Fernando Botero: Leben, Merkmale und wichtigste Werke

Fernando Botero ist ein kolumbianischer bildender Künstler, der höchste internationale Anerkennung genießt. Er wird normalerweise als "der Maler der dicken Frauen" bezeichnet, aber weit entfernt von dem, was die meisten glauben, hat Botero kein Interesse daran, "fett" darzustellen. Andererseits hat er es auch, den plastischen Wert des Volumens, den Hauptpunkt seines Vorschlags, bis auf die letzten Konsequenzen zu entwickeln.

Obwohl er heute als Avantgarde-Maler gilt, sorgte sein figurativer Stil anfangs für Ablehnung. Dies erklärt sich dadurch, dass gegen Mitte des 20. Jahrhunderts die künstlerische Welt von der Konzeptkunst bewegt wurde. Einige haben seinen Stil klassifiziert als naiv, andere als Neofigurativismus und sogar als magischer Realismus.

In jedem Fall wird der Band für Botero in jedem darzustellenden Aspekt überprüft, studiert und weiterentwickelt, sei es ein menschlicher Körper, ein Tier oder ein Objekt. Aus diesem Grund hat sein Werk keine thematischen Beschränkungen und deckt alle möglichen Genres ab.

Tatsächlich berichtet das Kulturnetzwerk der Bank der Republik Kolumbien, dass anlässlich einer Ausstellung von Botero im Jahr 1979 erstellt, klassifizierte das Hirshhorn Museum in Washington seine Arbeiten in sechs Kategorien Themen:

1. Religion (biblische Szenen, Porträts von Heiligen, klerikalen Persönlichkeiten und Mythologie);
2. Die großen Meister (Referenzen und Versionen von Leonardo da Vinci, Jan van Eyck, Diego Velázquez usw.);
3. Stille und lebendige Leben;
4. Die Akte und sexuelle Sitten;
5. Politische Persönlichkeiten und schließlich
6. Reale und imaginäre Menschen, einschließlich Genremalerei (Bilder von Bräuchen und Alltag).

Im Laufe seiner Karriere tauchten auch Szenen der Gesellschaftskritik auf, die ganz besonders angesprochen wurden zu lateinamerikanischen Spannungen und Stierkämpfen zu einer authentischen Linie von Darstellung.

Betrachten wir nun die bedeutendsten Werke dieses Malers, der uns immer noch mit seinen neuesten Produktionen überrascht.

1. Die Kamera degli sposi (Hommage an Andrea Mantegna II)

Fernando Botero präsentierte diese Arbeit 1958 auf dem XI. Nationalen Salon kolumbianischer Künstler. Die erste Reaktion der Jury war, das Stück komplett abzulehnen, da es unter anderem als Verstoß gegen die künstlerische Tradition angesehen wurde. Botero macht eine Synthese aus Mantegnas plastischen Werten, die für ihn am relevantesten sind, und reduziert die Komposition auch auf streng vertraute Charaktere. Dazu entfernt es auch die Luft vollständig aus dem Raum.

Marta Traba sah in dieser Arbeit jedoch den Keim eines neuen Looks, der es wert war, geteilt zu werden. Der Einfluss dieses Forschers sollte sich sehr bald ändern: Die zuvor abgelehnte Arbeit stieg auf den ersten Platz im Raum. Zu diesem Zweck schrieb Marta Traba Jahre später in Zeit (Bogotá, DE, 27. April 1966):

... der kreative Sinn wurde zum ersten Mal belohnt, die Kunst als totales Abenteuer angeregt, sie ließ das Unbedeutende zurück Nachbildung der Realität, die logische Vision wurde durch die Hinzufügung von Fantasie, Spott und dem lauten Gewicht von weight verformt Formen".

2. Tote Bischöfe

Botero ironisiert über die Macht über Leben und Tod als Endziel, das diese Macht pulverisiert. Der Maler stapelt eine Reihe von Bischöfen in seinen Gewändern und Machtattributen, die aber wie auf einem Berg übereinander liegen. Dies ist nach den konsultierten Quellen ein wiederkehrendes Element in der kolumbianischen Malerei. Das Bild kann mit der Ankunft der Nationalen Front im Jahr 1958 in Verbindung gebracht werden, als die katholische Kirche ihren politischen Einfluss im Land zu verlieren begann.

3. Mittagessen mit Ingres und Piero della Francesca

Dies war ein weiteres emblematisches Werk des Autors. Der Umgang mit Volumen wird nicht nur in den Charakteren, sondern auch in den von ihnen verwendeten Gegenständen beobachtet. Daher steht auch das Essen im Mittelpunkt. Botero repräsentiert keine Realität, sondern eine imaginäre Realität: Links ein Selbstporträt von Botero, gekleidet in einen gestreiften Anzug mit Krawatte. Mit ihm teilen sie sich den Tisch Piero della Francesca (links), Maler der italienischen Renaissance; Im Zentrum der Szene steht Jean-Auguste-Dominique Ingres, ein französischer Maler des Neoklassizismus.

4. Die Arnolfini-Ehe

Fernando Botero hat mehr als eine Version dieses Gemäldes gemalt. Das war seine Besessenheit vom emblematischsten Werk des flämischen Malers Jan van Eyck.

Botero schätzte van Eycks Art, seine Emotionen oder seine Urteile in der Darstellung der Szene zu subtrahieren. Gefallen hat ihm auch der Umgang mit geometrischen Werten und Volumen.

5. Stillleben mit Wassermelone

In dieser Arbeit gehört er zur Gruppe der Stillleben oder lebendigen Naturen. Die Elemente des Gigantismus, die auf die charakteristischen Objekte eines Stilllebens oder Stilllebens angewendet werden, werden beobachtet. Die Ironie liegt in der Darstellung eines Objekts, das bereits voluminös ist, wie Wassermelone, oder bereits rund, wie Orangen, wobei die Prinzipien der boterischen Technik angewendet werden.

6. Serie Boterosutra

Dieses Stück von Botero ist Teil einer Sammlung erotischer Kunst namens Boterosutra. Es ist eines der jüngsten Werke des Malers und thematisiert erstmals in der kolumbianischen Kunstgeschichte die künstlerische Darstellung der sexuellen Erfahrung zwischen Liebenden. Die Serie besteht aus rund 70 kleinformatigen Arbeiten in verschiedenen Techniken wie Farbzeichnungen, Schwarzweißzeichnungen, Aquarellen und Pinselstrichen.

7. Die Präsidentenfamilie

Die Präsidentenfamilie Es ist eines der emblematischsten Gemälde des kolumbianischen Künstlers. Sie gehört zur Gruppe der politischen Persönlichkeiten. In diesem Gemälde stellt Botero die Präsidentenfamilie dar, fügt aber auch einige Elemente hinzu, die auf das Werk verweisen Las Meninas von Velázquez. Der Prälat rechts und links hinter einer Leinwand, deren Inhalt dem Betrachter verborgen bleibt, ist Botero selbst, der die Szene malt.

8. Die Musiker

Dieses Gemälde kann in die Gruppe der Motive realer oder imaginärer Personen eingerahmt werden, also in die Genreszenen. Botero repräsentiert in ihm eine Band von Musikern mit einem Sänger, unter denen eine festliche Stimmung herrscht.

Wie für Boteros Malerei typisch, gibt es zwischen den Figuren wenig Luftraum. Alle werden zur Mitte der Komposition hin akkumuliert. Der Tonleiterunterschied zwischen Musikern und Sänger umreißt am Ende einen humorvollen und grotesken Ton zugleich.

9. Die Folterungen von Abu Ghrabi

2005 produzierte Fernando Botero eine Serie von mehr als 70 Leinwänden, in denen er offen kritisiert open die Gewalt der US-Regierung im Irak, als die bedauerliche Folter von Abu Ghraib. Botero empfindet dies jedoch nicht als politische Position, sondern als Geste, um die Empörung, die ihm diese Nachricht auslöste, auszulösen.

Die Serie erinnert an den Spanier Francisco de Goya und seine berühmte Stichserie Die Katastrophen des Krieges. Es erinnert auch an die Monumentalität und das politische Engagement des mexikanischen Muralismus.

Siehe auch 5 Schlüssel zum Verständnis der Bedeutung des mexikanischen Muralismus.

10. Der Goring

Eines der wiederkehrenden Themen in Boteros Werk ist der Stierkampf. Einigen Quellen zufolge interessierte sich Botero, bevor er Maler wurde, für das Stierkampfleben und entdeckte dadurch seine Leidenschaft für die Malerei. In diesem 1988 entstandenen Gemälde sehen wir genau den Moment, in dem der Stier den Stierkämpfer spießt. Im Gesicht des Stiers sieht man die Gesten der Befriedigung.

11. Adam

Botero sticht auch in der Skulptur hervor, in die er bewusst die in seiner Malerei entwickelten Elemente der plastischen Darstellung einbringt. In diesem Fall überrascht uns Botero mit der Darstellung Adams, die, anstatt aus der religiösen Erzählung herausgestellt zu werden, als paradigmatisches Konzept des Patriarchats entlarvt wird. Adam dominiert Eva, die er buchstäblich zu seinen Füßen hält, während er das Kind wie eine Trophäe hochhebt. Das Volumen und der Gigantismus der Proportionen in der Körpermasse der Charaktere stechen mit dem kaum anwesenden Mitglied von Adam heraus.

12. Der Kuss des Judas

Zwischen 2010 und 2011 arbeitete Fernando Botero an der Serie Kreuzweg, bestehend aus insgesamt 40 Ölgemälden auf Leinwand und 35 Zeichnungen auf Papier, von denen er dem Museum von Antioquia in Medellín 27 Ölgemälde und 34 Zeichnungen schenkte.

Botero greift die Darstellung biblischer Szenen im Kontext der nichtliturgischen Kunst auf, eine seit dem 19. Jahrhundert mit ehrenvollen Ausnahmen zurückgegangene Bildtradition.

Auf der Leinwand ist der Moment zu sehen, in dem Judas mit den Sadduzäern und der Wache erscheint, um Jesus gefangen zu nehmen. Judas wird mit grünlicher Haut dargestellt, wahrscheinlich ein Zeichen des Todes, den er trägt; Ebenso zeigt es eine Kleidung der aktuellen Zeit (Hose, Gürtel und aufgerolltes Hemd). An seiner linken Hand sieht er eine Armbanduhr. In der rechten Bildecke ist Botero im unteren Maßstab in die Szene eingebunden und zeigt im modernen Anzug mit dem Finger auf das Geschehen.

Fernando Botero

Fernando Botero ist ein Maler, Zeichner und Bildhauer, der 1932 in Kolumbien geboren wurde. Er arbeitete als Illustrator für die Zeitung Die kolumbianische ab 15 Jahren.

Er wurde im Salón de Artistas Colombianos ausgezeichnet und mit dem Preisgeld bezahlte er seine Europareise. Tatsächlich hat Botero viele Jahre außerhalb Kolumbiens gelebt. Alternativ hat er seinen Wohnsitz in den USA, Europa (Frankreich, Spanien und Italien), Lateinamerika und Asien eingerichtet.

Obwohl er sich selbst als Autodidakt wahrnimmt, weil er nicht konsequent ein System von Ausbildung studierte er an der Academia de San Fernando in Madrid und an der Academia de San Marcos de Florenz Er war ein Schüler der Kunst des italienischen Quattrocento. Er war auch ein tiefer Bewunderer der mexikanischen Wandmalerei, von der er seine Vorliebe für Monumentalität geerbt hat.

Seine Arbeit kreist um einen bestimmten plastischen Wert: Volumenbehandlung. Botero stellt durch seinen Vorschlag den Akademismus in Frage, obwohl er die Bildtradition schätzt. Gleichzeitig thematisiert es Alltag, Gesellschaftskritik, Kunstgeschichte und Religiosität durch Ressourcen wie Ironie, Gigantismus, Humor, Projektion einer anderen Realität, Unschuld und Satire.