Die Passion Christi in der sakralen Kunst: Symbole eines gemeinsamen Glaubens

In der Geschichte der westlichen Kunst stellt die Passion Christi eines der am weitesten entwickelten Themen dar, daher ist uns ihre Ikonographie vertraut. Vermissen wir jedoch einige verborgene Bedeutungen der Passion Christi in der Kunst?

Leidenschaft ist ein lateinisches Wort leidenschaft, wiederum abgeleitet von pati, was „leiden“, „leiden“, „tolerieren“ bedeutet. Aus diesem Grund werden die letzten Stunden der Qual von Jesus von Nazareth als "das Leiden Christi" bezeichnet.

Die Passion Christi umfasst mehrere Episoden in den Evangelien, die alle reich an Symbolik sind. Es verdichtet einerseits die Erfüllung der alttestamentlichen Prophezeiungen, wonach der Gesandte Gottes verworfen und getötet werden würde. Auf der anderen Seite die Kohärenz Jesu, der in der dunkelsten Stunde so lebte, wie er gepredigt hatte.

Lernen wir einige Werke kennen, die die Passion Christi in der Geschichte der sakralen Kunst behandeln.

Gebet im Garten der Olivenbäume

Nachdem Jesus mit den Aposteln Pessach gefeiert hatte und wusste, dass Judas ihn verraten würde, zog sich Jesus zurück, um im sogenannten Garten der Olivenbäume zu beten. Ohne Entkommen bereitet er sich geistig darauf vor, sich der dunklen Stunde zu stellen. Pedro, Santiago und Juan begleiten ihn, doch sie schlafen ein. Das Blut der Angst schwitzend, fleht er Gott an, ihn vom Martyrium zu befreien: "Vater, wenn du willst, nimm diesen Kelch von mir, aber mein Wille geschehe nur deiner."

Der Kelch mit dem Wein ist das Symbol für das zu vergießende Blut. Wie Wein wird er die Ursache von Leben und Nutzen sein. Die Darstellung der Szene umfasst meist den Engel, der nach dem Lukas-Evangelium vor Jesus erschienen ist, um ihn zu stärken.

Auf der Arbeit Gebet im Garten von Oliven Ab 1607 sammelt El Greco die wesentlichen Elemente der Passage aus einer manieristischen Ästhetik. Die untere Bildhälfte stellt die Apostel Petrus, Jakobus und Johannes in Verkürzung und in engerer Entfernung vom Betrachter dar. In der oberen Hälfte betet Jesus vor dem Engel, der ihm den Kelch überreicht.

Nach byzantinischem Vorbild trägt Jesus ein lila Kleid, ein Symbol seines göttlichen Zustands, und einen blauen Umhang, ein Symbol seiner menschlichen Inkarnation. Im Hintergrund rechts ist die Prozession zu sehen, die kommt, um ihn zu verhaften. El Greco-typisch sind die Figuren am oberen Ende stärker stilisiert, um ihre Höhe zu betonen.

Mit mehr als zwei Jahrhunderten Unterschied setzt Francisco de Goya auf eine Darstellung von Gebet im Garten der Olivenbäume das offenbart viel mehr die Angst Jesu. Anders als El Greco färbt Goya seine Kleidung weiß, in Anspielung auf die Reinheit seiner Seele. Die Geste ihrer geöffneten Hände und ihr Blick verraten die Sorge um das vor uns liegende Schicksal. Goyas Jesus ist ein gequälter Jesus, und Goyas Technik nimmt das Pathos des Expressionismus vorweg. Die Linie des Malers verrät, dass sein Stil der Zeit der Aufrufe nahe war Schwarze Gemälde.

Siehe auch: Das letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci.

Die Verhaftung Jesu

Die Verhaftung Jesu fand in der dunkelsten Stunde dieser Nacht in Gethsemane statt, als die Behörden Jesus im Wissen um die Rechtswidrigkeit seines Handelns überraschen wollten. Der heimtückische Kuss des Judas war notwendig, um den Meister zu identifizieren, da laut apokryphen Quellen Jesus und Jakobus waren sich sehr ähnlich, und im Gegensatz zu den Pharisäern wussten die Behörden in Jerusalem wenig oder wenig über ihn. nichts.

Petrus, überzeugt, dass die Wiederherstellung Israels gekommen ist, zieht sein Schwert und schneidet Malchus, dem Diener eines Hohenpriesters, das Ohr ab. Jesus tadelt ihn, heilt Malco und stellt sich den Behörden, damit niemand seinetwegen stirbt: "Mich suchen sie", sagt er.

Aus ikonografischer Sicht wird es Maler geben, die nur in einem dieser Momente innehalten. Andere wiederum werden sich dafür entscheiden, beide Momente gleichzeitig darzustellen.

Duccio di Buoninsegna, ein Maler der Schule von Siena im Kontext der internationalen Gotik, repräsentiert jedes der Elemente der Szene in seiner Version von Die Einnahme Christi. Links schneidet Pedro Malco das Ohr ab. In der Mitte erhält Jesus den verräterischen Kuss von Judas, während ihn die unverhältnismäßige Prozession wie einen gefährlichen Verbrecher umgibt. Rechts fliehen die Apostel und verlassen ihn.

In seiner Version macht der barocke Caravaggio auf den Kuss des Judas aufmerksam. Jesus hält seine Hände in einer betenden und friedlichen Haltung gefaltet, während die Soldaten über ihn hinweggehen. Der unverhältnismäßige Einsatz von Gewalt wird nachgewiesen, von einer Wache, die dem Opfer nicht nur zahlenmäßig überlegen ist, sondern auch eine nutzlose Rüstung trägt. Hinter Jesus schreit einer der Apostel und versucht zu fliehen, während sein Mantel fällt, wie die Schriften erzählen. Einige Ausleger meinen, dies sei John.

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Der Prozess

Jesus erschien zuerst vor den Hohepriestern, die ihn ohne die Vollmacht, ihn zu töten, vor den römischen Anwalt Pontius Pilatus brachten. Obwohl er keinen Fehler an ihm fand, ließ er die Anwesenden gemäß der Tradition, einen Gefangenen zu Ostern freizulassen, zwischen Jesus und dem Schurken Barabbas wählen. So "wäscht er sich die Hände" aller Verantwortung.

Die Darstellung dieses Moments ist in der westlichen Kunst nicht so häufig. Häufiger sind dagegen prozessbegleitende Szenen wie die Verleugnung und Reue des Petrus. Dennoch haben einige Künstler dieses Thema zu unterschiedlichen Zeiten vertreten.

In der manieristischen Arbeit Jesus Christus vor Pilatus, Tintoretto stellt den Moment dar, in dem Jesus aus dem Haus des Herodes Antipas zurückkehrt, der ihn zum Spott in Weiß gekleidet hat. Den Quellen zufolge soll Tintoretto auf einem Druck von Dürer beruhen.

Geißelung

Pilatus gab den Befehl, Jesus zu geißeln, obwohl nicht klar ist, ob der Befehl vor oder nach dem Todesurteil kam. Nach dem Johannes-Evangelium wäre die Bestrafung der Geißelung ein Versuch von Pilatus gewesen, den Sanhedrin davon abzubringen, Jesus zu töten. Andere Evangelisten behaupten, die Ordnung der Geißelung sei der Beginn des bereits entschiedenen Martyriums Jesu.

Jedenfalls fokussieren die Künstler bei der künstlerischen Darstellung dieser Szene meist auf die Hässlichkeit der Soldaten, die sich an der Gewalt erfreuen, die sie Unschuldigen zufügen. Die Szene ist also die Darstellung von Schönheit als Bild des Guten, verglichen mit Hässlichkeit als Bild des Bösen.

Ecce homo und die Dornenkrönung

Nach dem Johannesevangelium erhielt Jesus bei der Geißelung die Dornenkrone und das Purpurgewand, Danach beschließt Pilatus, ihn der Menge mit den Worten "Ecce homo" auszusetzen, was bedeutet "Hier hast du die" Mann'. Nach Matthäus und Markus krönten ihn die Soldaten nach der Auslegung und Verurteilung Jesu, kleideten ihn in Purpur und sprachen die Kraftausdrücke.

Auf jeden Fall sind die Attribute von Jesus in den Gemälden des Typs Ecce homo Ja Die Krönung mit Dornen (Dornenkrone und Purpurmantel) sind in der Regel gleich, je nach Intention des Künstlers oder der ihr zugrunde liegenden evangelischen Geschichte (z Ecce homo die violette Farbe der Tunika kann je nach Weiß variieren). Bei der Dornenkrönung erscheint Jesus jedoch allein mit den Soldaten, während bei der Ecce homo, erscheint normalerweise mit Pilatus allein oder mit anderen zusätzlichen Charakteren, einschließlich der Menge.

In der Dornenkrönung oder Die Kraftausdrücke von Bosco, umfasst nicht nur die Soldaten, sondern auch die jüdischen Behörden, dargestellt durch einen Mann links neben dem Gemälde. Dieser Mann trägt einen Stock mit einer Kristallkugel, in der das Gesicht von Moses zu sehen ist.

Der Renaissance-Tizian seinerseits bietet uns diese Version des Ecce homo im Großformat, wo die Spannung der Szene und die Gewalt, die der Person Jesu zugefügt wurde, deutlich werden.

Im Laufe der Zeit wurde die Darstellung der kompletten Szene des Ecce homo entstand die einzigartige Darstellung Jesu auf neutralem Hintergrund, die die zeitlose Frömmigkeit des Betrachters sucht. So geben einige Künstler die Szene von Ecce homo einen erzählerischen Charakter, während andere versuchen, damit einen pietistischen Sinn zu entwickeln. Es wird der Fall sein Ecce homo de Murillo aus dem Jahr 1660, mitten im Barock gelegen.

Der Weg zum Kalvarienberg oder Kreuzweg

Die Straße zum Kalvarienberg, auch bekannt als Kreuzweg, ist eine Sequenz von 14 Szenen, die den Weg Jesu vom Ausgang des Prätoriums bis zur Beerdigung zusammenfasst. Diese Route wird von evangelischen und apokryphen Quellen genährt. Wenn nicht als Serie gearbeitet wird, geht die plastische Darstellung von "Camino de Calvario" normalerweise an Szenen wie die Auferlegung des Kreuzes, der Durchgang von Simon von Kyrene, der Durchgang von Veronika, der Durchgang der Töchter von Jerusalem und die Plunder.

Die Urheberschaft des Werkes Christus trägt das Kreuz Es ist nicht ganz klar, da El Bosco seine Werke normalerweise nicht signiert oder datiert. Es könnte von ihm oder von einem Nachahmer gemacht worden sein, da es ziemlich spät zu sein scheint.

In dieser Tabelle kontrastiert die Menschlichkeit Jesu mit dem animalischen und monströsen Charakter seiner Opfer, die sich vom Bösen erniedrigen ließen. In der unteren linken Ecke sieht man Veronica, die den Schleier trägt, auf dem das Antlitz Jesu gezeichnet ist. Sie ist auch ein Bild des Geschenks der Menschheit.

Die Kreuzigung

Die Kreuzigung ist der Höhepunkt der Passion Christi. Dort zieht sich die Symbolik durch jedes Element und jedes Detail erzeugt eine interpretative Variation der Kunst. Jesus wird normalerweise am Kreuz in Begleitung von Maria, seiner Mutter, Maria von Magdala und Johannes dargestellt. Wir werden jedoch auch Darstellungen des gekreuzigten Jesus in absoluter Einsamkeit finden.

Das Zeichen, das uns sagt, ob Jesus bereits am Kreuz gestorben ist, ist die Wunde an seiner Seite. Ohne diese Wunde in der Darstellung würde sich das Werk auf die letzten Stunden der Qual beziehen, in denen Jesus die sogenannten „sieben Worte“ aussprach.

Auf Die Kreuzigung von El Greco können wir Jesus in Begleitung der Jungfrau Maria, Maria von Magdala und Johannes dem Evangelisten sehen. Neben dem Kreuz sind drei Engel dafür verantwortlich, das Blut zu sammeln, das aus seinen Wunden fließt. In der Szene verschwindet der Kontext und das Kreuz erhebt sich über die Düsternis der Atmosphäre, ein Symbol für die dunkelste Stunde, die letzte Stunde des Todes Jesu.

Diego Velázquez bietet seinerseits eines der einflussreichsten Bilder der Kreuzigung. Darin entfernt er die für die Szene typischen Elemente des Pathos, um der Darstellung Jesu als dem schönsten Mann unter den Menschen nach Psalm 44 (45) den Vorzug zu geben. Es ist ohne Zweifel ein apollinisches Modell, das im Gegensatz zu den Recherchen der Barockzeit steht, zu der es gehört.

Velázquez zieht es vor, dass Christus, den wir durch die Wunde an seiner Seite tot kennen, in einem tiefen Schlaf zu sein scheint. Im Gegensatz zu anderen Darstellungen ist die Gekreuzigter Christus de Velázquez wird auf Anregung von Francisco Pacheco, einem Maler und Schriftsteller, der die Historizität dieses ikonographischen Modells verteidigte, von vier Nägeln getragen.

Der Abstieg vom Kreuz

Jesus wurde an einem Freitag gekreuzigt. Da die Juden am Sabbat nichts tun konnten, baten sie die Römer, den Leichnam Jesu zu senken, bevor der Tag anbrach. Das gleiche sollte mit den beiden gekreuzigten Verbrechern auf beiden Seiten geschehen. Um den Tod der Übeltäter zu beschleunigen, brachen sie ihre Gebeine, aber da Jesus bereits gestorben war, Ein Soldat namens Longinus durchbohrte die Seite Jesu mit einem Speer, und aus der Wunde kam Blut und Wasser.

Rogier van der Weyden, Vertreter der flämischen Renaissance, umfasst zwei Episoden in einer einzigen Szene: die Abstieg vom Kreuz und der Krampf der Jungfrau Maria, der nach dem apokryphen Text als Pilatus-Akte, wäre eingetreten, als Maria Jesus in der Karawane der erkannte Kreuzweg und nicht richtig vor dem Kreuz.

Im Laufe der Zeit wurde es bevorzugt, die Mutter neben dem Kreuz zu repräsentieren (Stabat mater), in Bezug auf das Johannesevangelium. Diese Haltung wurde als eher mit dem Bild von Maria als einer gläubigen Frau in Einklang gebracht.

So sehen wir im Abstieg vom Kreuz von Rubens, einer affektierten, aber aufrichtigen Maria, die entschlossen an der Senkung des Leibes Jesu teilnimmt. Die Mutter kontrastiert mit Maria Magdalena und Maria von Kleopas, die klagend am Fuße des Kreuzes liegen.

Die Frömmigkeit Ja Klage über den toten Christus

Der Abstieg vom Kreuz ist meist mit anderen Passagen verbunden: Frömmigkeit und Klage über den toten Christus, die in dieser Reihenfolge dem Heiligen Begräbnis vorausgehen. Keine dieser Passagen wird in den Evangelien aufgezeichnet.

Laut Juan Carmona Muela ist die Ikonographie der Frömmigkeit, das heißt, dass die Jungfrau Maria den Leichnam ihres toten Sohnes hielt und betrachtete, wurde am Ende des späten Mittelalters in der Volksverehrung häufig. Es entstand auch die Ikonographie der Klage, bei der Jesus horizontal liegt, während alle seine Trauernden zu ihm schreien.

Insbesondere La Piedad ist Teil einer Spiritualität, die offen für die Humanisierung religiöser Inhalte ist, in der die Idee der Jungfrau Maria als Thron, auf dem Christus seine Macht begründet, weicht der Mutter, die das Leiden mit der Menschheit teilt. Es war natürlich, sich eine Jungfrau Maria vorzustellen, die von dieser tragischen Episode betrübt war, nicht nur wegen des tragischen Ergebnisses, sondern vor allem wegen des offenbarten Bösen.

Am schwierigsten zu lösen in der Ikonographie der Pietà, so Carmona Muela, war es, die Figur eines erwachsenen Christus auf dem Schoß der Mutter zu platzieren. Zunächst ließen einige Künstler mehrere Charaktere die Szene begleiten, unter denen Jesus unterstützt wurde. Andere entschieden sich dafür, die Proportionen zu verzerren und Maria größer als Jesus zu machen, etwas, das Michelangelo selbst in seinem berühmten. tut Frömmigkeit skulptural. Dieser letzte Ausweg führte zur klassischen Pyramidendarstellung, die es ermöglichte, die Proportionen auszugleichen.

Siehe auch die Bedeutung von Skulptur Die Frömmigkeit von Michelangelo.

Das Grab oder das Heilige Begräbnis

Wie die Evangelien es beschreiben, wurde Jesus gemäß der Tradition verhüllt und parfümiert. Biblische Quellen stimmen jedoch nicht über die anwesenden Charaktere überein. Beginnt um Pilatus-Akte, wurde eine Ikonographie festgelegt, die Folgendes umfasst:

• die Jungfrau Maria, Mutter Jesu;
• Maria Magdalena, die Frau, die Jesus gewürdigt hatte;
• Joseph von Arimathäa, der ein Mitglied des Sanhedrin war und Jesus heimlich nachfolgte;
• Nikodemus, ein Pharisäer und Richter;
• María Salomé, Mutter von Santiago el Mayor und Juan;
• Johannes der Evangelist, der seine Anwesenheit vor Ort bezeugt.

Sie heben die Anwesenheit von Joseph von Arimathäa und Nikodemus hervor, die bis dahin die Nachfolge Christi aus Angst vor der Obrigkeit verborgen hatten. Die Reaktion beider ist also übertrieben: Wenn einerseits Joseph von Arimathäa es wagt, Pilatus um Erlaubnis zu bitten Um die Leiche zu begraben, fließt Nikodemus über, indem er dreißig Pfund Myrrhe nimmt, die mit. parfümiert ist Aloe.

Letzte Worte

Diese überbordenden Gesten von Nikodemus und Joseph von Arimathäa unterstreichen unserer Meinung nach die Funktion der Symbolik von Brot und Wein als Leib und Blut Jesu innerhalb der Erzählreihenfolge der Evangelien, zumindest bis zu einem gewissen Grad Punkt.

Wenn Jesus im Leben "Brot" war, das die geistliche Unruhe der Gläubigen nährte, dann noch nicht vollständig verstanden, was Jesus lehrte, war sein vergossenes Blut eine Gelegenheit, das Gewissen zu erwecken und Von Wert. Die Erfahrung ermutigte sie, zu „korrespondieren“.

Aus der Sicht der evangelischen Berichte überwindet das Gute angesichts der Macht des Bösen, die alles zu beherrschen scheint, wird mutig und baut Gemeinschaft auf. Diejenigen, die allein gingen, fanden sich am Tisch wieder und teilten Brot und Wein bis zur Zeit der Auferstehung.