Die 25 repräsentativsten Gemälde der Renaissance, um ihre Beiträge zu verstehen

Die große malerische Revolution der Renaissance fand konkret im 15. Jahrhundert statt, bekannt als Quattrocento. In einem Umfeld wachsender intellektueller Neugier ermöglichte die Verbesserung und Verbreitung der Ölmalerei die Verwendung von die Leinwand als Unterlage, damit sich das Gemälde von den Wänden lösen konnte, und dies begünstigte das Sammeln besonders.

So wurden neue Genres wie das Porträt geschaffen und das Interesse an Landschaft und Stillleben geboren, wenn auch noch nicht als eigenständige Genres. Auch Akte und nichtchristliche mythologische, historische und allegorische Themen erschienen. Religiöse Themen waren weiterhin an der Tagesordnung, allerdings aus anthropozentrischer Sicht.

Als nächstes machen wir eine chronologische Tour durch die berühmtesten Gemälde der Renaissance, um die Beiträge und Innovationen jedes Künstlers und die Entwicklung des Stils im Laufe der Zeit festzuhalten.

1. Heilige Dreifaltigkeit mit der Jungfrau, dem Heiligen Johannes und den Spendern, von Masaccio (1425-1427)

Frisch Heilige Dreifaltigkeit, mit der Jungfrau, dem Heiligen Johannes und Spendern Es stellt den Ausgangspunkt der Renaissance dar, da die großen plastischen und kulturellen Veränderungen der Zeit zusammenkommen. Die lineare Perspektive, das Hell-Dunkel und die Trompe-l'oeil-Technik stechen hervor. Das Tonnengewölbe, römisch inspiriert, nimmt Veränderungen in der Renaissancearchitektur vorweg. Neben den sakralen Charakteren werden die Stifter porträtiert, was dem religiösen Thema ein anthropozentrisches Aussehen verleiht. Dies zeigt die Wertschätzung, die die Generation für sich hatte.

2. Die Ankündigung, von Fra Angelico (1425-1426)

Auf Die AnkündigungFra Angélico erbt aus dem Mittelalter den Geschmack für das Detail der Vegetation, bringt aber Ressourcen aus der Renaissance mit. Er hat die nüchterne griechisch-lateinische Architektur verwendet und ihre Linien genutzt, um die Perspektive zu betonen. Um eine größere räumliche Tiefe zu erreichen, hat er verschiedene Öffnungen geöffnet, die übereinander liegende Flächen erzeugen: Eine Tür führt in einen Raum und zeigt auf der Rückseite ein dezentes Fenster. Der Garten links verweist auf die Vertreibung von Adam und Eva aus dem Paradies. Unten sehen wir eine Reihe von Szenen aus dem Leben Mariens. Diese Art von Zeilen mit Szenensequenzen an der Basis der Frames werden Pre-Les genannt.

3. Die Arnolfini-Ehe, von Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck war ein flämischer Maler, der die Ölmalerei perfektionierte und half, sie zu verbreiten. Dieses besondere Werk ist eines der frühesten Bildporträts der Geschichte. Geladen mit Symbolen vermittelt es die Bedeutung und Würde der Charaktere, die eine gute soziale Stellung einnehmen. Van Eycks Genie ist jedoch nicht da.

Der Maler führt im Hintergrund einen Spiegel ein, der mit den Darstellungsebenen spielt. Darin zeigt er die Spiegelung zweier Charaktere, die in der Hauptszene nicht sichtbar sind, und erzeugt so die Illusion, dass sie die Positionen des Betrachters einnehmen. Diese Ressource wird wahrscheinlich inspiriert haben Meninas von Velázquez, mehr als zweihundert Jahre später.

4. Die Jungfrau des Kanonikers Van der Paelevon Jan van Eyck (1434-1436)

Die Jungfrau des Kanonikers Van der Paele entspricht einem in der Renaissance weit verbreiteten Genre, genannt Heiliges Gespräch (heiliges Gespräch), in dem die Jungfrau in einem intimen Rahmen ein Gespräch mit den Heiligen führt. In diesem Fall ist der Stifter enthalten, Canon Van der Paele, präsentiert von Saint George. Er tritt auf das Kanonengewand und erinnert sich daran, dass er der geistlichen Macht untergeordnet ist. Seine Präsenz auf der Bühne rechtfertigt jedoch seine soziale Rolle in der zeitlichen Macht.

Die Leinwand unterstreicht die Behandlung der Kleidung und die Fülle der Details. Das Glitzern der St.-Georgs-Rüstung bietet Jan van Eyck einen Vorwand, Reflexionen zu verwenden. Sie können das Spiegelbild des Künstlers und der Jungfrau sehen, das als makelloser Spiegel der göttlichen Gnade konzipiert ist.

5. Die Schlacht von San Romano, von Paolo Uccello (ca. 1438)

Die Schlacht von San Romano von Paolo Ucello ist ein Triptychon mit Szenen aus der Schlacht, in der Florenz Siena während der Lombardei-Kriege besiegte. Ursprünglich von der Familie Bartolini in Auftrag gegeben, ging es bald in die Medici-Sammlung über. Mittelalterliche Elemente sind noch vorhanden, wie die Fülle von Details, die das Beschreibende akzentuieren. Es gilt jedoch aufgrund der Verwendung von Perspektive und Verkürzung als Meisterwerk.

Foreshortening besteht in der Darstellung eines Objekts im rechten Winkel zum Betrachter. Wir können sie im Detail im Panel sehen Die Entwaffnung von Bernardino della Ciarda, sowohl bei den gefallenen Pferden, als auch beim temperamentvollen Pferd und dem weißen Pferd rechts.

6. Die Krönung der Jungfrau, von Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Die Krönung der Jungfrau Es ist ein Altarbild, das Fillipo Lippi von Francesco Moringhi für die Kirche San Ambrosio in Auftrag gegeben hat. Anstelle eines himmlischen Raumes scheint sich alles in einem theatralischen Raum abzuspielen, der an einen königlichen Saal erinnert, in den die Heiligen, der Stifter und Lippi selbst eingeladen wurden. Wie wir sehen, bestand die italienische Renaissance auf einer anthropozentrischen Sicht des Himmels.

7. Der Abstieg vom Kreuz, von Rogier van der Weyden (ca. 1443)

Rogier van der Weyden war ein flämischer Maler. Sein bekanntestes Werk ist Der Abstieg vom Kreuz, ursprünglich gemalt für die Liebfrauenkapelle vor den Mauern von Löwen. Die Anatomie ist nicht excata, denn sie wurde absichtlich korrigiert, um formale Eleganz zu bevorzugen.

Auch die Proportionen werden bewusst verändert, um die Körper in der Komposition zu verteilen. Die Jungfrau Maria und Jesus scheinen einander zu spiegeln: wie die Mutter der Sohn; wie der Sohn, die Mutter. Das Gemälde gewinnt in der Behandlung von Ausdruck, Kleidung und Texturen.

8. Die Geißelung Christi, von Piero della Francesca (1455-1460)

Auf Die Geißelung Christi, Piero della Francesca behält die religiöse Szene im Hintergrund und zeichnet sich durch ihre Kälte aus. Es gibt keine Emotionen in den Charakteren. Das Thema scheint fast eine Entschuldigung für die Entwicklung des plastischen Programms der Renaissance zu sein, basierend auf in linearer Perspektive, kompositorischer Geometrisierung und Verherrlichung der Architektur klassizistisch. Bestätigt wird es im Gespräch von drei zeitgenössischen Charakteren, deren Identität noch nicht geklärt ist.

9. Melun Diptychon, von Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet war ein französischer Maler, der die künstlerische Sprache Frankreichs durch den Einfluss der flämischen und italienischen Malerei erneuerte. Das fragliche Werk war als Diptychon für das Grabmal der Frau seines Direktors Étienne Chevalier konzipiert. Beide Tabellen stehen in Kontrast zueinander.

Auf der linken Tafel hat der Maler Etienne Chevalier und Saint Stephen, seinen Gönner, in einem klassischen architektonischen Raum dargestellt. Rechts die Jungfrau mit Kind und Engeln. Marias nackte Brust bezeichnet sie als die Krankenschwester der Menschheit. Es wird angenommen, dass das Gesicht der Jungfrau das Gesicht der Geliebten des Kunden, Agnès Sorel, war. Obwohl das Thema heilig erscheint, hat es einen stark profanen Charakter.

10. Reise der Magier, von Benozzo Gozzoli (1459)

Im Palazzo Medici Riccardi in Florenz befindet sich ein Raum, der Kapelle der Heiligen Drei Könige genannt wird, in Anspielung auf die drei Fresken von Gozzoli, die die Kavalkaden der Heiligen Drei Könige erzählen. Das Werk ist nicht nur aufgrund seiner kompositorischen Komplexität ein Meisterwerk, sondern auch ein Erhöhung der Macht der Familie Medici, deren Gesichter in den Charakteren zu finden sind repräsentiert.

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11. Das Haus der Ehegatten, von Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna zeichnet sich in diesem Fresko durch die Verwendung von Renaissance-Techniken wie dem Trompe-l'oeil aus, in einem klaren Bemühen, die Grenzen zwischen Malerei und Realität zu verwischen. Das Bild, das wir sehen, entspricht nur einer der Wände von Die Kammer der Ehemänner. Wie der Rest feiert es den Ruhm der Familie Gonzaga, große Gönner ihrer Zeit.

12. Klage über den toten Christus, von Andrea Mantegna (1475-1478)

Wenn Andrea Mantegna zu irgendeinem Zeitpunkt sich selbst übertrifft, ist es in der Klage über den toten Christus. Das Stück zeichnet sich durch den meisterhaften Einsatz der Verkürzungstechnik aus. Mit dieser Ressource bindet Mantegna den Betrachter in die Szene ein und fordert das traditionelle Kompositionsmodell heraus. Auch die Darstellung der Fraktionen der Charaktere sticht heraus. Maria ist kein junges Mädchen, sondern ein schmerzgealtertes Gesicht. Die Strenge der Szene unterstreicht die schreckliche Natur von Tod und Verwüstung für die Trauernden.

Siehe auch: Die Leidenschaft Christi in der Kunst

13. Polyptychon von San Vicente, von Nuno Gonçalves (1470-1480)

Das Polyptychon von San Vicente Es ist eines der Meisterwerke der portugiesischen Renaissance. Es wird Nuno Gonçalves zugeschrieben und stellt 58 Charaktere zusammen mit dem Heiligen Vincent dar, der in den Mitteltafeln wie ein Spiegelbild doppelt erscheint.

Es zeichnet sich durch die Darstellung der verschiedenen Schichten der portugiesischen Gesellschaft aus, in Haltungen und Gesten entsprechend ihrem Zustand. Von links nach rechts haben wir das Panel der Brüder; das Gremium der Fischer; die Tafel des Infanten Don Enrique (Enrique der Seefahrer); die Tafel des Erzbischofs; die Rittertafel und die Reliquientafel.

14. Die Anbetung der Heiligen Drei Könige, von Sandro Botticelli (1475)

Die Anbetung der Heiligen Drei Könige de Botticelli ist eine grundlegende Referenz des italienischen Quatrocento. Bis Botticelli stand die Heilige Familie auf der einen Seite der Szene und begrüßte die Gläubigen auf der anderen Seite. Botticelli platzierte es in der Mitte der Komposition und an der Spitze einer Pyramide und ordnete die Anbeter von Seite zu Seite und sogar einen von ihnen davor.

Der Maler hat auch die Heiligen Drei Könige mit den Gesichtern der Familie Medici dargestellt: Cosimo und seine Söhne Piero il Gottoso und Giovanni. Andere Familienmitglieder und ihre Verbündeten werden porträtiert, und Botticelli selbst ist in der Figur enthalten, die den Betrachter ansieht.

15. Übergabe der Himmelsschlüssel an Sankt Peter, aus Perugino (1482)

Dieses Werk von Perugino wurde von Papst Sixtus IV., dem Erbauer der Sixtinischen Kapelle, in Auftrag gegeben. Das Fresko entspricht der Idee der Übertragung der Autorität von Gott an die Kirche, vertreten durch den heiligen Petrus. Die Arbeit ist ein meisterhafter Ausdruck der eigenen Luftperspektive und Tiefe des Malers. Im Vordergrund sehen wir die Hauptfiguren: Jesus, die Apostel und verschiedene Renaissancefiguren. Im letzten das achteckige zentrale Pflanzengebäude, Symbol der Universalität des Papsttums.

16. Die Geburt der Venus, von Sandro Botticelli (1482-1485)

Die Geburt der Venus, von Sandro Botticelli, war ursprünglich Teil eines Möbelstücks, und deshalb sehen wir wahrscheinlich keine so umfassende Entwicklung der Landschaft. Die Aufmerksamkeit, die ihm zuteil wird, hat zum Teil mit der Behandlung des Themas zu tun, das kein heiliges Thema mehr ist. Wir begleiten den Mythos vom Ursprung der Venus oder Aphrodite, Göttin der Fruchtbarkeit und Erotik.

Mit dieser Arbeit legitimierte Botticelli die Darstellung des weiblichen Ganzkörperakts in der Kunst zu profanen Themen. Aber Venus ist hier kein völlig ausgestellter Charakter, sondern eine bescheidene Venus, die mit ihren Haaren ihre "Scham" verdeckt. Somit wurde dieser Akt als Darstellung der Tugend im Kontext des philosophischen Denkens der Zeit gerechtfertigt.

Siehe auch Die Geburt der Venus von Sandro Botticelli

17. Jungfrau der Felsen, von Leonardo da Vinci (1483-1486)

Dieses Stück von Leonardo wurde von den Mönchen von San Donato bestellt, was die zentrale Bedeutung des religiösen Themas erklärt. Leonardo hat ein Element der Renaissance-Tradition modifiziert: Statt einer architektonischen Landschaft hat er die Szene in eine felsige Naturlandschaft eingerahmt. Die Figuren bilden eine Pyramide und sind dank eines der bekanntesten Glücksspiele des Malers zart umrissen: der Technik des sfumato.

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18. Porträt von Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, von Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Dieses Werk von Ghirlandaio ist ein beispielhafter Ausdruck des Porträtgenres in der Renaissance. Passend zu den wiederbelebten Werten der klassischen Antike zeigt es idealisierte Proportionen und Züge sowie eine zurückhaltende oder abwesende Ausdruckskraft. Um deine Charaktereigenschaften zu zeigen, sind einige persönliche Gegenstände enthalten: Schmuck gibt Bericht über sein öffentliches Leben, während das Gebetbuch und der Rosenkranz von seinem Leben berichten spirituell.

19. Das letzte Abendmahl, von Leonardo da Vinci (1498)

Das letzte Abendmahl Es ist eines der bekanntesten Werke Leonardos. Es zeichnet sich durch die intellektuellen und philosophischen Bezüge der Szene, aber auch durch seine Dramatik aus. Ohne auf die Balance der Renaissance zu verzichten, ist das Werk in seinen Charakteren mit emotionaler und psychologischer Spannung aufgeladen, die die scheinbare Kälte vieler früherer Kompositionen herausfordert. Der schlechte Erhaltungszustand ist teilweise auf Leonardos Versuch zurückzuführen, Tempera und Öl zu mischen, um Korrekturen am Gips vorzunehmen.

Siehe auch:

• Das letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci
• Die Mona Lisa oder La Gioconda von Leonardo da Vinci
• Der vitruvianische Mensch von Leonardo da Vinci

20. Santo Domingo und die Albigenser oder Der Test des Feuers, von Pedro Berruguete (1493-1499)

Der spanische Pedro Berruguete stellt eine Passage dar, nach der Santo Domingo de Guzmán vorgeschlagen hätte ein Lagerfeuer bauen, um die Bücher der ketzerischen Gruppen in der Stadt Albi zu testen, Frankreich. Das Feuer verzehrt die ketzerischen Bücher, während das kanonische Buch in der Luft schwebt.

Das Werk drückt die politische Mentalität der Ära der Katholischen Könige aus, die durch die Bekämpfung der Ketzerei die Einheit des Königreichs suchten. Betont formal die Kostbarkeit der Details, die deutliche Flamenco-Inspiration sowie die Vorliebe für Gold, die aus der Gotik stammt und in der Frührenaissance hoch geschätzt wurde.

21. Selbstportrait, von Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer war ein großer Meister der deutschen Renaissance. Dieses berühmte Selbstbildnis, das auf den ersten Blick für eine Ikone Jesu Christi steht, zeigt zwei Schlüsselinschriften: rechts heißt es "Ich male mich mit unauslöschlichen Farben". Auf der linken Seite das Datum, das sein Alter anzeigt, 28 Jahre.

Die Frontalität seines Porträts ist ziemlich gewagt. Trotz der Tradition, die diese Pose den Ikonen Jesu vorbehalten - und auch die Geste der Hand, leicht verändert-, spielt Dürer die Identitätswende mit dem religiösen Referenten und verwechselt bewusst die Zuschauer.

22. Der Doge Leonardo Loredan, von Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, ein Maler im Dienste der Republik Venedig, liefert dieses großartige Porträt des Dogen Leonardo Loredan. In diesem brillanten Werk gelingt es ihm, dank des ausdrucksstarken Gesichts und der feinen Behandlung von Texturen und Kleidung das Gefühl von Hieratismus zu überwinden. Bei letzterem überrascht es, wie es Bellini gelingt, die Brillanz orientalischer Stoffe darzustellen.

23. Mona Lisa, von Leonardo da Vinci (1503-1506)

Das Mona Lisa Es ist zweifellos das berühmteste Werk von Leonardo da Vinci. Sie ist Ausdruck der Reife des leonardischen Stils in Bezug auf Helldunkel und Hell-Dunkel-Techniken. Esfumato, das darin besteht, die Kanten der Figuren zu verwischen, damit die Integration in die Platz. Es zeigt auch die Technik der Landschaft im Hintergrund, die den Raum öffnet, um mehr Tiefe zu verleihen. Dieses Werk, wie auch das gesamte Werk Leonardos, gehört jedoch nicht zum Quattrocento, sondern zur Hochrenaissance, manchmal auch Zweite Renaissance genannt.

Siehe auch: Die Mona Lisa oder Gioconda aus Mona Lisa von Leonardo

24. Die Schule von Athen, von Rafael Sanzio (1510-1511)

Wenn etwas den kulturellen Geist der Renaissance repräsentiert, dann ist es das Fresko Die Schule von Athen, von Rafael Sanzio, eine der Szenen aus den "Vatikanzimmern" oder "Raphaelzimmern". Wir sehen einen meisterhaften Umgang mit der linearen Perspektive und eine Tiefe, die durch die Öffnungen der Tonnengewölbe betont wird, die sich in den freien Raum öffnen.

In einer architektonischen Umgebung von klarer klassischer Inspiration erinnern eine Vielzahl von philosophischen und wissenschaftlichen Referenzen an den Wert von Vernunft und Wissen. Platon und Aristoteles sind die Protagonisten. Wir sehen auch Ptolemaios, Heraklit, Hypatia, Homer und wie üblich einige zeitgenössische Gesichter. Rafael selbst, dargestellt als Apelles, durfte nicht fehlen.

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25. Deckenfresken in der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Von Michelangelo Buonarroti und den Malern des italienischen Cinquecento zu sprechen, bedeutet, in die Hochrenaissance einzutreten. Daher nähern wir uns dem Manierismus, von dem Buonarroti einer seiner Vertreter sein wird. Die Fresken in der Sixtinischen Kapelle sind sein berühmtestes Bildwerk.

Es gibt neun Szenen, die Passagen aus der Genesis erzählen, und alle führen zum Jüngsten Gericht, einer Wand, die etwa zwei Jahrzehnte nach der Decke gemalt wurde. An dieser Wand hängt der heilige Bartholomäus, ein gehäuteter Märtyrer, seine uralte Haut. Aber darin sieht man das Gesicht von Michelangelo. Wie wir sehen, wird auch der Künstler dargestellt, aber nicht als die Künstler des Quattrocento, die ihren irdischen Ruhm feierten, sondern in Anerkennung ihrer Unwürdigkeit.

Siehe auch:

• Fresken aus der Sixtinischen Kapelle
• Analyse des Freskos Die Erschaffung Adams von Michelangelo
• Geniale Werke von Michelangelo