Impressionismus: Merkmale, Werke und wichtigste Künstler

Die impressionistische Bewegung stellt einen Wendepunkt in der Geschichte der westlichen Malerei dar. Obwohl es nicht als avantgardistische Kunst bezeichnet werden kann, kann man sagen, dass der Impressionismus den Weg für das ebnete, was einige Experten nennen „Der differenzierende Stilwille“ unter den Künstlern, die schließlich die Keimung des avantgardistischen Geistes ermöglichten (Pierre Francastel).

Um 1867 stellte der Maler Edouard Manet seine skandalöse Bilder im Saal der Abgelehnten in Paris aus Olympia Ja Mittagessen im Gras, weil die Jury es des offiziellen Salons nicht würdig fand, wie die Arbeit von fast dreitausend Künstlern.

Auch andere Künstler wie Claude Monet, Edgar Degas oder Pierre-Auguste Renoir wurden systematisch abgelehnt. Sie alle hatten eines gemeinsam: Sie waren überzeugt, dass sie etwas Neues vorzuweisen hatten und dass ihr Standpunkt wertvoll war. Aber was schlugen sie vor und was machte sie so wichtig?

Ein neues Aussehen

Künstler wie Monet, Renoir, Berthe Morisot, Guillaumin, Degas, Sisley oder Pissarro und viele andere teilten gemeinsame plastische Werte und Prinzipien. Zunächst schlugen sie eine Bürgerkunst par excellence vor.

Als die Industrialisierung voranschritt und sich die europäischen Städte modernisierten, sagten die Richter des offiziellen Pariser Salons sie waren noch an vormodernen Themen gebunden: Hirtenlandschaften, die Pflanzenwelt, die großen historischen Mythologien, usw.

Die Impressionisten hingegen erkannten die moderne Stadt als Landschaft, weil sie verstanden, dass historische Veränderungen auch die Funktion der Kunst beeinflussten.

Musste man zum Beispiel früher viel Geld und Zeit aufbringen, um ein Porträt in Auftrag zu geben, so ist es jetzt mit der Erfindung des Fotografie, das war in wenigen Minuten und zu sehr geringen Kosten möglich, mit dem Vorteil, dass das Bild abspielen.

Diese unzufriedenen Künstler fragten sich: Wird eine Kunst, die die Welt der alten Ideen kaum "dokumentiert" und deren Sprache sich nicht entwickelt, noch lebensfähig sein? Wird eine Kunst, die sich darauf beschränkt, die Natur bis zur Perfektion darzustellen, nützlich sein? Porträtieren ist Fotografie! Kunst kann natürlich noch viel mehr! Es ist eine Frage der Perspektive, werden sie sagen.

Erstens nutzten die Impressionisten die Tatsache, dass die Fotografie in Schwarzweiß war. Später ermöglichten einige industrielle Fortschritte gewisse Veränderungen in den Produktionsweisen von Kunst. Dank der Industrialisierung konnten Künstler beispielsweise Ölfarben in Tuben haben, die es ihnen ermöglichten, nach draußen zu gehen, um zu malen, ohne Angst vor dem Austrocknen der Farbe zu haben.

Durch leises Arbeiten im Freien zielten sie darauf ab, schöne, aber augenblickliche Lichtphänomene darzustellen, die Geschwindigkeit erforderten fangen Sie sie auf der Leinwand ein: einen Sonnenuntergang, die Lichtreflexion auf dem Wasser, die Art und Weise, wie Beleuchtung die Farbe der Dinge verändert,- usw.

So begannen sie, eine neue Technik zu entwickeln, die zu einer echten Bildschule werden sollte, die sich auf Licht und Farbe konzentrierte. Sehen wir uns an, welche Techniken und Eigenschaften den Impressionismus definiert haben.

Merkmale des Impressionismus

Die Impressionisten verstanden die Wirklichkeit als ständiges Werden und nicht als sein Fertig. Für diese Künstler sind die Dinge nicht Sie sind; einfach die dinge scheinen.

Deshalb öffneten sie sich der sinnlichen Wahrnehmung des Augenblicks, des unwiederholbaren Augenblicks, der sofort und schnell registriert werden musste. Zu den charakteristischen Elementen des Impressionismus gehören:

Licht als Grundinteresse

Die Impressionisten etablierten als grundlegenden Punkt das Studium des Lichts durch die Bildtechnik. Sie verstanden, dass Farben keine Eigenschaft von Objekten sind, sondern das Ergebnis der Lichtbrechung an Materie.

Bisher wurde Licht in der Kunst als Symbol der Göttlichkeit oder des Wissens (gotische Kunst) oder als plastisches Element zur Erzielung definierter Volumen und realistischer und naturalistischer Darstellungen (Renaissance, Klassizismus).

Die Impressionisten stellen das Licht selbst in den Mittelpunkt des Interesses und konzentrieren sich daher auf die Darstellung seiner Wirkung. Das heißt, sie untersuchen Licht als Phänomen: sein Verhalten, seine Entwicklung im Moment, die Art und Weise, wie es mit Objekten interagiert. Daher folgen alle von ihnen entwickelten Techniken und Eigenschaften dieser Grundlage. Es wird in den folgenden Punkten deutlich.

Neue Rahmen und Standpunkte

Viele impressionistische Künstler erforschten Winkel, Perspektiven und Rahmungen, die in der Malerei noch nie zuvor gesehen wurden. Die Fotografie folgte damals der klassischen Ästhetik der Renaissance, aber es waren bereits neue Ansätze und Blickwinkel erkennbar. Von diesen Möglichkeiten verführt, lösten sich die Impressionisten von der klassischen, frontalen und symmetrischen Rahmung und wählten unerwartete Blickwinkel in der Malerei.

Darüber hinaus interessierten die Impressionisten die Momente, die unbemerkt bleiben oder die Szenen, die den Augen der Zuschauer verborgen bleiben, wie dieses Beispiel von Edgar Degas. Im obigen Bild sehen wir, wie Degas eine Ballettprobe auf der Bühne aus dem Orchestergraben darstellt, wie es das Riso eines Kontrabasses in der unteren linken Ecke vorwirft.

Verzicht auf korrekte Zeichnung

Perfekt umrissenes Zeichnen wird für Impressionisten unpraktisch. Viele von ihnen eliminieren die Linie und projizieren die Volumen der Formen, indem sie direkt färben, was große Meisterschaft zeigt.

Andere, wie Tolouse-Lautrec oder Edgar Degas, werden die Linie weiterhin verwenden, aber es wird keine definierte und klare Linie mehr sein, sondern eher mit einem etwas nervösen Rhythmus, mit Revisionen und plötzlichen Eindrücken.

Overlay-Farben auf der Leinwand

Jetzt müssen die Impressionisten keine Farben auf der Palette mischen. Tatsächlich werden viele von diesem Durchgang befreit und gehen auf der Suche nach Lichtphänomenen ins Freie. Beeinflusst von optischen Theorien mischen Impressionisten Farben direkt auf der Leinwand.

Dies erreichen sie durch zwei Techniken: Entweder sie mischen eine Farbe über die andere oder sie haben eine Grundfarbe. nebeneinander, so dass aus der Ferne gesehen die Schwingung zwischen beiden die Wahrnehmung der Sekundärfarbe erzeugt. Dies erfordert eine gewisse Komplizenschaft des Betrachters.

Siehe auch Claude Monet und seine Werke.

Pinselstriche, Pinselstriche und Punkte

Wenn es darum geht, Farben so schnell wie möglich zu überlagern, um die flüchtige Wirkung des Lichts einzufangen, ist es am besten, an Details zu sparen. So werden die Impressionisten bevorzugen direkte Pinselstriche, oft mit dicke Striche oder mit Pinselstriche. Sie verwenden auch die Überlagerung von Punkte Teig mit Volumen zu erzeugen.

Fehlen von Oberflächen und Unterdrückung von Details zugunsten des Ganzen

Da Lichtphänomene umständlich und kurz sind, müssen impressionistische Maler die in der Kunst der Vergangenheit so bewunderten Details unterdrücken, um die Beobachtung des Ganzen zu begünstigen.

Bei all diesen Techniken fehlt es der Arbeit an feinen Oberflächen; die Linien werden offen gelassen, die Texturen porös und die Linien, wenn sie existieren, unzusammenhängend oder überprüft.

Darin liegt auch ein psychologisches Spiel: Die Wahrnehmung wird im Gehirn des Zuschauers vervollständigt, der trotz von diesen Details schafft er es, in seinem Gehirn ein abgegrenztes Bild zu registrieren, wenn er die Arbeit in seinem. betrachtet einstellen.

Beiläufige oder belanglose Themen

Die Kunst vor dem Impressionismus und sogar andere parallele Strömungen bestand darauf, transzendente Inhalte als Begründung für den Wert des künstlerischen Werks darzustellen. Jede nackte Frau war eine Venus, nie eine einfache Frau. Der Tod musste heroisch oder transzendent sein; die Landschaft, ein Traum aus anderen Zeiten; persönliche Gefühle, eine Flagge zu verteidigen; Armut, ein Thema, das man anprangern muss.

Die Impressionisten lassen diese Welt hinter sich und erkennen die Realität, die sie vor der Nase haben: Für den Impressionismus war eine nackte Frau eine nackte Frau.

Beispielsweise, Olympia Es war ein Gemälde von Manet, inspiriert von den bekannten Venus von Urbino, gemalt von Tizian im 16. Jahrhundert, aber die Attribute der Venus wurden gegen die Attribute einer Prostituierten ausgetauscht. Und was für ein Skandal! Es kostete ihn fast die Zensur der Bilder Olympia Ja Mittagessen im Gras zu Manet.

Darüber hinaus wird auch die durch die Industrielandschaft bereits veränderte Stadt darstellungswürdig, sowie alles daran: die Menschen, die Bahnhöfe, Partys, Mahlzeiten, böhmisches Leben, der Park, Proben, der Orchestergraben, Pferderennen, Glücksspiele, die Boulevard…

Aber in Wirklichkeit tun sie dies nicht, um diese Probleme selbst zu würdigen. Sie tun es, um die Bedeutung von Kunst und plastischer Sprache zum Thema Repräsentation zu bestätigen. Jedes Motiv ist für sie eine Entschuldigung für ein gutes Gemälde. Es ist nicht das Thema, das ein Werk wichtig macht, sondern die Art, es darzustellen. Damit beschreiten die Impressionisten den Weg der Autonomie der Kunst.

Vom Abgelehnten zum Impressionisten: Ursprung des Begriffs

Die Künstler, die auf diese Weise malten, teilten viele ihrer Reflexionen miteinander und fühlten sich als Teil eines Kollektivs. Sie schätzten Originalität über Perfektion. Darüber hinaus verlangten sie einen wagemutigen, mitschuldigen Zuschauer, der bereit war, einen neuen Standpunkt zu teilen.

Doch diese Generation der sogenannten "Impressionisten" musste sich der Ablehnung stellen und stellte als erste offen die Bildtradition basierend auf Respekt vor definitive Zeichnung, das räumliche Tiefe, das Chiaroscuro und sicherlich die transzendente Themen (historische, mythologische, religiöse, literarische und Porträts großer Persönlichkeiten).

Natürlich gab es im 19. Jahrhundert etwas leichtere Themen. Die Tradition von Brauchtumsszenen, Stillleben, Hirten- und Meereslandschaften ist lang. Doch damit ein Werk den offiziellen Grand Salon in Paris betreten konnte, musste es damals den großen Themen und aktuellen plastischen Werten entsprechen.

Der Amtssaal existierte seit dem 18. Jahrhundert und war die wichtigste Plattform zur Förderung der Künstlerweihe. Alle kämpften um den Auftritt in der Halle. Aber die Impressionisten wurden systematisch abgelehnt.

1863 hatte die Jury des offiziellen Pariser Salons so viele Werke abgelehnt, dass ein Skandal ausgelöst wurde. Angesichts der Beschwerden der Künstler, die die Öffentlichkeit zu Wort kommen lassen wollten, bezuschusste die französische Regierung einen Saal der Abgelehnten, an dem Manet teilnahm. Die Katastrophe war so groß, dass die Regierung die Initiative nie wieder wiederholte.

Inspiriert von Manet beschlossen die neuen Talente, eine Aktiengesellschaft von Malern, Bildhauern und Graveuren zu gründen und schließlich 1874 eine eigene Halle der Abgelehnten zu organisieren. Die Ausstellung fand in einem vom Fotografen Nadar zur Verfügung gestellten Raum statt und viele Menschen kamen aus Neugier, aber ohne Glauben.

Tatsächlich war der Kritiker Louis Leroy gekommen und war besonders erstaunt über das Gemälde von Claude Monet mit dem Titel Impression der aufgehenden Sonne. Dann veröffentlichte er eine Kritik in der Presse, die sagte:

„Als ich mir die Arbeit ansah, dachte ich, meine Brille sei schmutzig. Was stellt diese Leinwand dar?..., das Gemälde hatte kein richtig oder falsch... Eindruck! Natürlich erzeugt es einen Eindruck... die Tapete im embryonalen Zustand ist mehr fertig als dieses Marine... "

Verärgert, aber mit List und Eleganz, nahmen die angehenden Künstler die Disqualifikation als Namen der Bewegung an. Impressionisten! Ja, das werden wir, und das mit großer Ehre: Impressionisten!

Und was zunächst Ablehnung war, wurde früher als später zur längsten Standing Ovation in der modernen Kunst. Das Interesse am Impressionismus ist so extrem, dass heute diese Bewegung, so flüchtig wie die Sonnenuntergänge, die er malte, hat in Paris eigene Museen: das Musée d'Orsay und das Musée de la Orangerie.

Aber Vorsicht! Es stimmt, dass die Bewegung nicht lange dauerte, aber ihr Einfluss ist in der Kunst der Nachwelt präsent, sowohl in der europäischen als auch in der lateinamerikanischen Kunst.

Siehe auch 16 Vincent Van Gogh-Gemälde.

Bedeutende impressionistische Künstler

Es gibt viele Künstler, die in der impressionistischen Bewegung den Ton angeben. In diesem Abschnitt werden wir einige der wichtigsten erwähnen, die an der ersten Ausstellung teilgenommen haben:

Edouard Manet (1832-1883)

Er war wirklich ein Übergangsmaler, der sich nie ganz wohl fühlte, in die impressionistische Bewegung eingeordnet zu werden, oder zumindest anfangs nicht. Es war jedoch eine grundlegende Inspiration für junge Maler, insbesondere seit seiner Ausstellung im Saal der Abgelehnten. Unter seinen berühmten Werken sticht heraus Frühstück auf der Wiese, Olympia Ja Eine Bar aux Folies Bergère.

Claude Monet (1840-1926)

Der Name der impressionistischen Bewegung ist indirekt auf Monet zurückzuführen. Er konnte eine feine und wundervolle Entwicklung der Lichteffekte in allen möglichen Oberflächen, wie auf Seerosen, Wasser, trübe Atmosphären und Texturen der Vegetation. Unter seinen wichtigsten Werken sticht hervor Impression der aufgehenden Sonne und die serie von Seerosen.

Siehe auch Claude Monet und seine Werke: Eigenschaften, Analyse und Bedeutung.

Camile Pissarro (1830-1903)

Er war besessen davon, hervorzuheben, wie Licht jede Landschaft vor den Augen des Betrachters in eine völlig neue Realität verwandelt. Beeinflusst von seinen Reisen in die Karibik, wo er die Lichtwirkungen an den Küsten Venezuelas untersuchte, Pissarro malte seine Bilder wie Schnappschüsse und fängt die vielen Gesichter desselben ein Wirklichkeit. Unter seinen wichtigsten Werken können wir die Reihe der Boulevard de Montmartre Ja Sonnenuntergang bei Éragny.

Edgar Degas (1834-1917)

Dieser Maler ist bekannt für die systematische Entwicklung von Themen wie Tänzer, Musiker und Pferde. Neben der sehr guten Erfassung von Lichteffekten war Degas wie jeder Impressionist sehr an innovativen Aufnahmen und augenblicklichen oder flüchtigen Momenten interessiert. Aus diesem Grund legte er keinen Wert auf die "Posen", sondern auf die von der Tradition wegen "fehlender Eleganz" verworfenen Körperdrehungen: a Frau, die ihre Schuhe bindet, während ihre Knie schräg ausgehen, in dem Moment, in dem eine Seife in die Badewanne fällt und sie angehoben werden muss usw. Zu seinen Werken gehören: Tanzklasse Ja Absinth.

Siehe auch 14 emblematische Werke von Edgar Degas.

Berthe Morisot (1841-1895)

Sie war eine prominente Frau in der Bewegung, was zu ihrer Zeit nicht einfach war. 1864 gelang es ihr, im Pariser Salon auszustellen, schloss sich jedoch bald der impressionistischen Bewegung an. Edourad Manet war ab 1868 sein persönlicher Freund, seit dieser Zeit wurde Morisot zu einem wiederkehrenden Thema in seiner Malerei.

Bereits 1873 vom impressionistischen Stil berührt, wurde es von der Jury des offiziellen Salons abgelehnt. So schloss er sich der großen Ausstellung der Gruppe an, die allen die lang ersehnte professionelle Projektion bescherte. Unter seinen berühmtesten Gemälden können wir erwähnen Die Wiege Ja Eugene Manet auf der Isle of Wight.

Pierre-August Renoir (1841-1919)

Sein Stil ist geprägt von der Porosität seiner Linie. Es schafft Atmosphären mit unbestimmten Punkten, ohne klare Konturen, in denen sich die Farben vermischen und die Flächen nicht unterschieden werden, als wäre alles gewebt und von jedem Element gehalten. Berühmt sind die Szenen, die das bürgerliche Leben seiner Zeit darstellen, die Mittagessen, die Partys, die Spaziergänge. Renoir ist berühmt für seine Werke Tanzen Sie in der Moulin de la Galette Ja Das Mittagessen der Ruderer.

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Andere Namen von entscheidender Bedeutung

Jede Liste ist normalerweise unfair. Viele sind die Namen fundamentaler impressionistischer Maler in der Entwicklung der Bewegung. Wir können sie nicht alle entwickeln, aber wir können zumindest alle Namen erfassen, die an der ersten Ausstellung teilgenommen haben, die der Bewegung Impulse gab.

Neben Manet, Monet, Renoir, Morisot, Pissarro und Degas finden wir in der ersten impressionistischen Ausstellung Alfred Sisley, Paul Cézanne, Gustave Colin, Louis Debras, Armand Guillaumin, Louis Latouche, Ludovic-Napoléon Lepic, Stanislas Lépine, Zacharie Astruc, Antoine-Ferdinand Attendu, Édouard Béliard, Eugène Boudin, Félix Bracquemond, Édouard Brandon, Pierre-Isidore Bureau, Adolphe-Félix Cals, Jean-Baptiste-Léopold Levert, Alfred Meyer, Auguste de Moulins, Mulot-Durivage, Joseph de Nittis, Auguste-Louis-Marie Ottin, Léon-Auguste Ottin, Léopold Robert und Henri Rouart.

Von da an werden sich viele weitere der Bewegung anschließen und eine grundlegende Wendung zur Entwicklung der postimpressionistischen und avantgardistischen Sprache einschlagen.

Warum ist der Impressionismus keine Avantgarde-Bewegung?

Trotz allem, was der Impressionismus die Bildtechnik revolutioniert hat, wird er nicht berücksichtigt eigentlich eine Avantgarde-Bewegung, obwohl anerkannt wird, dass sie der Schlüssel zur Entwicklung von. war Werte wie künstlerische Originalität Ja Persönlicher Stil.

Ungeachtet all des Einflusses, den er ausgeübt haben mag, blieb der Impressionismus einer zentrales Konzept der gesamten westlichen Bildtradition: Sie blieb eine Kunst, die die Natur naturalistische Kunst (nicht zu verwechseln mit der literarischen und bildnerischen Bewegung, die als Naturalismus bekannt ist).

Dies bedeutet, dass der Impressionismus weiterhin die Grundprinzipien der Figuration Ja Wahrhaftigkeit, obwohl mit der Domäne der Linie, der räumlichen Tiefe und des Hell-Dunkels sowie der Verpflichtung zur Darstellung transzendentaler Themen gebrochen wurde.

Mit einer erneuerten Bildsprache und lässigen und modernen Themen öffneten impressionistische Künstler neuen Generationen die Tür, um revolutionäre Ideen zu erforschen. Sicherlich hat die Welt dem Impressionismus viel zu verdanken, von Postimpressionisten und Avantgarden bis hin zu zeitgenössischen Künstlern.

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