Ιμπρεσιονισμός: χαρακτηριστικά, έργα και οι σημαντικότεροι καλλιτέχνες

Το ιμπρεσιονιστικό κίνημα αντιπροσωπεύει μια καμπή στην ιστορία της δυτικής ζωγραφικής. Αν και δεν μπορεί να ονομαστεί τέχνη avant-garde, μπορεί να ειπωθεί ότι ο ιμπρεσιονισμός άνοιξε το δρόμο για αυτό που αποκαλούν ορισμένοι ειδικοί «Η διαφοροποίηση της θέλησης του στυλ» μεταξύ των καλλιτεχνών που, τελικά, κατέστησαν δυνατή τη βλάστηση του πνεύματος της πρωτοπορίας (Pierre Francastel).

Γύρω στο 1867, ο ζωγράφος Edouard Manet παρουσίασε τα σκανδαλώδη έργα του στο Hall of the Rejected στο Παρίσι Ολυμπία Γ Γεύμα στο γρασίδι, επειδή η κριτική επιτροπή δεν το άξιζε για το Επίσημο Σαλόνι, όπως το έργο σχεδόν τριών χιλιάδων καλλιτεχνών.

Άλλοι καλλιτέχνες όπως ο Claude Monet, ο Edgar Degas ή ο Pierre-Auguste Renoir είχαν επίσης απορριφθεί συστηματικά. Όλοι είχαν κάτι κοινό: ήταν πεπεισμένοι ότι είχαν κάτι νέο να δείξουν και ότι η άποψή τους ήταν πολύτιμη. Αλλά τι πρότειναν και τι τους έκανε τόσο σημαντικούς;

Μια νέα εμφάνιση

Καλλιτέχνες όπως οι Monet, Renoir, Berthe Morisot, Guillaumin, Degas, Sisley ή Pissarro, μεταξύ πολλών άλλων, μοιράστηκαν κοινές πλαστικές αξίες και αρχές. Κατ 'αρχάς, πρότειναν κατ' εξοχήν έναν πολίτη.

Καθώς η εκβιομηχάνιση προχωρούσε και οι ευρωπαϊκές πόλεις εκσυγχρονίστηκαν, οι κριτές του επίσημου σαλόνι του Παρισιού ήταν ακόμη προσκολλημένοι σε προ-μοντέρνα θέματα: ποιμενικά τοπία, ο φυτικός κόσμος, οι μεγάλες ιστορικές μυθολογίες, και τα λοιπά.

Οι Ιμπρεσιονιστές, από την άλλη πλευρά, αναγνώρισαν τη σύγχρονη πόλη ως τοπίο, επειδή κατάλαβαν ότι οι ιστορικές αλλαγές επηρέασαν επίσης τη λειτουργία της τέχνης.

Για παράδειγμα, εάν πριν οι άνθρωποι έπρεπε να έχουν πολλά χρήματα και χρόνο για να αναθέσουν ένα πορτρέτο, τώρα, με την εφεύρεση του φωτογραφία, αυτό ήταν δυνατό σε λίγα λεπτά και με πολύ χαμηλό κόστος, με το πλεονέκτημα ότι θα μπορούσε να είναι η εικόνα παίζω.

Αυτοί οι δυσαρεστημένοι καλλιτέχνες αναρωτήθηκαν: θα είναι βιώσιμη μια τέχνη που μόλις «τεκμηριώνει» τον κόσμο των αρχαίων ιδεών και της οποίας η γλώσσα δεν εξελίσσεται; Θα είναι χρήσιμη μια τέχνη που περιορίζεται να απεικονίζει τη φύση στην τελειότητα; Η απεικόνιση είναι η φωτογραφία! Φυσικά η τέχνη μπορεί να κάνει πολύ περισσότερα από αυτό! Είναι θέμα προοπτικής, θα πουν.

Πρώτον, οι ιμπρεσιονιστές εκμεταλλεύτηκαν το γεγονός ότι η φωτογραφία ήταν ασπρόμαυρη. Αργότερα, ορισμένες βιομηχανικές εξελίξεις διευκόλυναν ορισμένους μετασχηματισμούς στους τρόπους παραγωγής τέχνης. Για παράδειγμα, χάρη στη βιομηχανοποίηση, οι καλλιτέχνες μπόρεσαν να έχουν ελαιοχρώματα σε σωλήνες, επιτρέποντάς τους να πάνε έξω για να ζωγραφίσουν χωρίς φόβο ότι το χρώμα θα στεγνώσει.

Δουλεύοντας ήσυχα στο ύπαιθρο, έβλεπαν τα βλέμματα να απεικονίζουν όμορφα αλλά στιγμιαία φαινόμενα φωτός που απαιτούσαν ταχύτητα πιάσε τους στον καμβά: ένα ηλιοβασίλεμα, η αντανάκλαση του φωτός στο νερό, ο τρόπος με τον οποίο ο φωτισμός αλλάζει το χρώμα των πραγμάτων, και τα λοιπά.

Έτσι, άρχισαν να αναπτύσσουν μια νέα τεχνική που θα γινόταν μια πραγματική σχολική εικονογραφία, με επίκεντρο το φως και το χρώμα. Ας δούμε ποιες είναι αυτές οι τεχνικές και τα χαρακτηριστικά που ορίζουν τον Ιμπρεσιονισμό.

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού

Οι Ιμπρεσιονιστές κατανόησαν την πραγματικότητα ως διαρκές και όχι ως να είναι φινίρισμα. Για αυτούς τους καλλιτέχνες, τα πράγματα δεν είναι Αυτοί είναι; απλά, τα πράγματα φαίνεται να είναι.

Επομένως, άνοιξαν τον εαυτό τους στην αισθητηριακή αντίληψη της στιγμής, της μη επαναλαμβανόμενης στιγμής που έπρεπε να καταχωρηθεί αμέσως και γρήγορα. Μεταξύ των χαρακτηριστικών στοιχείων του ιμπρεσιονισμού έχουμε:

Το φως ως θεμελιώδες ενδιαφέρον

Οι ιμπρεσιονιστές καθιέρωσαν ως θεμελιώδες σημείο τη μελέτη του φωτός μέσω της εικονογραφικής τεχνικής. Κατάλαβαν ότι τα χρώματα δεν ήταν ιδιοκτησία αντικειμένων, αλλά το αποτέλεσμα της διάθλασης του φωτός στην ύλη.

Μέχρι τώρα, το φως είχε μελετηθεί στην τέχνη ως σύμβολο θεότητας ή γνώσης (γοτθική τέχνη) ή ως πλαστικό στοιχείο για την επίτευξη καθορισμένων όγκων και ρεαλιστικών και νατουραλιστικών αναπαραστάσεων (Αναγέννηση, κλασικισμός).

Οι ιμπρεσιονιστές καθιστούν το φως κέντρο ενδιαφέροντος και, ως εκ τούτου, επικεντρώνονται στην αναπαράσταση των αποτελεσμάτων του. Δηλαδή, μελετούν το φως ως φαινόμενο: τη συμπεριφορά του, την εξέλιξή του στη στιγμή, τον τρόπο που αλληλεπιδρά με τα αντικείμενα. Έτσι, όλες οι τεχνικές και τα χαρακτηριστικά που ανέπτυξαν ακολουθούν αυτό το θεμέλιο. Θα είναι εμφανές στα ακόλουθα σημεία.

Νέα πλαίσια και απόψεις

Πολλοί καλλιτέχνες ιμπρεσιονιστών εξερεύνησαν γωνίες, προοπτικές και καρέ που δεν είχαν ξαναδεί στη ζωγραφική. Μέχρι τότε η φωτογραφία ακολούθησε την κλασική αισθητική της Αναγέννησης, αλλά είναι αλήθεια ότι οι νέες προσεγγίσεις και γωνίες είχαν ήδη αρχίσει να βλέπουν. Παραπλανημένοι από αυτές τις δυνατότητες, οι Ιμπρεσιονιστές έφυγαν από την κλασική, μετωπική και συμμετρική διαμόρφωση και επέλεξαν απρόσμενες γωνίες στη ζωγραφική.

Επιπλέον, οι Ιμπρεσιονιστές ενδιαφέρθηκαν για τις στιγμές που περνούν απαρατήρητες ή τις σκηνές που παραμένουν κρυμμένες από τα μάτια των θεατών, όπως αυτό το παράδειγμα του Edgar Degas. Στην παραπάνω εικόνα, βλέπουμε πώς ο Degas αντιπροσωπεύει μια πρόβα μπαλέτου στη σκηνή από το ορχήστρα, όπως φαίνεται από το ριστό ενός διπλού μπάσου στην κάτω αριστερή γωνία.

Εγκατάλειψη σωστού σχεδίου

Το τέλεια περιγραμμένο σχέδιο καθίσταται ανέφικτο για τους ιμπρεσιονιστές. Πολλά από αυτά θα εξαλείψουν τη γραμμή και θα προβάλουν τους όγκους των σχημάτων χρωματίζοντας άμεσα, κάτι που αποκαλύπτει μεγάλη γνώση.

Άλλοι, όπως το Tolouse-Lautrec ή ο Edgar Degas, θα συνεχίσουν να χρησιμοποιούν τη γραμμή, αλλά δεν θα είναι πλέον καθορισμένη και καθαρή γραμμή, αλλά μάλλον με κάπως νευρικό ρυθμό, με αναθεωρήσεις και ξαφνικές εντυπώσεις.

Επικάλυψη χρωμάτων στον καμβά

Τώρα οι Ιμπρεσιονιστές δεν υποχρεούνται να αναμιγνύουν χρώματα στην παλέτα. Στην πραγματικότητα, πολλοί απελευθερώνονται από αυτό το απόσπασμα και βγαίνουν στο ύπαιθρο αναζητώντας ελαφριά φαινόμενα. Επηρεασμένες από οπτικές θεωρίες, οι ιμπρεσιονιστές συνδυάζουν χρώματα απευθείας σε καμβά.

Το επιτυγχάνουν χρησιμοποιώντας δύο τεχνικές: είτε αναμιγνύουν το ένα χρώμα πάνω στο άλλο, είτε έχουν ένα κύριο χρώμα. πλάι-πλάι έτσι ώστε, σε απόσταση, να φαίνεται η δόνηση μεταξύ των δύο δημιουργεί την αντίληψη του δευτερεύοντος χρώματος. Αυτό απαιτεί κάποια συνενοχή από τον θεατή.

Δείτε επίσης Ο Claude Monet και τα έργα του.

Πινέλο, πινελιές και τελείες

Εάν ο στόχος είναι να υπερθέσετε τα χρώματα το συντομότερο δυνατό για να αποτυπώσετε το φευγαλέο αποτέλεσμα του φωτός, είναι καλύτερο να εξοικονομήσετε λεπτομέρειες. Έτσι, οι ιμπρεσιονιστές θα προτιμήσουν άμεσες πινελιές, πολλές φορές με χοντρές πινελιές ή με πινελιές. Θα χρησιμοποιήσουν επίσης την επικάλυψη του πόντους για να δημιουργήσετε ζύμη με όγκο.

Απουσία τελειώματος και καταστολή λεπτομερειών υπέρ του συνόλου

Δεδομένου ότι τα ελαφριά φαινόμενα είναι περιστασιακά και σύντομα, οι ιμπρεσιονιστές ζωγράφοι πρέπει να καταστέλλουν τις λεπτομέρειες, τόσο θαυμαστές στην τέχνη του παρελθόντος, για να ευνοήσουν την παρατήρηση του συνόλου.

Όλες αυτές οι τεχνικές κάνουν την εργασία να μην έχει τελειώματα. οι γραμμές αφήνονται ανοιχτές, οι υφές πορώδεις και οι γραμμές, όταν υπάρχουν, διαχωρίζονται ή αναθεωρούνται.

Υπάρχει επίσης ένα ψυχολογικό παιχνίδι σε αυτό: η αντίληψη ολοκληρώνεται στον εγκέφαλο του θεατή ο οποίος, παρά από αυτές τις λεπτομέρειες, καταφέρνει να εγγράψει στον εγκέφαλό του μια οριοθετημένη εικόνα, όποτε κοιτάζει το έργο του σειρά.

Περιστασιακά ή ασήμαντα θέματα

Η τέχνη πριν από τον ιμπρεσιονισμό, και ακόμη και άλλες παράλληλες κινήσεις, επέμεινε να εκπροσωπήσει το υπερβατικό περιεχόμενο ως δικαιολογία της αξίας του καλλιτεχνικού έργου. Κάθε γυμνή γυναίκα ήταν μια Αφροδίτη, ποτέ μια απλή γυναίκα. Ο θάνατος έπρεπε να είναι ηρωικός ή υπερβατικός. το τοπίο, ένα όνειρο άλλων εποχών. προσωπικά συναισθήματα, μια σημαία για υπεράσπιση · φτώχεια, ένα ζήτημα καταγγελίας.

Οι ιμπρεσιονιστές αφήνουν αυτόν τον κόσμο πίσω και αναγνωρίζουν την πραγματικότητα που έχουν μπροστά από τις μύτες τους: για τον ιμπρεσιονισμό, μια γυμνή γυναίκα ήταν μια γυμνή γυναίκα.

Για παράδειγμα, Ολυμπία Ήταν ένας πίνακας του Manet εμπνευσμένος από τους γνωστούς Αφροδίτη του Ούρμπινο, ζωγραφισμένο από τον Titian τον 16ο αιώνα, αλλά οι ιδιότητες της Αφροδίτης ανταλλάχθηκαν με τις ιδιότητες μιας πόρνης. Και τι σκάνδαλο! Του κόστισε σχεδόν τη λογοκρισία των έργων Ολυμπία Γ Γεύμα στο γρασίδι στο Manet.

Επιπλέον, η πόλη, που έχει ήδη τροποποιηθεί από το βιομηχανικό τοπίο, καθίσταται επίσης άξια εκπροσώπησης, καθώς και ό, τι υπάρχει: οι άνθρωποι, οι σιδηροδρομικοί σταθμοί, πάρτι, γεύματα, μποέμ ζωή, το πάρκο, πρόβες, το ορχήστρα, ιπποδρομίες, τυχερά παιχνίδια, λεωφόρος…

Αλλά στην πραγματικότητα το κάνουν αυτό για να μην αξιοποιήσουν τα ίδια τα ζητήματα. Το κάνουν για να επικυρώσουν τη σημασία της τέχνης και της πλαστικής γλώσσας στο θέμα της αναπαράστασης. Κάθε θέμα για αυτούς είναι μια δικαιολογία για έναν καλό πίνακα. Δεν είναι το θέμα που κάνει ένα έργο σημαντικό: είναι ο τρόπος που το αντιπροσωπεύει. Με αυτό, οι Ιμπρεσιονιστές προχωρούν στο μονοπάτι της αυτονομίας της τέχνης.

Από απορριφθέντα έως ιμπρεσιονιστές: προέλευση του όρου

Οι καλλιτέχνες που ζωγράφισαν με αυτόν τον τρόπο μοιράστηκαν πολλές από τις σκέψεις τους μεταξύ τους και ένιωσαν μέρος μιας συλλογικής. Εκτίμησαν την πρωτοτυπία έναντι της τελειότητας. Επιπλέον, απαίτησαν έναν τολμηρό, περίπλοκο θεατή που ήταν πρόθυμος να μοιραστεί μια νέα άποψη.

Αλλά αυτή η γενιά των λεγόμενων «ιμπρεσιονιστών» έπρεπε να αντιμετωπίσει την απόρριψη, καθώς ήταν η πρώτη που δημοσίευσε ανοιχτά το ερώτημα εικονογραφική παράδοση με βάση τον σεβασμό για καθορισμένο σχέδιο, ο χωρικό βάθος, ο chiaroscuro και σίγουρα το υπερβατικά θέματα (ιστορικά, μυθολογικά, θρησκευτικά, λογοτεχνικά και πορτραίτα μεγάλων προσωπικοτήτων).

Φυσικά υπήρχαν κάπως ελαφρύτερα θέματα τον 19ο αιώνα. Η παράδοση σκηνών εθίμων, νεκρών, ποιμαντικών και θαλάσσιων τοπίων είναι μακρά. Αλλά εκείνη την εποχή, για να μπει ένα έργο στο Επίσημο Μεγάλο Σαλόνι στο Παρίσι, ήταν απαραίτητο να αντιστοιχεί στα μεγάλα θέματα και τις τρέχουσες πλαστικές αξίες.

Η Επίσημη Αίθουσα υπήρχε από τον 18ο αιώνα και ήταν η πιο σημαντική πλατφόρμα για την προώθηση της αφιέρωσης των καλλιτεχνών. Όλοι αγωνίστηκαν για να αξίζουν να εμφανιστούν στην Αίθουσα. Αλλά οι Ιμπρεσιονιστές απορρίφθηκαν συστηματικά.

Το 1863, η κριτική επιτροπή του επίσημου σαλόνι του Παρισιού είχε απορρίψει τόσα πολλά έργα που δημιουργήθηκε σκάνδαλο. Λαμβάνοντας υπόψη τα παράπονα των καλλιτεχνών, που ήθελαν να μιλήσουν οι πολίτες, η γαλλική κυβέρνηση επιχορήγησε ένα Hall of the Rejected, στο οποίο συμμετείχε ο Manet. Η καταστροφή ήταν τέτοια που η κυβέρνηση δεν επανέλαβε ποτέ ξανά την πρωτοβουλία.

Εμπνευσμένο από τον Manet, τα νέα ταλέντα αποφάσισαν να δημιουργήσουν μια κοινή εταιρεία ζωγράφων, γλύπτες και χαράκτες, και, τέλος, το 1874, οργάνωσαν τη δική τους αίθουσα των απορριφθέντων. Η έκθεση πραγματοποιήθηκε σε χώρο που προσέφερε ο φωτογράφος Ναντάρ και πολλοί άνθρωποι βγήκαν από περιέργεια, αλλά χωρίς πίστη.

Πράγματι, ο κριτικός Louis Leroy είχε έρθει και έκπληκτος ιδιαίτερα με τον πίνακα του Claude Monet με τίτλο Εντύπωση του ανατέλλοντος ήλιου. Στη συνέχεια δημοσίευσε μια κριτική στον τύπο που είπε:

«Κοιτάζοντας τη δουλειά, νόμιζα ότι τα γυαλιά μου ήταν βρώμικα. Τι αντιπροσωπεύει αυτός ο καμβάς;..., ο πίνακας δεν είχε κανένα σωστό ή λάθος... Εντύπωση! Φυσικά παράγει μια εντύπωση... η ταπετσαρία στην εμβρυϊκή του κατάσταση είναι πιο φτιαγμένη από αυτό το θαλάσσιο... "

Δυσαρεστημένοι, αλλά με πονηριά και κομψότητα, οι αρχάριοι καλλιτέχνες ανέλαβαν τον αποκλεισμό ως το όνομα του κινήματος. Ιμπρεσιονιστές! Ναι, θα είμαστε και με μεγάλη τιμή: ιμπρεσιονιστές!

Και αυτό που στην αρχή ήταν η απόρριψη, νωρίτερα και όχι αργότερα έγινε η πιο μακροχρόνια επευφημία στη σύγχρονη τέχνη. Το ενδιαφέρον για τον ιμπρεσιονισμό φτάνει τόσο ακραία που σήμερα αυτό το κίνημα, τόσο φευγαλέο όσο το ηλιοβασιλέματα που ζωγράφισε, έχει τα δικά του μουσεία στο Παρίσι: το Musée d'Orsay και το Musée de la Πορτοκαλεώνας.

Αλλά προσέξτε! Είναι αλήθεια ότι το κίνημα δεν κράτησε πολύ, αλλά η επιρροή του είναι παρούσα στην τέχνη των γενεών, τόσο στην ευρωπαϊκή τέχνη όσο και στη λατινοαμερικάνικη τέχνη.

Δείτε επίσης 16 πίνακες Vincent Van Gogh.

Σημαντικοί Ιμπρεσιονιστές Καλλιτέχνες

Υπάρχουν πολλοί καλλιτέχνες που θέτουν τον τόνο στο ιμπρεσιονιστικό κίνημα. Σε αυτήν την ενότητα, θα αναφέρουμε μερικά από τα πιο σημαντικά και που συμμετείχαν στην πρώτη έκθεση:

Edouard Manet (1832-1883)

Ήταν πραγματικά ένας μεταβατικός ζωγράφος που δεν ήταν ποτέ αρκετά άνετος με το να τοποθετηθεί στο ιμπρεσιονιστικό κίνημα, ή τουλάχιστον όχι στην αρχή. Ωστόσο, αποτέλεσε θεμελιώδη έμπνευση για νέους ζωγράφους, ειδικά από την έκθεσή του στο Hall of the Rejected. Μεταξύ των διάσημων έργων του, ξεχωρίστε Πρωινό στο γρασίδι, Ολυμπία Γ Ένα μπαρ aux Folies Bergère.

Claude Monet (1840-1926)

Το όνομα του ιμπρεσιονιστικού κινήματος οφείλεται έμμεσα στο Monet. Ήταν σε θέση να επιτύχει μια ωραία και υπέροχη ανάπτυξη των εφέ φωτισμού σε όλα τα είδη επιφάνειες, όπως σε νούφαρα, νερό, θολό ατμόσφαιρα και υφές του βλάστηση. Ανάμεσα στα πιο σημαντικά έργα του, ξεχωρίζει Εντύπωση του ανατέλλοντος ήλιου και η σειρά του Lily μαξιλάρια.

Δείτε επίσης Ο Claude Monet και τα έργα του: χαρακτηριστικά, ανάλυση και νόημα.

Camile Pissarro (1830-1903)

Έγινε εμμονή με τονίζοντας πώς το φως μετέτρεψε οποιοδήποτε τοπίο σε μια εντελώς νέα πραγματικότητα μπροστά στα μάτια του θεατή. Επηρεασμένος από τα ταξίδια του στην Καραϊβική, όπου μελέτησε τα ελαφριά αποτελέσματα στις ακτές της Βενεζουέλας, Ο Πίσσαρο ζωγράφισε τους πίνακες του σαν να ήταν στιγμιότυπα, καταγράφοντας τις πολλαπλές όψεις του ίδιου πραγματικότητα. Μεταξύ των σημαντικότερων έργων του, μπορούμε να αναφέρουμε τη σειρά του Boulevard de Montmartre Γ Ηλιοβασίλεμα στο Éragny.

Έντγκαρ Ντεγκάς (1834-1917)

Αυτός ο ζωγράφος είναι γνωστός για τη συστηματική ανάπτυξη θεμάτων όπως χορευτές, μουσικοί και άλογα. Εκτός από την καταγραφή των εφέ του φωτός πολύ καλά, όπως κάθε ιμπρεσιονιστής, ο Degas ενδιαφερόταν πολύ για καινοτόμες λήψεις και στιγμιαίες ή στιγμιαίες στιγμές. Για αυτόν τον λόγο, δεν έδινε σημασία στις "πόζες", αλλά στο στροφές του σώματος που απορρίφθηκαν από την παράδοση για "έλλειψη κομψότητας": γυναίκα που δένει τα παπούτσια της ενώ τα γόνατά της βγαίνουν υπό γωνία, τη στιγμή που ένα σαπούνι πέφτει στην μπανιέρα και πρέπει να σηκωθεί κ.λπ. Τα έργα του περιλαμβάνουν: Μάθημα χορού Γ Αψέντι.

Δείτε επίσης 14 εμβληματικά έργα του Edgar Degas.

Berthe Morisot (1841-1895)

Ήταν μια εξέχουσα γυναίκα στο κίνημα, κάτι που δεν ήταν εύκολο στην εποχή της. Κατάφερε να εκθέσει στο σαλόνι του Παρισιού το 1864, αλλά σύντομα εντάχθηκε στο ιμπρεσιονιστικό κίνημα. Ο Edourad Manet ήταν ο προσωπικός του φίλος από το 1868, από τον οποίο ο Morisot έγινε ένα επαναλαμβανόμενο θέμα στη ζωγραφική του.

Μέχρι το 1873, που είχε ήδη αγγίξει το ιμπρεσιονιστικό στυλ, απορρίφθηκε από την κριτική επιτροπή του επίσημου σαλόνι. Έτσι, εντάχθηκε στη μεγάλη έκθεση του συγκροτήματος που θα έδινε σε όλους την πολυαναμενόμενη επαγγελματική προβολή. Ανάμεσα στους πιο διάσημους πίνακες του μπορούμε να αναφέρουμε Η κούνια Γ Eugene Manet στο Isle of Wight.

Pierre-August Renoir (1841-1919)

Το στυλ του χαρακτηρίζεται από το πορώδες της γραμμής του. Δημιουργεί ατμόσφαιρες με αόριστα σημεία, χωρίς καθαρά περιγράμματα, όπου τα χρώματα αναμιγνύονται και τα επίπεδα δεν διακρίνονται, σαν να ήταν όλα υφασμένα και συγκρατημένα από κάθε στοιχείο. Οι σκηνές που απεικονίζουν την αστική ζωή της εποχής του, τα μεσημεριανά γεύματα, τα πάρτι, τους περιπάτους είναι διάσημες. Ο Ρενουάρ φημίζεται για τα έργα του Χορέψτε στο moulin de la Galette Γ Το μεσημεριανό γεύμα των κωπηλατών.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Renoir: τα πιο σημαντικά έργα του ιμπρεσιονιστή ζωγράφου

Άλλα ονόματα ζωτικής σημασίας

Οποιαδήποτε λίστα είναι συνήθως άδικη. Πολλά είναι τα ονόματα των θεμελιωδών ιμπρεσιονιστικών ζωγράφων στην ανάπτυξη του κινήματος. Δεν μπορούμε να τα αναπτύξουμε όλα, αλλά τουλάχιστον μπορούμε να ηχογραφήσουμε όλα τα ονόματα που συμμετείχαν στην πρώτη έκθεση που έδωσε ώθηση στο κίνημα.

Εκτός από τους Manet, Monet, Renoir, Morisot, Pissarro και Degas, στην πρώτη ιμπρεσιονιστική έκθεση βρίσκουμε τους Alfred Sisley, Paul Cézanne, Gustave Colin, Louis Debras, Armand Guillaumin, Louis Latouche, Ludovic-Napoléon Lepic, Stanislas Lépine, Zacharie Astruc, Antoine-Ferdinand Attendu, Édouard Béliard, Eugène Boudin, Félix Bracquemond, Édouard Brandon, Pierre-Isidore Bureau, Adolphe-Félix Cals, Jean-Baptiste-Léopold Levert, Alfred Meyer, Auguste de Moulins, Mulot-Durivage, Joseph de Nittis, Auguste-Louis-Marie Ottin, Léon-Auguste Ottin, Léopold Robert και Henri Ρουάρτ.

Από τότε και στο εξής, πολλοί άλλοι θα ενταχθούν στο κίνημα, λαμβάνοντας μια θεμελιώδη στροφή προς την ανάπτυξη της μετα-ιμπρεσιονιστικής και πρωτοποριακής γλώσσας.

Γιατί ο ιμπρεσιονισμός δεν είναι ένα πρωτοποριακό κίνημα;

Παρά τα πάντα που ο Ιμπρεσιονισμός έφερε επανάσταση στην εικονογραφική τεχνική, δεν θεωρείται σωστά ένα avant-garde κίνημα, αν και αναγνωρίζεται ότι ήταν το κλειδί στην ανάπτυξη του αξίες όπως καλλιτεχνική πρωτοτυπία Γ Προσωπικό στυλ.

Ανεξάρτητα από την επιρροή που μπορεί να έχει ασκήσει, ο ιμπρεσιονισμός παρέμεινε προσκολλημένος στο α κεντρική ιδέα ολόκληρης της δυτικής εικονογραφικής παράδοσης: παρέμεινε μια τέχνη που μίμησε την φύση α νατουραλιστική τέχνη (να μην συγχέεται με το λογοτεχνικό και εικονογραφικό κίνημα που είναι γνωστό ως νατουραλισμός).

Αυτό σημαίνει ότι ο ιμπρεσιονισμός συνέχισε να εφαρμόζει τις βασικές αρχές του πλάσιμο Γ αληθοφάνεια, παρά το ότι έχει σπάσει με τον τομέα της γραμμής, το χωρικό βάθος και το chiaroscuro, καθώς και την υποχρέωση εκπροσώπησης υπερβατικών θεμάτων.

Με μια ανανεωμένη οπτική γλώσσα και casual και μοντέρνα θέματα, οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες άνοιξαν την πόρτα για τις νέες γενιές να βγουν και να εξερευνήσουν επαναστατικές ιδέες. Σίγουρα, από τους μετα-ιμπρεσιονιστές και τους πρωτοπόρους έως τους σύγχρονους καλλιτέχνες, ο κόσμος έχει πολλά να ευχαριστήσει για τον ιμπρεσιονισμό.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Μετα-ιμπρεσιονισμός: τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά του, συγγραφείς και πίνακες ζωγραφικής