Edvard Munch: 20 brillante Werke zum Verständnis des Vaters des Expressionismus

Edvard Munch ist ein norwegischer Maler im Übergang vom 19. zum 20. Jahrhundert und gilt als Vater des Expressionismus. Seine für viele skandalöse Arbeit erregte die Bewunderung junger Künstler und des nicht spezialisierten Publikums. Diese wurden mit der Angst identifiziert, die durch die schnelle Industrialisierung und den vorherrschenden Mechanismus erzeugt wurde.

Für etablierte Künstler lag die Ursache des Skandals in Munchs technischer Freiheit. Für die konservativen Sektoren basierte sie darauf, dass der Maler Themen wie Sex, Liebe und vor allem Krankheit und Tod, seine großen Obsessionen, offen ansprach.

Sein Stil war einzigartig, weil er eine authentische und originelle Sprache schuf, die ein Ergebnis des freien Dialogs mit Postimpressionismus, Jugendstil und Avantgarde war. Deshalb hat Munch, obwohl er die Türen des Expressionismus geöffnet hat, in keiner Bewegung bezeichnet. Wenn wir uns seine wichtigsten Werke ansehen, werden wir verstehen, warum Munch ein einzigartiger und unwiederholbarer Künstler ist.

1. Der Schrei, 1893

Der Schrei Es war Munchs Werk, das den meisten Skandal auslöste, und doch gilt es heute als das Mona Lisa der zeitgenössischen Kunst. Es stellt eine androgyne Person dar, deren Gesicht nach dem Hören oder Ausstoßen eines Schreis in seinem maximalen Ausdruck Angst ausdrückt. Folglich nimmt das Subjekt die Welt als eine wogende und schrille Masse wahr. Niemand außer Munch hatte dies zuvor in der Kunst getan.

Das Stück wurde nach der Zeit konzipiert, in der eine seiner Schwestern wegen Selbstmordversuchs inhaftiert war, was auf eine Verbindung zu der Episode schließen lässt. Eine kuriose Tatsache über Der Schrei ist, dass Munch vier Versionen mit leichten Unterschieden erstellt hat, eine sehr gängige Praxis des Malers. Die bekannteste Version ist die von 1893, die 1994 gestohlen und kurz darauf wiedergefunden wurde.

2. Angst, 1894

Ja Der Schrei es ist das Bild individueller Verzweiflung, Angst es ist der Ausdruck der kollektiven Angst, die Munch in der norwegischen Seele einfängt. Daher ist Munch kein Künstler, der sich auf das Register des individuellen Unbehagens beschränkt, sondern ist sensibel für allgemeines Unbehagen das die Gesellschaft am Ende des 19. Jahrhunderts betrifft, deren Transformation viel schneller ist als ihre Verarbeitungsfähigkeit Änderungen.

Die Leinwand Angst Es basiert auf zwei früheren Munch-Gemälden. Die Landschaft, in der wir sehen Angst wurde von der Leinwand geborgen Der Schrei. Die Charaktere hingegen stammen aus Nachmittag in der Karl Johan Straße. Die Strategie, Elemente aus früheren Frames zu übernehmen, findet sich in Munch immer wieder. Der Maler "repräsentiert" nicht nur Szenen, sondern die Elemente, aus denen sie bestehen, werden als ihre eigenen Symbole begriffen.

3. Das kranke Mädchen, 1885-1886

Das kranke Mädchen entspricht in Munchs Werk einem frühen Stil, der dem Impressionismus nahe steht. Die Leinwand zeigt Munchs jüngere Schwester Sophie auf ihrem Sterbebett an Tuberkulose. Zu diesem Zeitpunkt war die junge Frau etwa 15 Jahre alt.

Wie es seine Gewohnheit war, spielte Munch verschiedene Versionen dieses Liedes, was für ihn eine permanente Quelle von Schmerz und Schuld war. Dies lag daran, dass der Maler, der im Alter von 13 Jahren an Tuberkulose erkrankt war, das Gefühl hatte, anstelle seiner Schwester gestorben zu sein.

4. Liebe und Schmerz (Vampir), 1893

Munch hat diese Arbeit betitelt Liebe und Schmerz. Darin stellte er eine Frau dar, die einen Mann umarmte, der auf ihrem Schoß liegt, als suche er Trost. Obwohl Munch nie die persönliche Bedeutung des Werkes verriet, spricht der Originaltitel Bände. Als dieses Stück jedoch enthüllt wurde, löste es einen riesigen Skandal aus.

Die Leute sahen sadomasochistische Zeichen in ihr und interpretierten, dass die Frau ihrem Geliebten in den Hals gebissen hatte, als Vampir. Folglich wurde das Gemälde bekannt als Vampir. Der Skandal war so groß, dass dies Jahre später eines von vielen Munch-Gemälden war, die während der Nazi-Besetzung Norwegens zensiert wurden.

5. Madonna, 1894

Die Kiste bekannt als Madonna es hieß ursprünglich Geliebte Frau oder Frau die liebt. Benennen Sie die Arbeit um Madonna es ist zweifellos eine Provokation. Munch produzierte mindestens fünf bekannte Versionen dieses Stücks.

Die Künstlerin stellt die Frau wie eine Ikone dar, um die Anbetung zu vermitteln, die ihre Schönheit und Sexualität erweckt. Der rote Heiligenschein, der seinen Kopf umgibt, verweist auf die Beziehung zwischen Liebe und Schmerz, noch während des sexuellen Aktes.

Diese Hypothese ist gerechtfertigt, weil Munch eine gravierte Version erstellte, deren Rahmen dekorative Spermamotive enthielt, die auf einem makabren Fötus konvergieren. Zusammenfassend ist das Gemälde ein Symbol für den Kreislauf des Lebens, der durch Sexualität, Zeugung und Tod geht.

6. Asche, 1894

Asche Es gilt aufgrund der Linienführung und Farbgebung als eines der Werke mit der größten ästhetischen Schönheit von Munch. In der Komposition sehen wir einen Mann in Schwarz, der Farbe der Dunkelheit und des Todes. Der Mann ist in einer Ecke verloren, als verbarg er sein Gesicht vor Scham, die Hände vor dem Kopf. Es erinnert uns an den niedergeschlagenen Mann von Liebe und Schmerz (Vampir).

Hinter ihm hebt auch eine Frau in einem weißen Kleid, der Farbe der Reinheit, und mit einem roten Mieder, der Farbe der Leidenschaft, ihre Hände. Sein Gesicht drückt Traurigkeit und Sorge aus. Der Schleier der Leidenschaft ist zerrissen.

Die Beziehung zwischen Bild und Titel weist auf ein Paradox hin: Wenn Leidenschaft konsumiert wird, verflüchtigt sie sich. Das Feuer der Leidenschaft hinterlässt nur Asche. Aber auch die Gesten der Figuren rufen Schuldgefühle und Verzweiflung hervor. Dies zeigt, dass die Veranstaltung einem Moralkodex widerspricht. Ist es Ehebruch? War es eine Vergewaltigung? Es muss der Betrachter sein, der es entziffert.

7. Pubertät, 1894-1895

Auf Pubertät, Munch zeigt einen völlig nackten jungen Teenager. Die junge Frau hat ein ängstliches Gesicht und verbirgt ihre Geschlechtsteile. Gesten sind nicht nur ein Symbol für Bescheidenheit und Unschuld, sondern ein Symbol für Angst und Unterdrückung angesichts von Sexualität, unter der Munch in seiner Jugend litt, angesichts der religiösen Strenge seines Vaters und des Kontexts Epoche.

Die mysteriöse Stimmung der Szene wird durch den unentzifferbaren Schatten im Hintergrund bestätigt, der wie eine Art eindringliche Phantasmagorie wirkt. Die Bedeutung dieses Frühwerks von Munch liegt darin, dass es den Wendepunkt zwischen dem "impressionistischen" Strich und der Befreiung der Technik im Dienste der psychologischen Welt des Künstlers darstellt.

8. Selbstportrait mit Zigarette, 1895

Selbstportrait mit Zigarette Es ist eines der berühmtesten Werke Munchs und sein bekanntestes Selbstporträt unter den vielen, die er geschaffen hat. Auf der Leinwand demonstriert der Autor sein Verständnis und die absolute Beherrschung der Technik, um das Leuchten von Licht inmitten von Dunkelheit und Rauch darzustellen.

Dabei baut Munch eine fast mysteriöse Atmosphäre auf, die auf sein Gesicht und seine Hand aufmerksam macht. Das Gesicht wirkt zwischen verdutzt und überrascht, während sich die Hand, zusätzlich zum Halten der Zigarette, auf Herzhöhe erhebt. Ist das Gesicht das Zeichen der inneren Identität des von emotionaler Instabilität geprägten Subjekts, so ist die Hand das Symbol des bildenden Künstlers.

9. Tod im Zimmer, 1895

In seiner Kindheit hat Edvard Munch viele Familienmitglieder an Tuberkulose sterben sehen: Seine Mutter und sein Vater sind einige der Fälle. Tod im Zimmer repräsentiert das Leiden seiner Familie über den Verlust seiner jüngeren Schwester Sophie, die wir nicht sehen. Es ist ein Genie des Autors, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf emotionales Leiden statt auf den Tod zu richten.

Der Mann, der betend die Hände hebt, ist sein Vater, ein streng protestantischer Ordensmann. Es wird angenommen, dass der Mann, der an der Wand lehnt, Munch ist, der der Szene (Tod, Zuneigung und Glaube) den Rücken kehrt, während er direkt auf seinen eigenen Schatten blickt. Es unterstreicht die Tatsache, dass jedes Familienmitglied separat leidet.

10. Zwei Menschen (Die Einsamen), 1896

Die Leinwand Zwei Menschen es ist nichts anderes als eine Allegorie der Einsamkeit. Darin sehen wir einen Mann und eine Frau ohne Identität, dem Betrachter den Rücken zugewandt, den trägen Horizont betrachtend. Zwischen den beiden scheint eine unüberwindbare Distanz zu bestehen.

Das Werk wurde, wie viele andere von Munch, mehrfach und in unterschiedlichen Techniken behandelt. Sowohl das Thema als auch die Darstellungsweise bestätigen den ängstlichen, einsamen und depressiven Charakter des Künstlers.

11. Der Kuss, 1897

Der Kuss, von 1897, ist eine der Versionen des Gemäldes bekannt als Der Kuss hinter dem Fenstervon Munch selbst. Auffallend ist die Art und Weise, wie der Maler die beiden Figuren darstellte. Sie sehen aus wie ein einziger Körper, ohne Trennlinien zwischen ihnen. Den Charakteren fehlt es an Identität, an eigenen Grenzen.

Die Verschmelzung der Charaktere ist nicht romantisch zu lesen, da die dunkle und schwere Atmosphäre der Szene auch die Nähe des Todes suggeriert. Die Wirkung dieser Serie war so groß, dass sie das berühmte Werk inspirierte Der Kussvon Gustav Klimt.

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12. Fruchtbarkeit, 1898

Auf der Leinwand Fruchtbarkeit Von Munch aus sehen wir eine schwangere Frau, aufrecht, die die üppigen Früchte des Baumes trägt. Der Mann, der vor ihr sitzt, niedergeschlagen und gebückt, kontrastiert. Neben ihm ist ein umgestürzter Stock zu sehen. Es gibt eine Kontinuität zwischen dem Mann und dem Baum, weil ersterer seinen Fuß auf dem Stamm des Baumes ruht.

Der Baum könnte als Baum des Lebens interpretiert werden. Allerdings wurde ein Ast abgeschnitten, von dem nur noch ein Stumpf übrig ist. Um Früchte zu tragen, wurde der Baum beschnitten, zerstückelt.

Die radikaleren Interpretationen legen nahe, dass Munch seine Ablehnung des Kinderkriegens zum Ausdruck bringt. Ihre Früchte würden das Ende seiner Früchte darstellen. Die Interpretation basiert auf der Tatsache, dass das Gemälde entstand, als Munch vor der Möglichkeit stand, Tulla Larsen zu heiraten, eine Verpflichtung, die nie vollzogen wurde.

13. Treffen im Raum, 1898

Auf Treffen im Raum Wir sehen einen Mann und eine Frau, die im Weltraum gravitieren. Die Arbeit stellt einen erotischen Moment dar, der nicht nur durch Körper und Gestik, sondern auch durch Linien, die an Spermien erinnern, um die Figuren begrenzt wird. Die Gesichter sind weit voneinander entfernt. Die Frau wirkt fast gleichgültig. Der Mann scheint ausgeliefert. Das Stück zeigt die technische Vielseitigkeit des Autors sowie die Symbole und Ausdrucksmittel.

14. Tanz des Lebens, 1899

Tanz des Lebens es ist eine Metapher für die Phasen des Lebens und der Liebe. Es ist eine Outdoor-Szene, deren Hintergrund ein tiefblauer Himmel über einem norwegischen See ist. Am Himmel sehen wir die nördliche Sonne und ihre Spiegelung im Wasser, eines der Symbole, das sich in den Gemälden des Malers immer wieder wiederholt.

Im Vordergrund sehen wir dieselbe Frau in drei Stadien: links ein junges Mädchen in Weiß. Rechts eine einsame, schwarz gekleidete Frau. In der Mitte tanzen die Frau und ihr Mann, als gäbe es die Welt nicht. Das Rot des Kleides symbolisiert Leben und Leidenschaft. Das Paar könnte Tulla Larsen und Munch sein.

Um sie herum tanzen andere Charaktere. Hinter der Frau in Schwarz ist ein grotesker Mann zu sehen, der bereit ist, eine Frau zu missbrauchen. Die Bedeutung dieser Arbeit liegt in der Art und Weise, wie es Munch gelingt, die Vielschichtigkeit seiner inneren Qualen um die Lebensabschnitte zu vermitteln, die er der Liebe zuordnet.

15. Der Tod von Marat, 1907

Während einer Zeit seines Lebens widmete sich Munch der Herstellung verschiedener Versionen von Der Tod von Marat. Unter diesen Versionen präsentieren wir eine aus dem Jahr 1907. Marat war ein französischer Journalist und Politiker aus dem 18. Jahrhundert, der von Charlotte Corday ermordet wurde.

Die Serie scheint Munch selbst als männliche Referenz zu haben und festigt damit die Vorstellung, dass sich der Maler als Opfer der Frauen fühlte. Aus ästhetischer Sicht zeichnet sich die Arbeit durch die Verwendung von Linien als Form der Farbgebung aus. Es ist eine Art Rayonismus, der mit dem modernistischen Stil der geschwungenen Linie und der Verwendung dichter Farbflächen bricht.

16. Badegäste Männer, 1907

Badegäste Männer de Munch zeichnet sich durch seinen lebendigen und lebendigen Charakter aus, der den welligen und dunklen Atmosphären vieler seiner Gemälde entgegensteht. Die Szene zeigt eine Gruppe von Männern an einem FKK-Strand, wo Munch eine Erholungsphase verbrachte.

Munch zeigt sein Talent für anatomisches Zeichnen sowie sein Talent für das Ausmalen. Die angewandte Technik wird von impressionistischen und rayonistischen Prinzipien genährt und scheint in einigen Aspekten mit dem Fauvismus zu dialogieren.

17. Sonne, 1909-1911

Sonne ist ein monumentales Wandgemälde von Edvard Munch, das in der Universität Oslo gefunden wurde. Darin erforscht Munch neue plastische Sprachen, die ihn der abstrakten Avantgarde, insbesondere Kandinsky, Vertreter der Gruppe Der Blaue Reiter, und der lyrischen Abstraktion näher bringen.

Die Symbolik erreicht hier ihren maximalen Ausdruck. Die Sonne wird zur Metapher für das Göttliche, das ihr Licht auf die Welt ausstrahlt und die Schatten der Unwissenheit klärt. Mit dieser Arbeit demonstriert Munch einmal mehr seine gestalterische Freiheit, weshalb er nicht in einem einzigen Stil oder Satz bezeichnet werden kann. Munch offenbart sich als einzigartiger Künstler in ständiger Innovation.

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18. Galoppierendes Pferd, 1912

Im Rahmen Galoppierendes Pferd, sehen wir ein Pferd mit einem Mann an Bord einen Schneeschlitten ziehen. Das auffällige Detail ist der Trail, der für das Kunststück zu eng auffällt.

Der erschrockene Gesichtsausdruck des Pferdes und die Gesinnung der Menschen am Straßenrand lassen uns eine drohende Gefahr begreifen. Die Kinder rechts versuchen zu fliehen, während die Erwachsenen links unerschrocken warten, bevor sie sich bewegen. Es ist eine neue Herangehensweise an das Thema Angst und Angst, so präsent im Autor.

19. Arbeiter im Schnee, 1913

Edvard Munch war auch sensibel für die soziale Realität, die ihn umgab. Ein Beweis dafür sind die verschiedenen Gemälde, die er über die Arbeiter gemacht hat, wie diese Leinwand namens Arbeiter im Schnee.

Im Vordergrund stellt Munch drei Arbeiter dar, die mit ihren Schaufeln als Dreh- und Angelpunkt vor dem Betrachter stehen. In ihnen spürt man Kraft, aber auch Müdigkeit und Alterung.

Die erhobene Faust des Arbeiters, die in der Mitte angeordnet ist, lässt einen Anspruch oder eine Forderung ahnen. Diese drei Männer scheinen auf den Beinen zu sein. Hinter diesen drei Charakteren setzen die anderen Arbeiter ihre Arbeit fort, ohne den Blick des Künstlers und der Gesellschaft zu beachten.

20. Selbstportrait zwischen Uhr und Bett, 1940-1943

Selbstportrait zwischen Uhr und Bett es ist ein Gemälde aus Munchs letzter Schaffensphase. Munch nutzte die Leinwand, um die Nähe des Todes zu symbolisieren, indem er seine Figur zwischen einer Standuhr und dem Bett platzierte. Die Uhr repräsentiert den unaufhaltsamen Lauf der Zeit, und das Bett repräsentiert den Tod als letztes Bett, als ewige Ruhe.

Ein Detail sticht dagegen heraus: Während die Uhr ein antikes Design hat, hat die Bettdecke ein modernes geometrisches Design. Damit drückt Munch sein Gewissen aus über den dramatischen Wandel der Zeit, die er durchleben musste.

Hinter Munch lässt sich eine Art Raum unterscheiden, in dem die Präsenz von referentiellen Werken seines künstlerischen Lebens angedeutet wird, denen er sich mit all seinen Bemühungen widmet.

Siehe auch: Rahmenanalyse Der Schrei von Edvard Munch.

Biografie

Edvard Munch ist ein norwegischer Maler und Grafiker, der am 12. Dezember 1863 geboren wurde und am 23. Januar 1944 starb.

Schon in jungen Jahren hatte er mit Krankheit und Tod zu kämpfen. Tuberkulose forderte zum ersten Mal das Leben seiner Mutter Laura Cathrine Munch, als der Junge erst 5 Jahre alt war. Später verursachte er den Tod seiner jüngeren Schwester Sophie; die seiner Onkel und Jahre später die seines Vaters Christian Munch. Sogar Edvard Munch selbst litt mit 13 Jahren an der Krankheit.

Diese Ereignisse führten dazu, dass der Maler einen schrecklichen Schrecken vor Krankheit und Krankheit entwickelte. Tod und litt daher zeitlebens an Angstzuständen und Depressionen, die seine Recherchen bestimmten determined künstlerisch.

Munch begann 1879 ein Ingenieurstudium, gab diesen Beruf jedoch bald wieder auf, um sich der Malerei zu widmen. Durch seine Reisen nach Paris wurde er von der französischen Kunst des 19. Jahrhunderts beeinflusst. Um 1890 begann er das Projekt zu malen Der Fries des Lebens, eine Serie von Gemälden, die verschiedene Meilensteine ​​des menschlichen Lebens darstellen, basierend auf seinen eigenen Erfahrungen.

Obwohl seine Arbeit zu Beginn für Skandal sorgte, gewann sie schließlich einen wichtigen Platz in den Museen seines Landes und Europas. Nach der Besetzung Norwegens durch die Nazis um 1940 wurden Munchs Gemälde jedoch von den Invasoren zensiert und aus Ausstellungen entfernt.

Das Jahr 1942 markierte jedoch seine endgültige internationale Weihe, indem es in Anerkennung seiner fruchtbaren künstlerischen Arbeit in New York Gegenstand einer Ausstellung war. Zwei Jahre später starb Munch in völliger Einsamkeit.