Michelangelo: 9 Werke, um das Genie der Renaissance kennenzulernen

Michelangelo war eines der größten Genies der italienischen Renaissance und sein Name steht für einen der größten und wichtigsten Künstler aller Zeiten. Hier präsentieren wir die 9 emblematischsten Werke des Künstlers, die jeder kennen sollte:

1. Madonna der Leiter

Das Madonna oder Jungfrau von der Leiter Es ist ein Marmor-Flachrelief, das zwischen 1490 und 1492 geschaffen wurde. Die Arbeit wurde abgeschlossen, bevor Michelangelo 17 Jahre alt war, als er noch in den Medici-Gärten in Florenz bei Bertolo di Giovanni studierte.

Dieses Flachrelief stellt die auf einer Treppe sitzende Jungfrau dar, die ihren schlafenden Sohn hält und mit einem Mantel bedeckt.

Treppen vervollständigen den Rest des Hintergrunds und im Hintergrund sind zwei Kinder beim Spielen zu sehen, während ein drittes Kind auf dem Handlauf ruht.

Ein viertes Kind steht hinter der Jungfrau und scheint dem liegenden Kind zu helfen, ein Taschentuch auszustrecken (deutliche Anspielung auf das Grabtuch Christi), das beide in der Hand halten.

In diesem Werk sticht das Erbe der klassischen Antike hervor. Aus diesem Grund ist der für die epikureische Philosophie typische Begriff der Ataraxie bekannt, der in der Abwesenheit von Ruhelosigkeit des Geistes besteht.

Der Unterschied zwischen diesem Konzept und Apathie besteht darin, dass es bei Ataraxie keine Verleugnung oder Beseitigung der Gefühl, sondern fördert das Glück, indem es versucht, die Kraft zu finden, den Schmerz zu überwinden und Schwierigkeiten.

So bleibt die Jungfrau in der Betrachtung des zukünftigen Opfers ihres Sohnes teilnahmslos, nicht weil sie dadurch nicht leidet, sondern weil sie einen Weg findet, diesen Schmerz stoisch zu überwinden.

Für die Realisierung dieses Flachreliefs bediente sich Michelangelo der Technik von Donatello (italienischer Renaissance-Bildhauer, 1386-1466), genannt sticiatto (abgeflacht).

2. Zentauromachie

Hergestellt nach dem Madonna der Leiter, Zentauromachie (Kampf der Kentauren) ist ein Marmorrelief, das um 1492 entstand, als Michelangelo noch in den Medici-Gärten spukte.

Es stellt die Episode zwischen den Zentauren und den Grabsteinen dar, als mitten in der Hochzeit der Prinzessin Hipodamia und Pirítou, König der Grabsteine, einer der Zentauren versuchten, die Prinzessin zu entführen, was zu einem Schlacht.

Die Körper sind verdreht und verheddert, was es schwierig macht zu sagen, wer wer ist. Miteinander verbunden, einige am Boden besiegt, vermitteln alle Verzweiflung inmitten des Kampfes.

Mit dieser Arbeit nimmt der junge Michelangelo bereits seine Obsession für Akte an, denn für ihn war die menschliche Schönheit Ausdruck des Göttlichen. Ein Werk zu betrachten, das diese Schönheit durch Nacktheit repräsentiert, bedeutet also, die Größe Gottes zu betrachten.

Dieses Relief ist bewusst unvollendet, charakteristisch für das Werk Michelangelos, der schon sehr früh den Begriff des Unvollendeten als ästhetische Kategorie annahm, nicht endlich.

Nur einige Körperteile (hauptsächlich die Stämme der Figuren) sind bearbeitet und poliert, während die Köpfe und Füße unvollständig sind.

3. Die Frömmigkeit

Aufgrund der Auswirkungen des Todes von Lorenzo de Medici im Jahr 1492 verließ Michelangelo Florenz, machte sich auf den Weg nach Venedig und später nach Bologna. 1495 kehrte er nach Florenz zurück, reiste aber sofort nach Rom ab.

In Rom vertraute der französische Kardinal Jean Bilhères de Lagraulas dem Künstler 1497 eine Pieta aus Marmor für die Basilika St. Peter im Vatikan an.

Das Frömmigkeit von Michelangelo ist eine Marmorskulptur, die zwischen 1498 und 1499 ausgeführt wurde und eine der größten Annäherungen an die Vollkommenheit im Bereich der Kunst ist.

In dieser Arbeit bricht Miguel Ángel mit dem Konventionellen und beschließt, die Jungfrau jünger als ihr Sohn darzustellen. Unglaublich schön hält sie Christus tot auf ihrem Schoß.

Beide Figuren vermitteln Gelassenheit, und die Jungfrau betrachtet resigniert den leblosen Körper ihres Sohnes. Der Körper Christi ist anatomisch perfekt und die Details sind perfekt gearbeitet.

Im Gegensatz zum Konzept der nicht endlich, diese Skulptur ist was endlich durch Exzellenz. Das gesamte Werk ist außergewöhnlich poliert und vollendet, und damit mag Michelangelo wahre Perfektion erreicht haben.

Der Künstler war so stolz auf diese Skulptur, dass er seine Unterschrift auf das Band schnitzte, das die Brust der Jungfrau mit. teilt die Worte "Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat", was "Michelangelo Buonarroti, der Florentiner, was? gemacht".

4. David

1501 kehrte Michelangelo nach Florenz zurück und begann die David, eine Marmorskulptur mit mehr als vier Metern, die zwischen den Jahren 1502 und 1504 entstanden ist.

Der Moment der von Michelangelo gewählten Szene liegt kurz vor der Konfrontation zwischen David und Goliath. Auf diese Weise repräsentiert Michelangelo keinen siegreichen David, sondern einen jungen Mann voller Wut und Willen, sich seinem Unterdrücker zu stellen.

Das David Es ist ein faszinierendes Beispiel für die Kraft, die das Werk dieses Künstlers antreibt, sei es in der Wahl des vollständigen Aktes oder in der inneren Verwirrung, die die Figur ausstrahlt.

Siehe auch mehr über:

• David-Skulptur von Michelangelo.
• 15 Merkmale der Renaissance.

5. Tondo doni

Michelangelo und Leonardo da Vinci waren die beiden größten und repräsentativsten Namen der italienischen Renaissance. Bis heute inspirieren und erregen ihre Werke Bewunderung, aber diese Künstler, die Zeitgenossen waren, waren sich im Leben nie einig und standen sich mehr als einmal gegenüber.

Einer der Hauptgründe für ihre Meinungsverschiedenheiten war Michelangelos erklärte Verachtung für die Malerei, insbesondere die Ölmalerei, eine Kunst, die er für Frauen hielt.

Für diesen Künstler war die wahre Kunst die Bildhauerei, denn nur durch physische Kraft konnte Exzellenz erreicht werden.

Für Michelangelo war die Skulptur maskulin, sie ließ keine Fehler oder Überarbeitungen zu. So widersetzte er sich der Ölmalerei, Leonardos bevorzugter Technik, die es ermöglichte, die Arbeit in Schichten auszuführen und ständige Korrekturen zu ermöglichen.

Für Michelangelo wäre das Fresko die Maltechnik, die der Überlegenheit der Skulptur am nächsten kommen könnte die aufgrund ihrer Eigenschaften Geschwindigkeit und Präzision erfordert und keine Fehler oder Korrekturen zulässt oder neu lackiert werden kann.

So verwundert es nicht, dass in einem der wenigen dem Künstler zugeschriebenen mobilen Bildwerke die Tondo Doni, Michelangelo hat im Tondo (im Kreis) eine Mischung aus Tempera und Öl auf Holz verwendet.

Diese Arbeiten wurden zwischen 1503 und 1504 durchgeführt. Darin wird die Sagrada Familia auf sehr unkonventionelle Weise dargestellt.

Einerseits scheint die linke Hand der Jungfrau auf das Geschlecht ihres Sohnes gerichtet zu sein. Andererseits, um die Familie im Vordergrund, erscheinen mehrere Aktfiguren.

Diese Figuren, die ignudi, die hier Teenager sind, werden in einem anderen Werk von Michelangelo wieder mit einem erwachseneren Aspekt vertreten sein: dem Sixtinische Kapelle.

6. Fresken aus der Sixtinischen Kapelle

1508 begann Michelangelo auf Wunsch von Papst Julius II., der ihn einige Jahre zuvor nach Rom gerufen hatte, um seinen Grabhügel zu planen, eines der wichtigsten Werke.

Bekannt für seine Verachtung der Malerei, nahm Miguel Ángel das Werk unter Protest an, weshalb er während des Prozesses mehrere Briefe schrieb, in denen er seine Unzufriedenheit zum Ausdruck brachte.

Daher sind die Fresken in der Sixtinischen Kapelle eine beeindruckende Leistung, die noch heute die Welt verzaubert.

Decke

Von 1508 bis 1512 malte Michelangelo die Decke der Kapelle. Das war eine intensive Arbeit, in der eine totale Beherrschung der Fresko- und Zeichentechnik demonstriert wird.

Die Freskotechnik wird auf nassem Untergrund aufgetragen, was bedeutet, dass der Prozess schnell und ohne Korrekturen erfolgen muss.

So ist es beeindruckend, sich vorzustellen, dass der Künstler vier Jahre lang kolossale und farbenfrohe Figuren auf einer Fläche von 40 x 14 Metern liegend malte und sich dabei kaum auf seine Zeichnungen stützte.

Die Farbverläufe beeinträchtigten sein Sehvermögen und er litt auch unter den Folgen der Isolation und der Unbequemlichkeit der Position, in der er arbeitete. Aber diese Opfer führten zu einem der größten Werke der Malerei.

Die Decke ist in neun Tafeln unterteilt, die das Buch Genesis zusammenfassen und gleichzeitig an die alttestamentlichen Propheten und die Sibyllen der griechisch-römischen Antike erinnern.

Das endgültige Urteil

Alles zielt darauf ab, einen Zusammenhang zwischen der sogenannten „Geschichte der Schöpfung“ und der „Geschichte der Erlösung", dargestellt durch Christus, der nicht an der Decke, sondern auf dem Altar erscheint, in der berühmten Szene bekannt als Endgültiges Urteil, gemalt 20 Jahre nach der Decke (1535-1541).

Es handelt sich um eine Bildkomposition mit mehr als 400 ursprünglich nackt bemalten Körpern, darunter die Jungfrau und Jesus Christus, die aber später abgedeckt werden mussten.

Siehe auch Analyse der Fresken in der Sixtinischen Kapelle.

7. Grab von Papst Julius II

1505 berief Papst Julius II. Michelangelo und vertraute ihm sein Grab in Rom an. Zunächst wollte er ein großes Mausoleum bauen, was dem Künstler gefiel.

Aber abgesehen von der Größe des Werkes beschloss der Papst mit einer wankelmütigen Persönlichkeit, dass er in der Sixtinischen Kapelle begraben werden wollte.

Dafür brauchte die Kapelle mehrere Umbauten. Daher musste Michelangelo zuerst die Fresken an der Decke und am Altar malen.

Das Projekt würde andere Modifikationen und Zugeständnisse erfahren. Erstens verkleinerte sich das Projekt nach dem Tod des Papstes im Jahr 1513, und zweitens kollidierte die Vision Michelangelos mit den Erwartungen der Erben des Papstes.

1516 wurde ein dritter Vertrag abgeschlossen, und das Projekt sollte 1526 und 1532 zwei weitere Änderungen erfahren. Der endgültige Beschluss legte fest, dass das Grab nur aus einer Fassade bestehen und sich in der Kirche San Pietro in Vincoli in Rom befinden würde.

Moses

Trotz aller Rückschläge und trotz der Tatsache, dass sich wenig vom Traum erfüllte, arbeitete Michelangelo drei Jahre lang intensiv an dem Mausoleum-Projekt.

So schuf Michelangelo von 1513 bis 1515 einige der emblematischsten Werke seiner Karriere, und eines davon, das MosesHeute verlangt es den Besuch jedes Reisenden.

Das Moses Es ist eine der Skulpturen vergleichbar mit der Pietà des Vatikans in technischer Perfektion. Diese Skulptur und die Serie der Gefangene oder Sklaven sie sollten das Parietalgrab schmücken.

In dieser Skulptur stechen der Charakter und das schreckliche Aussehen des Charakters hervor (Schrecklichà). Genau wie die David, drückt ein intensives Innenleben aus, eine Kraft, die den Stein transzendiert, aus dem die Figur gewonnen wurde.

Imposant, während Moses seinen langen und detaillierten Bart streichelte, scheint er mit seinem Blick und Ausdruck zu garantieren, dass diejenigen, die das Gesetz brechen, bestraft werden, da nichts dem göttlichen Zorn entgeht.

Siehe auch Analyse von Michelangelos Moses.

Gefangene oder Sklaven

Eine Reihe von Skulpturen, bekannt als Gefangene oder Sklaven, sie kamen aus dieser intensiven Zeit der Arbeit.

Zwei dieser Arbeiten sind fertig, die Sklave stirbt und der Rebellensklave. Beide befinden sich derzeit im Louvre in Paris. Sie sollten auf den Pilastern im Untergeschoss platziert werden.

Die Sinnlichkeit der Sklave stirbt, deren Haltung Akzeptanz ausdrückt, nicht Widerstand gegen den Tod. Angesichts dessen, die Rebellensklave, mit ungeschliffenem Gesicht, verzerrtem Körper und instabiler Haltung, scheint er sich nicht unterjochen zu lassen und scheint darum zu kämpfen, aus dem Gefängnis herauszukommen.

Vier weitere Werke entstanden aus dieser Zeit und verherrlichten das Konzept der nicht endlich. Die Ausdruckskraft ist beeindruckend, wie man sieht, wie der Künstler die Figuren aus den massiven Steinblöcken befreit.

Indem sie die Werke unvollendet belassen, fungieren sie als Allegorien für eines der Themen, die das gesamte Leben und Werk Michelangelos begleiteten und quälten: den Körper als Gefängnis der Seele.

8. Gräber von Lorenzo und Giuliano de 'Medici

1520 wurde Michelangelo von Leo X. und seinem Cousin Giulio de Medici, dem späteren Papst Clemens VII., angestellt, um eine Grabkapelle in San Lorenzo in Florenz bauen, wo die Gräber von Lorenzo und Giuliano de Medici.

Die Projekte begeisterten den Künstler zunächst so sehr, dass er inbrünstig garantierte, dass er sie gleichzeitig fertigstellen könnte. Aber es traten mehrere Probleme auf und das Traumprojekt ging auf dem Weg verloren.

Das von Michelangelo entwickelte Konzept verfolgte das Prinzip der Integration von Architektur, Skulptur und Malerei. Aber die Bilder wurden nie gemacht.

Als er an den Gräbern arbeitete, brach in Florenz eine Revolution gegen die Medici selbst aus, und angesichts dieses Szenarios stoppte Michelangelo die Arbeit und trat für die Rebellen ein.

Als die Revolte unter Kontrolle war, vergab ihm der Papst unter der Bedingung, dass er die Arbeit wieder aufnahm, und Michelangelo setzte die Arbeit fort.

Als Michelangelo 1524 Florenz endgültig verließ, um nach Rom zu reisen, ließ er das Werk unvollständig und die Skulpturen, die er gemacht hatte, wurden später von anderen an ihren richtigen Platz gestellt Menschen.

Was uns bis heute erreicht hat, sind zwei einander gegenüberstehende Zwillingsparietalgräber. Auf der einen Seite das Grab von Lorenzo, in einer passiven, kontemplativen Position dargestellt, denkend, fast so, als ob der echte Lorenzo de 'Medici am Leben wäre.

Auf der anderen Seite Giuliano, der zu seiner Zeit ein ruhmreicher Soldat war. Er ist aktiv vertreten, in Rüstung und mit Bewegung ausgestattet. Das linke Bein weckt den Willen, die kolossale und mächtige Figur zu heben.

Zu Füßen beider liegen zwei Allegorien, die Nacht und der Tag (Grab von Lorenzo de Medici), die Dämmerung und der Dämmerung (Grab von Giuliano de Medici).

Das Tag und der Dämmerung sind männliche Figuren und die Nacht und der Dämmerung es sind weibliche Figuren. Die Gesichter der männlichen Allegorien sind unfertig, ungeschliffen.

9. Das Letzte Pietàs

Miguel Ángel kam in die letzten Jahre seines Lebens mit körperlicher Kraft und dem Bedürfnis zu arbeiten, aber er trug viele Bedauern und Qualen.

Er kam zu dem Schluss, dass er während eines Teils seines Lebens ein falsches Ideal bereist hatte, das Ideal der Schönheit und Vollkommenheit in der Kunst und die Idee, dass er durch diese Kunst zu Gott gelangen würde.

So wendet er sich in seinen späteren Jahren seiner anderen Leidenschaft, dem Göttlichen, zu, und vielleicht haben deshalb seine neuesten Werke das gleiche Thema und blieben unvollendet.

Das Pietà und der Pietà Rondanini sind zwei unvollendete Murmeln, sehr ausdrucksstark und verstörend, besonders die Rondanini.

Als Allegorie all des leidenden und turbulenten Geistes, den Michelangelo sein ganzes Leben lang getragen hat, besonders in in den letzten Jahren hat er der Jungfrau, die den toten Sohn in der Pietà. trägt, seine eigenen Züge geformt Rondanini.

Damit gab der Künstler das Ideal der menschlichen Schönheit auf, das ihn zeitlebens prägte, und machte seine Überzeugung deutlich, dass nur in völliger Hingabe an Gott Glück und Frieden zu finden sind.

Michelangelo starb 1564 im Alter von 89 Jahren unter vollem Einsatz seiner körperlichen und geistigen Fähigkeiten.

Der Papst wollte ihn in St. Peter in Rom begraben, aber vor seinem Tod äußerte Michelangelo seinen Wunsch, in Florenz begraben zu werden, von wo aus er 1524 fortgegangen war.

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(Text übersetzt von Andrea Imaginario).