Οι 10 σημαντικότεροι καλλιτέχνες του μπαρόκ

Είναι δύσκολο, αν όχι αδύνατο, να επιλέξουμε 10 καλλιτέχνες ανάμεσα στα μεγάλα ονόματα που μας χάρισε η εποχή του μπαρόκ. Ωστόσο, σε αυτό το άρθρο πρόκειται να το δοκιμάσουμε. σας προσφέρουμε μια λίστα με τους 10 κορυφαίους καλλιτέχνες του μπαρόκ που ήταν αληθινές ιδιοφυΐες της ζωγραφικής, της γλυπτικής και της αρχιτεκτονικής, μαζί με το (συχνά γεμάτο γεγονότα) βιογραφία του.

• Σχετικό άρθρο: «Τι είναι οι 7 Καλές Τέχνες; Μια περίληψη των χαρακτηριστικών του»

Καλλιτέχνες του μπαρόκ που πρέπει να γνωρίζετε

Φυσικά, υπάρχουν πολλά περισσότερα. Το μπαρόκ είναι ένα κίνημα που έδωσε λαμπρότητα στις τέχνες και άφησε διάσημα ονόματα όπως Velázquez, Rubens ή Bernini για τους επόμενους. Εδώ σας αφήνουμε μόνο 10 από αυτούς τους πιο σημαντικούς καλλιτέχνες, αλλά σας ενθαρρύνουμε να διερευνήσετε για να γνωρίσετε τους άλλους καλλιτέχνες του μπαρόκ που παραμένουν στο σκαρί. Απολαύστε την περιήγηση!

1. Ντιέγκο Βελάσκεθ

Ο Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) είναι αναμφίβολα ένας από τους μεγαλύτερους εκφραστές του μπαρόκ. Γεννήθηκε στην κοσμοπολίτικη Σεβίλλη στα τέλη του 16ου αιώνα, ένα από τα πιο δυναμικά οικονομικά και καλλιτεχνικά κέντρα της Ευρώπης. Ήδη στα νιάτα του, μόλις βγήκε από το εργαστήριο του Francisco Pacheco (με την κόρη του οποίου, παρεμπιπτόντως, είχε παντρευτεί), ο Velázquez επιδεικνύει ένα σπάνιο ταλέντο που είναι εμφανές σε έργα όπως το

Ηλικιωμένη γυναίκα που τηγανίζει αυγά (1618) ή Το waterboy της Σεβίλλης (1620). Το εξαιρετικό πορτρέτο του Jerónima de la Fuente, που έγινε όταν ο ζωγράφος ήταν μόλις 21 ετών, είναι ένα υπέροχο παράδειγμα την έμφυτη μαεστρία του καλλιτέχνη στην αποτύπωση της ψυχολογίας των θεμάτων του.

Σε ηλικία 24 ετών βρίσκουμε τον Velázquez στη Μαδρίτη όπου, με τη βοήθεια του πεθερού του και κάποιες από τις επαφές του, παρουσιάζεται στον Felipe IV. Σύντομα ο μονάρχης, που δεν αδιαφορεί για την καλλιτεχνική ποιότητα, παρατηρεί το έργο του. Γι' αυτόν τον μονάρχη και τον κύκλο του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε αυθεντικά αριστουργήματα, όπως η σειρά των πορτρέτων του Φελίπε Δ', το υπέροχο ιππικό πορτρέτο του κόμη-Δούκα του Ολιβάρες ή το φημισμένο Λας Μενίνας, που εκτελείται ήδη στο στάδιο της καλλιτεχνικής πληρότητας.

Ο Ρούμπενς, τον οποίο γνώρισε προσωπικά, παρακαλεί τον Φελίπε Δ' να στείλει τον Βελάσκεθ στην Ιταλία. Αυτό το πρώτο ταξίδι στην ιταλική χερσόνησο παρέχει στον καλλιτέχνη τη γνώση των κλασικών και των δασκάλων της Αναγέννησης. Αποτέλεσμα του ιταλικού του ταξιδιού είναι η δουλειά του Vulcan's Forge (1630), ένας από τους ελάχιστους πίνακες με μυθολογικό θέμα που συναντάμε στο εικονογραφικό του σώμα. Κατά τη δεύτερη παραμονή του στην Ιταλία, έφτιαξε αυτό που θα είναι το μοναδικό γυμνό στη δουλειά του, το καθρέφτης της Αφροδίτης (1647-1651), και θα είναι επίσης ένα από τα λίγα γυμνά στην ισπανική ζωγραφική μαζί με το Το γουδοχέρι του Γκόγια.

• Μπορεί να σας ενδιαφέρει: «Οι 10 πιο σημαντικοί πίνακες του μπαρόκ»

2. Τζιαν Λορέντζο Μπερνίνι

Ο Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) είναι μια από αυτές τις συντριπτικές καλλιτεχνικές προσωπικότητες που εμφανίζονται κατά καιρούς στην ιστορία της τέχνης.

Καταξιωμένος γλύπτης, αλλά και ζωγράφος και αρχιτέκτονας, έχει συχνά συγκριθεί με τον Μιχαήλ Άγγελο για τις πολλές πτυχές του, όλες εκτελεσμένες με εξαιρετική καλλιτεχνική ποιότητα. Ο νεαρός Τζιαν Λορέντζο είχε εκπαιδευτεί στο εργαστήριο του πατέρα του, ο οποίος ήταν γλύπτης, και σύντομα έδειξε το έμφυτο ταλέντο που διέθετε. Οι γλυπτικές ομάδες που ανέθεσε ο Καρδινάλιος Μποργκέζε τον καθιερώνουν ως έναν από τους καλύτερους γλύπτες της γενιάς του. Πράγματι, σε ορισμένα από αυτά τα έργα, όπως π.χ Η απαγωγή της Προσερπίνης είτε Ο Απόλλωνας και η Δάφνη, ο καλλιτέχνης επιδεικνύει όλη του τη μαεστρία με τη σμίλη. Τα γλυπτά παρουσιάζουν έναν εντυπωσιακό ρεαλισμό και δημιουργούν μια εξαιρετική ψευδαίσθηση κίνησης.

Ο Μπερνίνι αναπτύσσει το καλλιτεχνικό του σώμα υπό την εντολή τουλάχιστον επτά παπών. Ξεκινώντας το 1629, και σε ηλικία μόλις 31 ετών, ο Bernini ανέλαβε το μεγαλύτερο μνημείο του Χριστιανισμού: τη Βασιλική του San Ο Πέδρο, του οποίου η μεταρρύθμιση είχε ξεκινήσει λίγους αιώνες πριν και είχε συμπεριλάβει αυθεντικές ιδιοφυΐες όπως ο Μιχαήλ Άγγελος, ο Ραφαήλ και Σπάγγος. Ο Bernini αναλαμβάνει επίσης το εντυπωσιακό χάλκινο κουβούκλιο που κοσμεί τον κύριο βωμό της βασιλικής και της έδρας του San Pedro (επίσης σε χάλκινο χρώμα), καθώς και της όχι λιγότερο εντυπωσιακής Plaza de San Pedro και της κιονοστοιχία. Ανυψώθηκε στην κορυφή από τον Πάπα Ουρβανό VIII, η μπαρόκ Ρώμη οφείλεται, εν μέρει, στο πληθωρικό και εκπληκτικό έργο του.

3. Πίτερ Πολ Ρούμπενς

Για πολλούς ανθρώπους, το να παραπέμπεις στη ζωγραφική του Μπαρόκ είναι να θυμίζεις τον Ρούμπενς (1577-1640). Πράγματι, Ήταν ένας πολυγραφότατος ζωγράφος που είχε πολλούς μαθητές και βοηθούς στο εργαστήριό του να δώσει τη θέση της στην τεράστια ζήτηση που έλαβε. Όλοι οι αριστοκρατικοί οίκοι ήθελαν ένα έργο του Ρούμπενς. Και, μεταξύ των μεγαλύτερων πελατών του, ήταν το ισπανικό στέμμα των Αψβούργων.

Ο Peter Paul Rubens γεννήθηκε στη Βεστφαλία, στη σημερινή Γερμανία. Σύντομα εγκαταστάθηκε στην Αμβέρσα, όπου έλαβε ζωγραφική και ανθρωπιστική μόρφωση στα χέρια των μανιεριστών καλλιτεχνών. Μετά από μια παραμονή στην Ιταλία και, αργότερα, στην Ισπανία, όπου έκανε το περίφημο και εντυπωσιακό πορτρέτο έφιππος του δούκα της Λέρμα, τον οποίο εμπιστεύτηκε ο βασιλιάς Φελίπε Γ', ο Ρούμπενς εγκαταστάθηκε στην Αμβέρσα και παντρεύτηκε την Ιζαμπέλ Είδος χήνας. Εκείνα τα χρόνια, ο καλλιτέχνης βρισκόταν στο απόγειο της φήμης του και έφτιαχνε εντυπωσιακούς καμβάδες με θρησκευτικά θέματα και την ανάταση της μοναρχίας. Αλλά μάλλον οι πίνακες για τους οποίους θυμόμαστε καλύτερα τον Ρούμπενς είναι αυτοί που πραγματεύονται μυθολογικά θέματα.

Ο καλλιτέχνης είχε μια σταθερή ανθρωπιστική κατάρτιση, που ενισχύθηκε μέσα από τα ταξίδια του στην Ιταλία, και ήξερε πώς να μεταφέρει αυτή τη γνώση στους καμβάδες του. Ξεχωρίζουν για τα εξαίσια χρώματα και τις αισθησιακές πινελιές τους. Οι Τρεις Χάριτες (1639), ένα έργο αρκετά αργά στην παραγωγή του και το οποίο περιλαμβάνει την αναπαράσταση της δεύτερης συζύγου του, Helena Fourment; ο Δημιουργία του Γαλαξία (1636-38) και Η κρίση του Παρισιού (1638).

4. Άντον Βάντικ

Ο Anton Van Dyck είναι ένας από τους σπουδαίους της αγγλικής μπαρόκ ζωγραφικής. Θεωρείται από πολλούς συγγραφείς ως μαθητής του Ρούμπενς, αλλά αυτό είναι ένα θέμα που εξακολουθεί να συζητείται. Το γεγονός ότι στις προμήθειες που λάμβαναν και οι δύο ζωγράφοι έπαιρναν πανομοιότυπες αμοιβές, μας κάνει να υποθέσουμε ότι περισσότερο από μαθητής, ο Van Dyck ήταν συνεργάτης του.

Παρά το γεγονός ότι είναι εξαιρετικός ζωγράφος σε όλους τους τομείς, Ο Van Dyck μνημονεύεται ιδιαίτερα για τα πορτρέτα του.. Ο Κάρολος Α΄ της Αγγλίας, γοητευμένος από το έργο του, τον καλεί στο πλευρό του και τον ονομάζει ζωγράφο δωματίου το 1632, έτσι ο Φλαμανδός εγκαθίσταται μόνιμα στο Λονδίνο και παντρεύτηκε τη Mary Ruthwen, της οποίας έκανε, το 1639, ένα υπέροχο πορτρέτο στο οποίο η κυρία εμφανίζεται ντυμένη στα μεταξένια. μπλε φόρεμα. Η Μαίρη έπασχε από αλωπεκία και ο σύζυγός της δεν κρύβει αυτό το «ελάττωμα» στο πορτρέτο του. Ωστόσο, αντιπροσωπεύει τη νεαρή με μια γλυκύτητα και αξιοπρέπεια που χαρακτηρίζουν τα έργα του, στα οποία η πραγματικότητα του χαρακτήρα αναμειγνύεται με ένα φωτοστέφανο κομψότητας και φινέτσας.

• Σχετικό άρθρο: «Τι είναι η δημιουργικότητα; Είμαστε όλοι «επίδοξοι ιδιοφυΐες»;».

5. Artemisia Gentileschi

Μία από τις πιο διάσημες ζωγράφους του μπαρόκ, η Artemisia Gentileschi (1593-1656) θυμάται, ωστόσο, σχεδόν αποκλειστικά για το θλιβερό επεισόδιο του βιασμού της. Έκανε το πρώτο του σημαντικό έργο σε ηλικία μόλις 17 ετών, Η Σουζάνα και η παλιά (1610), όπου εικονογραφεί με ρεαλιστικό και έντονο τρόπο το γνωστό απόσπασμα από τη Βίβλο.

Εκπαιδευμένος στο εργαστήριο του πατέρα της, Orazio Gentileschi, στα 18 της θέτει στη διάθεσή της έναν ιδιωτικό δάσκαλο, αφού η ιδιότητα της Artemisia ως γυναίκα την εμπόδιζε να αποκτήσει πρόσβαση σε μια ακαδημία. Αυτός ο δάσκαλος, ο Agostino Tassi, την κακοποιεί σεξουαλικά, έτσι ο πατέρας οδηγεί τον εγκληματία στο δικαστήριο. Η Αρτεμισία (που είναι, στην πραγματικότητα, το θύμα), υποβάλλεται σε μια εξευτελιστική ανάκριση, μια επαίσχυντη γυναικολογική επιθεώρηση και, τέλος, σε ένα περισσότερο από φρικιαστικό μαρτύριο, για να «επαληθεύσει» τι ΑΛΗΘΗΣ. Η Αρτεμισία στέκεται στο ύψος της και ο Τάσι καταδικάζεται σε ένα χρόνο φυλάκιση και εξορία.

Έχει σχολιαστεί ότι ένα από τα πιο διάσημα έργα του καλλιτέχνη, Η Τζούντιθ αποκεφαλίζει τον Ολοφέρνη (1612-13), είναι ένα είδος εκδίκησης, μια κραυγή οργής που ρίχνεται στους τέσσερις ανέμους για να εκτονώσει τον πόνο που του προκάλεσε αυτό το επεισόδιο της ζωής του. Δεν ξέρουμε αν ήταν ακριβώς έτσι, αλλά το σίγουρο είναι ότι ο καμβάς έχει μια σπαρακτική ωμότητα και μάλλον ξεπερνά το ομώνυμο έργο του Καραβάτζιο, από τον οποίο, παρεμπιπτόντως, η Αρτεμισία πήρε το τενεβρισμό της και το υπέροχο και συντριπτικό chiaroscuro.

6. Φραντσέσκο Μπορομίνι

Η βιογραφία του Francesco Castelli (1599-1667), ο οποίος αργότερα άλλαξε το επίθετό του σε Borromini, φημίζεται για την τραγική κατάληξή της. Το πρωί της 2ας Αυγούστου 1667, ο καλλιτέχνης, πιθανότατα βυθισμένος σε μια σοβαρή κατάθλιψη, ρίχτηκε στο σπαθί του. έσβησε μαζί του ένα από τα πιο λαμπερά φώτα του ιταλικού μπαρόκ.

Ένας αιώνιος εχθρός του Gian Lorenzo Bernini, η ζωή του Borromini ήταν ένας συνεχής αγώνας για να παραμείνει στην κορυφή. Η Ρώμη ήταν, εκείνη την εποχή, το επίκεντρο της ευρωπαϊκής τέχνης. Οι πάπες διαδέχονταν ο ένας τον άλλον και ανέθεσαν έργα το ένα μετά το άλλο, με σκοπό να εξωραΐσουν την Αιώνια Πόλη και να τη μετατρέψουν σε ζωντανό σύμβολο της Αντιμεταρρύθμισης. Ο Francesco Borromini έφτασε στην παπική πόλη σε ηλικία μόλις 20 ετών, μετά από παραμονή στο Μιλάνο, όπου εργαζόταν στο Duomo. Στη Ρώμη, ο Borromini άρχισε να εργάζεται στο St. Peter's, και αργότερα στο παλάτι Barberini, μαζί με τον μετέπειτα αντίπαλό του, Bernini.

Πολλοί συγγραφείς έχουν αναρωτηθεί ποιος ήταν ο πραγματικός λόγος που οδήγησε τον μεγάλο καλλιτέχνη να δώσει τέλος στη ζωή του. Φαίνεται ότι ο Μπορομίνι είχε έναν μελαγχολικό χαρακτήρα, ο οποίος τονιζόταν όσο περνούσαν τα χρόνια και είδε ότι οι κύριες παπικές εντολές έπεφταν στον εχθρό του. Είναι περισσότερο από πιθανό ότι αυτό, μαζί με τη δική του συναισθηματική αστάθεια και τον θάνατο του φίλου και έμπιστου φίλου του Fioravante Martinelli, τον βύθισαν, όπως έχουμε ήδη πει, σε σοβαρή κατάθλιψη. Όπως και να έχει, στις 2 Αυγούστου 1667, ο κόσμος έχασε έναν από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του μπαρόκ, συγγραφέα, μεταξύ άλλων θαυμάτων, της υπέροχης εκκλησίας San Carlo alle Quattre Fontane, στη Ρώμη.

7. Μικελάντζελο Μερίσι (Καραβάτζιο)

Ο Michelangelo Merisi, περισσότερο γνωστός ως «Il Caravaggio» (1571-1610) είναι ένας ακόμη από εκείνους τους καλλιτέχνες που, όπως και ο Vermeer, μας έχει αφήσει ελάχιστα δείγματα της υπέροχης δουλειάς του. Πράγματι, είναι λίγοι καραβάτζιο που διατηρούνται στον κόσμο, εν μέρει λόγω του φευγαλέου περάσματος του από τον κόσμο (πέθανε σε ηλικία 39 ετών). καραβάτζιο Φημίζεται, μεταξύ πολλών άλλων, και ως ο «εφευρέτης» του tenebrism, ένα εφέ αντιθέσεων ανάμεσα στο φως και το σκοτάδι που έμελλε να δώσουν μια σφραγίδα προσωπικότητας σε όλα τα δικά του πίνακες ζωγραφικής, και αυτό θα το μιμούνταν και άλλοι καλλιτέχνες, ανάμεσά τους και η επίσης μεγάλη Αρτεμισία Τζεντιλέσκι.

Όταν η οικογένεια του Καραβάτζιο μετακόμισε στη Ρώμη, ο νεαρός άρχισε να εκπαιδεύεται σε μέτρια εργαστήρια ζωγράφων. Το πρώτο σημαντικό γνωστό έργο του είναι το αγόρι που ξεφλουδίζει τα φρούτα, από το 1592, που έγινε όταν ο Caravaggio ζούσε με τον Monsignor Colonna, τον οποίο ο νεαρός ζωγράφος ονόμασε «Monsignor martuce» λόγω της μικρής ποικιλίας διατροφής που του πρόσφερε ο κληρικός. Πολλοί συγγραφείς έχουν επισημάνει τις πιθανές σεξουαλικές χάρες που έδιναν οι νέοι ζωγράφοι σε αντάλλαγμα για ένα σπίτι και προστασία. Το γεγονός είναι αβέβαιο, αλλά είναι μια απολύτως εύλογη πιθανότητα. Στην πραγματικότητα, η ζωή του Καραβάτζιο γλιστρούσε πάντα στα χαμηλότερα και πιο σκιερά βάθη της κοινωνίας.

Από αυτά τα περιβάλλοντα πήρε τα μοντέλα για τους πίνακές του και γι' αυτό βρίσκουμε στα έργα του αυτόν τον αέρα πραγματικότητας και νατουραλισμού που μας συγκινεί. Μάλιστα κάποια έργα του απορρίφθηκαν από τους θαμώνες τους για τον τονισμένο νατουραλισμό τους, ο οποίος αμάρτησε ενάντια στο «decorum» (το όνομα που δίνεται στον σωστό τρόπο αναπαράστασης των σκηνών θρησκευτικός). Γνωστή περίπτωση είναι Ο θάνατος της Παναγίας (1604), για την οποία ο Καραβάτζιο έκανε το πρότυπο μιας πόρνης πνιγμένης στον Τίβερη.

Ο ίδιος ο Καραβάτζιο δεν ξέφυγε από τη βλαβερή επιρροή των σκιερών κύκλων που σύχναζε. Διάσημος για τις σειρές και τη βίαιη μέθη του, το 1607 σκότωσε έναν άνδρα σε μια συμπλοκή και αναγκάστηκε να φύγει από τη Ρώμη. Από τότε, η ζωή του θα είναι ένα συνεχές προσκύνημα μέχρι τον δικό του θάνατο, που συνέβη το 1610.

8. Λουίζα Ρολντάν («La Roldana»)

Η Luisa Roldán (1652-1706) είναι ένα από τα γυναικεία ονόματα που πρέπει να πλαισιωθούν με χρυσά γράμματα στην ιστορία της τέχνης. Αδίκως ξεχασμένη στα βιβλία, όπως και οι περισσότεροι από τους συντρόφους της, η Λουίζα διηύθυνε ένα εργαστήριο γλυπτικής στα μέσα του 17ου αιώνα. Γεννήθηκε στην ταραχώδη και δυναμική Σεβίλλη του 17ου αιώνα, όπου και άλλοι σπουδαίοι, όπως ο Βελάσκεθ ή ο Μουρίλο, προπονήθηκαν, και εκπαιδεύτηκε στο εργαστήριο του πατέρα του, Πέδρο Ρολντάν. Κατά τα πρώτα χρόνια, η Λουίζα σμίλεψε επιβλητικές φιγούρες σε φυσικό μέγεθος που ακολουθούσαν τις οδηγίες της Καθολικής Αντιμεταρρύθμισης. τα περισσότερα από αυτά προορίζονταν για ανδαλουσιανές πομπές. Είναι επίσης διάσημο για την παραγωγή φιγούρων από τερακότα για τις σκηνές της γέννησης ναπολιτάνικου στιλ που ήταν τόσο δημοφιλής εκείνη την εποχή.

Η Λουίζα έζησε με τον σύζυγό της στη Σεβίλλη (τον οποίο είχε παντρευτεί σε ηλικία 19 ετών χωρίς τη συγκατάθεση των γονιών της) μέχρι το 1686, έτος κατά το οποίο μετακόμισαν στο Κάντιθ. Η σκηνή πληρότητας της Λουίζα Ρολντάν είναι, ωστόσο, η σκηνή της στη Μαδρίτη, μια πόλη όπου έφτασε το 1689, συνοδευόμενη από τον σύζυγό της και τα παιδιά της. Το 1692 φτάνει το πολυαναμενόμενο ραντεβού: ο βασιλιάς Κάρλος Β' διορίζει τον γλύπτη του θαλάμου της. Τα έργα του από τερακότα μικρού σχήματος είναι από αυτήν την περίοδο της Μαδρίτης, που προορίζονται για ευγενείς και αστικές οικογένειες για ιδιωτική αφοσίωση. Όπως συμβαίνει με τις περισσότερες γυναίκες καλλιτέχνες, μέχρι πρόσφατα μεγάλο μέρος της δουλειάς της είχε αποδοθεί στον πατέρα της ή στον σύζυγό της. Ευτυχώς, επί του παρόντος νέες μελέτες έχουν βάλει τις κουκκίδες στα i και έχουν δείξει την παραγωγική παραγωγή αυτού του Σεβίλλη καλλιτέχνη, ενός από τους σπουδαίους γλύπτες του Ισπανόφωνου Μπαρόκ.

9. Bartolome Esteban Murillo

Αν κάτι θυμάται στο λαϊκό επίπεδο αυτού του εξαίρετου καλλιτέχνη του ισπανικού μπαρόκ, είναι η Άμωμη Σύλληψή του και τα πανέμορφα Παιδιά του Ιησούς και Άγιος Ιωάννης.

Πράγματι, το έργο του Murillo (1617-1682) ξεφεύγει από τη διάσημη μπαρόκ μνημειακότητα και μας εισάγει σε έναν κόσμο οικείας γλυκύτητας που φαίνεται βγαλμένο από την πιο αυστηρή καθημερινότητα. Τρανό παράδειγμα αυτής της «κάθοδος των θρησκευόμενων στη γη» που, από την άλλη, είναι χαρακτηριστική της γλώσσας του μπαρόκ, είναι ο διάσημος πίνακας του. Η Αγία Οικογένεια του μικρού πουλιού, όπου μας παρουσιάζουν μια συνηθισμένη οικογένεια, παραδομένη στις καθημερινές δουλειές. Η Παναγία, στο βάθος, παρακολουθεί τον Άγιο Ιωσήφ να παίζει με το Παιδί. Δεν υπάρχει τίποτα στη σκηνή που να μας λέει ότι οι χαρακτήρες είναι άγιοι, ούτε ότι το παιδί είναι παιδί του Θεού. Είναι ένα στιγμιότυπο μιας συνηθισμένης οικογένειας στην Ισπανία του 17ου αιώνα. Και αυτή είναι η πραγματική αξία του έργου του Murillo.

Ο Σεβίλλης καλλιτέχνης συλλέγει επίσης στο έργο του, παράλληλα με τον χαρακτηριστικό μπαρόκ νατουραλισμό, μια φινέτσα που σχεδόν προαναγγέλλει τη ροκοκό αισθητική του επόμενου αιώνα. Οι νατουραλιστικοί πίνακές του εξάγουν τα μοτίβα και τους χαρακτήρες από την καθημερινή ζωή, όπως έκαναν ο Καραβάτζιο και ο Βελάσκεθ. στον καμβά του Παιδιά που τρώνε σταφύλια και πεπόνι, βλέπουμε δύο αγοράκια που διασκεδάζουν καταβροχθίζοντας φρούτα, ίσως ένα από τα λίγα φαγητά που θα έχουν πρόσβαση σε αρκετές μέρες. Τα βρώμικα ποδαράκια και τα σκισμένα ρούχα του είναι νότες ρεαλισμού με τις οποίες ο Murillo επισημαίνει τη φτώχεια των αγοριών. Από την άλλη, ποζάρουν ταυτόχρονα οι περίφημες Άμωμες συλλήψεις του, σύμβολο της Αντιμεταρρύθμισης μνημειακότητα και γλυκύτητα, και τα πρόσωπα αυτών των παρθένων είναι από τα πιο όμορφα στο Ισπανική ζωγραφική.

10. Γιοχάνες Βερμέερ

Ο Βερμέερ (1632-1675) είναι, μαζί με τον Καραβάτζιο, ένας από τους ζωγράφους που μας άφησαν το μικρότερο σύνολο τέχνης. Μόλις τριάντα έργα διαδίδονται μεταξύ των καλύτερων μουσείων στον κόσμο, αλλά αυτά σπάνια αρκετή παραγωγή για να συνειδητοποιήσουμε ότι έχουμε να κάνουμε με μια από τις μεγάλες ιδιοφυΐες της ζωγραφικής Παγκόσμιος.

Ο Johannes Vermeer γεννήθηκε στο Ντελφτ το φθινόπωρο του 1632. Εκείνα τα χρόνια, οι λεγόμενες Ηνωμένες επαρχίες ήταν ήδη ανεξάρτητες από το ισπανικό στέμμα και στη χώρα αναπτύσσεται μια εξαιρετική καλλιτεχνική παραγωγή, η οποία έχει ονομαστεί Χρυσή Εποχή των Χωρών Χαμηλός. Οι μεγάλοι προστάτες, σε αντίθεση με τις καθολικές χώρες, ήταν οι αστοί και οι έμποροι των πόλεων. Γι' αυτό στην Ολλανδία βρίσκουμε ένα άλλο είδος εικονογραφικής γλώσσας, που δεν έχει καμία σχέση με το νότιο μπαρόκ.

Η ολλανδική αστική τάξη, που ήταν επίσης προτεστάντρια, δεν ήθελε μεγάλους καμβάδες βιβλικής αποθέωσης, αλλά προτιμούσε σκηνές καθημερινής οικειότητας. Και αυτό είναι που ο Βερμέερ ήταν πραγματικός κύριος.

Οι εσωτερικοί χώροι του Βερμεέριου είναι εξαίσιοι, παρά το γεγονός ότι σχεδόν όλοι διαδραματίζονται στο ίδιο δωμάτιο, εκ των οποίων αλλάζει μόνο η θέση των στοιχείων. Σε όλα του τα έργα, οι χαρακτήρες φαίνονται αιφνιδιασμένοι καθώς πραγματοποιούν τις καθημερινές τους δραστηριότητες. Βλέπουμε μια νεαρή γυναίκα απορροφημένη στην ανάγνωση ενός γράμματος στο έργο κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα (1657), που δεν έχει προσέξει την παρουσία μας, ή άλλη νεαρή γυναίκα που, ακουμπώντας το κεφάλι της στο χέρι της, παίρνει έναν σύντομο υπνάκο (κοιμάται κορίτσι, 1657). Σε όλα τα έργα του Βερμέερ έχουμε την αίσθηση ότι μπαίνουμε σε έναν κόσμο που δεν μας ανήκει.