der Werke aufzunehmen, die ihn zum Höhepunkt der siebten Kunst führten.

Schön bei Tag (1967)

Schön bei Tag Es basiert auf dem Roman Belle de Jour 1928 von dem Schriftsteller Joseph Kessel. Es handelt sich um eine klare, aber subtile Kritik an der zeitgenössischen High Society, in der der für das Buñuelsche Kino typische Surrealismus wiedergefunden wird.

Die Geschichte erzählt das Leben von Séverine, einem jungen Mädchen, das mit einem Arzt verheiratet ist und aufgrund eines Kindheitstraumas keine Beziehungen eingehen kann. Deshalb beschließt er, sich für ein paar Stunden in. zu verwandeln Belle de Jour, eine Prostituierte, und führt heimlich ein Doppelleben, wird aber schließlich von einem Freund ihres Mannes entdeckt.

Eine junge Catherine Deneuve spielt Séverine, eine zweideutige und distanzierte Figur, mit der es sich herausstellt schwer nachzuempfinden, der in einem bürgerlichen Umfeld lebt, in dem sich die Kälte der Beziehungen zeigt persönlich. Eines Tages beschließt sie, dieses "langweilige Leben" zu verlassen, um für ein paar Stunden eine andere Frau in einem Bordell zu werden.

Durch den Protagonisten untersucht Buñuel erneut die Welt der Fantasie durch Szenen, die Teil der Welt sind imaginär des Charakters, obwohl es beim Betrachter Zweifel aufkommen lässt, ob sie real sind oder nicht, zwischen Fantasie oder Wirklichkeit. Es ist schon komisch, wie fast immer in Séverines Fantasien sie von ihrem Mann gedemütigt wird.

Andererseits geht es im Film um die Aufdeckung vieler damals tabuisierter Themen, wie etwa der Prostitution, in diesem Fall auf dem Terrain der High Society. Obwohl er es sehr subtil behandelt.

Es ist möglicherweise einer der technisch sorgfältigsten Filme des Regisseurs, wenn man die Farbbehandlung in der Fotografie und die Verwendung attraktiver Rahmen berücksichtigt. Die Ästhetik des Films bezeichnet die kinematografische Reife des Filmemachers in seiner letzten Phase.

Trotz der Kontroverse, die das gewagte Thema des Films auslöste, führte es dazu, dass er den Goldener Löwe bei den Filmfestspielen von Venedig.

Der diskrete Charme des Bürgertums (1972)

Der diskrete Charme des Bürgertums Es ist einer von Buñuels letzten Filmen und der erste spanische Regisseur, der den Oscar in der Kategorie des besten ausländischen Films gewann.

Darin kehrt er zurück, um die französische Bourgeoisie als Kulisse zu haben. Die Handlung bewegt sich zwischen Komödie und Absurdität und dreht sich um sechs Charaktere, drei Paare, die aus unterschiedlichen Gründen ihre Absichten, zum Abendessen zu gehen, abgeschnitten sehen.

Dieser damals innovative und bahnbrechende Film könnte perfekt das Attribut von "zeitlos", da seine Argumentation auf die Gegenwart übertragen werden kann, wirkt es weiterhin auf den Betrachter ein heutzutage.

Genau wie im Film Der vernichtende Engel, macht ein Röntgenbild der Bourgeoisie als Ganzes. Er porträtiert sie als eine soziale Klasse, die auch in den absurdesten Situationen immer versucht, Form, Eleganz und gute Manieren zu bewahren.

Es ist ein lustiger Film, in dem er nicht die Aufmerksamkeit auf eine einzelne Figur lenkt, sondern den Weg zu einer mehrdeutigen Chorrolle und keiner Entwicklung von Individuen öffnet.

Der Gruppenprotagonismus spiegelt sich auch in der Technik wider, die den seltenen Einsatz von Nahaufnahmen rechtfertigt, Prominenz zu einem größeren Rahmen, in dem die Schauspieler selbst eine großartige "Choreographie" in sich entwickeln von dem selben.

Buñuel lässt auch die Welt der Träume und die Schwierigkeit, zwischen der Traumwelt und der realen Welt zu unterscheiden, nicht hinter sich. Er geht Risiken ein und geht weiter, präsentiert sogar Träume in einem anderen Traum.

Dieses kinematografische Juwel, das in Ironie und Satire getaucht ist, lässt dem Betrachter die Tür zu verschiedenen Interpretationen offen, und seine Betrachtung lässt niemanden gleichgültig.

Kurzbiographie von Luis Buñuel

Luis Buñuel war ein spanischer Filmemacher, der im Februar 1900 in einer kleinen aragonesischen Stadt geboren wurde. Dort verbrachte er seine Kindheit und zog später nach Saragossa, wo er mit seinen Brüdern in religiösen Schulen studierte.

Als er das Gymnasium besuchte, entdeckte er das Buch Die Entstehung der Arten (1859) von Darwin, was ihn dazu veranlasste, seine Auffassung von Religion zu ändern. In dieser Phase entstand auch sein Interesse an der Entomologie, das zusammen mit der religiösen Tatsache zu einer seiner großen Obsessionen wurde und seine kinematografische Arbeit prägte.

1917 zog er mit der Idee nach Madrid, Agraringenieurwesen zu studieren, obwohl ihm der Zugang zur Fakultät endgültig versagte. In der Hauptstadt lebt er im "The Student Residence", Krausista Center, wo er einige der prominentesten Avantgarde-Künstler der Zeit, die sogenannten Die Generation der 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca und Salvador Dalí, mit denen er eine enge Freundschaft pflegte.

Er verbrachte sieben Jahre im Studentenzentrum und wechselte bei verschiedenen Gelegenheiten sein Studium, bis er sich schließlich für Philosophie und Literaturwissenschaft einschrieb. Seine Zeit in der Hauptstadt prägte seine Karriere, denn dank seines Interesses an der Avantgarde legte er die Grundlagen für sein Verständnis des Kinos.

Vollständige Filmografie von Buñuel

• Ein andalusischer Hund, 1929
• Das goldene Zeitalter, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Großes Casino, 1947
• Der große Schädel, 1949
• Das Vergessene, 1950
• Susanne, 1951
• Die Tochter der Täuschung, 1951
• Eine Frau ohne Liebe, 1952
• Aufstieg in den Himmel, 1952
• Der rohe, 1953
• Er, 1953
• Illusion fährt mit der Straßenbahn, 1954
• Robinson Crusoe, 1954
• Essay über ein Verbrechen, 1955
• Der Fluss und der Tod, 1955
• Das ist Aurora, 1956
• Tod im Garten, 1956
• Nazarin, 1959
• Die Ehrgeizigen, 1959
• Der junge, 1960
• Viridiana, 1961
• Der vernichtende Engel, 1962
• Tagebuch einer Kellnerin, 1964
• Simon der Wüste, 1965
• Schön bei Tag, 1967
• Die Milchstraße, 1969
• Tristana, 1970
• Der diskrete Charme des Bürgertums, 1972
• Der Geist der Freiheit, 1974
• Dieses dunkle Objekt der Begierde, 1977