Οι 25 πιο αντιπροσωπευτικοί πίνακες της Αναγέννησης για να κατανοήσουν τις συνεισφορές τους

Η μεγάλη εικονογραφική επανάσταση της Αναγέννησης έλαβε χώρα συγκεκριμένα τον 15ο αιώνα, γνωστή ως Quattrocento. Σε ένα περιβάλλον αυξανόμενης πνευματικής περιέργειας, η βελτίωση και η διάδοση της ελαιογραφίας επέτρεψε τη χρήση του ο καμβάς ως στήριγμα, έτσι ώστε ο πίνακας να μπορεί να απελευθερωθεί από τους τοίχους, και αυτό ευνόησε τη συλλογή ιδιαιτερος.

Έτσι, δημιουργήθηκαν νέα είδη όπως η προσωπογραφία και το ενδιαφέρον για το τοπίο και τη νεκρή φύση γεννήθηκε, αν και δεν ήταν ακόμη ανεξάρτητα είδη. Εμφανίστηκαν επίσης τα γυμνά και μη χριστιανικά μυθολογικά, ιστορικά και αλληγορικά θέματα. Τα θρησκευτικά θέματα συνέχισαν να είναι η σειρά της ημέρας, αλλά από μια ανθρωποκεντρική προσέγγιση.

Στη συνέχεια, θα κάνουμε μια χρονολογική περιήγηση στους πιο διάσημους πίνακες της Αναγέννησης, προκειμένου να καταγράψουμε τις συνεισφορές και τις καινοτομίες κάθε καλλιτέχνη και την εξέλιξη του στυλ με την πάροδο του χρόνου.

1. Αγία Τριάδα με την Παναγία, τον Άγιο Ιωάννη και τους δωρητές, από τον Masaccio (1425-1427)

Φρέσκο Αγία Τριάδα, με την Παναγία, τον Άγιο Ιωάννη και τους δωρητές Αντιπροσωπεύει την αφετηρία της Αναγέννησης, καθώς οι μεγάλες πλαστικές και πολιτιστικές αλλαγές της εποχής ενώνονται. Η γραμμική προοπτική, το chiaroscuro και η τεχνική trompe l'oeil ξεχωρίζουν. Ο θόλος του βαρελιού, με ρωμαϊκή έμπνευση, προβλέπει αλλαγές στην αναγεννησιακή αρχιτεκτονική. Μαζί με τους ιερούς χαρακτήρες, απεικονίζονται οι δωρητές, κάτι που δίνει στο θρησκευτικό θέμα μια ανθρωποκεντρική εμφάνιση. Αυτό αποκαλύπτει την εκτίμηση που είχε η γενιά από μόνη της.

2. Ο Ευαγγελισμός, από τον Fra Angelico (1425-1426)

Επί Ο ΕυαγγελισμόςΤο Fra Angélico κληρονομεί από τον Μεσαίωνα τη γεύση για τη λεπτομέρεια της βλάστησης, αλλά φέρνει πόρους από την Αναγέννηση. Έχει χρησιμοποιήσει την νηφάλια ελληνο-λατινική αρχιτεκτονική και έχει εκμεταλλευτεί τις γραμμές του για να τονίσει την προοπτική. Για να επιτύχει μεγαλύτερο χωρικό βάθος, έχει ανοίξει διάφορα ανοίγματα που δημιουργούν υπέρθετα επίπεδα: μια πόρτα οδηγεί σε ένα δωμάτιο και, αυτό, δείχνει ένα διακριτικό παράθυρο στο πίσω μέρος. Ο κήπος στα αριστερά αναφέρεται στην απέλαση από τον παράδεισο του Αδάμ και της Εύας. Στο κάτω μέρος, βλέπουμε μια σειρά από σκηνές από τη ζωή της Μαρίας. Αυτός ο τύπος γραμμών με ακολουθίες σκηνών στη βάση των πλαισίων ονομάζεται pre-les.

3. Ο γάμος Arnolfini, από τον Jan van Eyck (1434)

Ο Jan van Eyck ήταν ένας φλαμανδός ζωγράφος που τελειοποίησε την ελαιογραφία και βοήθησε στη διάδοσή του. Αυτό το συγκεκριμένο έργο είναι ένα από τα πρώτα φωτογραφικά πορτρέτα στην ιστορία. Φορτωμένο με σύμβολα, μεταδίδει τη σημασία και την αξιοπρέπεια των χαρακτήρων, οι οποίοι κατέχουν καλή κοινωνική θέση. Ωστόσο, η ιδιοφυΐα του Van Eyck δεν είναι εκεί.

Ο ζωγράφος παρουσιάζει έναν καθρέφτη στο παρασκήνιο που παίζει με τα επίπεδα αναπαράστασης. Σε αυτό, δείχνει την αντανάκλαση δύο χαρακτήρων που δεν είναι ορατοί στην κύρια σκηνή, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση ότι καταλαμβάνουν τις θέσεις του θεατή. Αυτός ο πόρος πιθανότατα θα έχει εμπνεύσει Μενινά από τον Velázquez, περισσότερα από διακόσια χρόνια αργότερα.

4. Η Παναγία του Canon Van der Paeleαπό τον Jan van Eyck (1434-1436)

Η Παναγία του Canon Van der Paele αντιστοιχεί σε ένα είδος που χρησιμοποιείται ευρέως στην Αναγέννηση, που ονομάζεται Ιερή συνομιλία (ιερή συνομιλία), στην οποία η Παναγία συνομιλεί με τους αγίους σε ένα οικείο περιβάλλον. Σε αυτήν την περίπτωση περιλαμβάνεται ο δότης, Canon Van der Paele, που παρουσιάστηκε από τον Άγιο Γεώργιο. Περπατάει στο θρησκευτικό κανόνι, θυμάται ότι είναι υποταγμένος στην πνευματική δύναμη. Ωστόσο, η παρουσία του στη σκηνή δικαιώνει τον κοινωνικό του ρόλο στη χρονική δύναμη.

Ο καμβάς επισημαίνει τη μεταχείριση των ρούχων και την αφθονία των λεπτομερειών. Η λάμψη της πανοπλίας του Αγίου Γεωργίου παρέχει μια δικαιολογία για τον Jan van Eyck να χρησιμοποιεί αντανακλάσεις. Μπορείτε να δείτε την αντανάκλαση του καλλιτέχνη και της Παναγίας, που σχεδιάστηκε ως ένας άψογος καθρέφτης θεϊκής χάρης.

5. Η μάχη του Σαν Ρομάνο, του Paolo Uccello (γ. 1438)

Η μάχη του Σαν Ρομάνο από τον Paolo Ucello είναι ένα τρίπτυχο με σκηνές από τη μάχη στην οποία η Φλωρεντία νίκησε τη Σιένα κατά τη διάρκεια των πολέμων της Λομβαρδίας. Αρχικά ανατέθηκε από την οικογένεια Bartolini, σύντομα πέρασε στη συλλογή Medici. Τα μεσαιωνικά στοιχεία εξακολουθούν να υπάρχουν, όπως η αφθονία των λεπτομερειών που τονίζουν την περιγραφική. Ωστόσο, θεωρείται αριστούργημα λόγω της χρήσης της προοπτικής και της προβολής.

Η προαίσθηση αποτελείται από την αναπαράσταση ενός αντικειμένου σε κάθετη γωνία προς τον θεατή. Μπορούμε να τα δούμε λεπτομερώς στον πίνακα Ο αφοπλισμός του Bernardino della Σιάρντα, τόσο στα πεσμένα άλογα, όπως στο πνευματικό άλογο όσο και στο άσπρο άλογο στα δεξιά.

6. Η στέψη της Θεοτόκου, από τον Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Η στέψη της Θεοτόκου Είναι ένα υψόμετρο που ο Fillipo Lippi ανέθεσε ο Francesco Moringhi για την εκκλησία του San Ambrosio. Αντί για έναν ουράνιο χώρο, όλα φαίνεται να συμβαίνουν σε έναν θεατρικό χώρο, προκαλώντας μια βασιλική αίθουσα, στην οποία έχουν προσκληθεί οι άγιοι, ο δότης και ο ίδιος ο Λίπη. Όπως βλέπουμε, η Ιταλική Αναγέννηση επέμενε σε ένα ανθρωποκεντρικό όραμα του ουρανού.

7. Η κατάβαση από τον σταυρό, από τον Rogier van der Weyden (γ. 1443)

Ο Rogier van der Weyden ήταν Φλαμανδός ζωγράφος. Το πιο γνωστό έργο του είναι Η κατάβαση από τον σταυρό, αρχικά ζωγραφισμένο για το εκκλησάκι της Παναγίας έξω από τα τείχη του Λουβαίν. Η ανατομία δεν είναι excata, διότι εσκεμμένα διορθώθηκε για να ευνοήσει την επίσημη κομψότητα.

Οι αναλογίες τροποποιούνται επίσης σκόπιμα για να διανέμουν τα σώματα σε όλη τη σύνθεση. Η Παναγία και ο Ιησούς φαίνεται να αντανακλούν ο ένας τον άλλον: όπως η μητέρα, ο γιος. όπως ο γιος, η μητέρα. Ο πίνακας κερδίζει στη θεραπεία της έκφρασης, των ρούχων και των υφών.

8. Η μάστιγα του Χριστού, από τον Piero della Francesca (1455-1460)

Επί Η μάστιγα του Χριστού, Το Piero della Francesca διατηρεί το θρησκευτικό σκηνικό στο παρασκήνιο και χαρακτηρίζεται από την ψυχραιμία του. Δεν υπάρχει συναίσθημα στους χαρακτήρες. Το θέμα φαίνεται σχεδόν μια συγγνώμη για την ανάπτυξη του πλαστικού προγράμματος της Αναγέννησης, με βάση σε γραμμική προοπτική, συνθετική γεωμετρία και ανάδειξη της αρχιτεκτονικής κλασσικιστής. Επιβεβαιώνεται στη συζήτηση τριών σύγχρονων χαρακτήρων, των οποίων η ταυτότητα δεν έχει προσδιοριστεί ακόμη.

9. Melun Diptych, από τον Jean Fouquet (h. 1450)

Ο Jean Fouquet ήταν Γάλλος ζωγράφος που ανανέωσε την καλλιτεχνική γλώσσα της Γαλλίας μέσω της επιρροής της φλαμανδικής και της ιταλικής ζωγραφικής. Το εν λόγω έργο σχεδιάστηκε ως δίπτυχο για τον τάφο της συζύγου της Étienne Chevalier, του διευθυντή του. Και οι δύο πίνακες έρχονται σε αντίθεση μεταξύ τους.

Στο αριστερό πλαίσιο, ο ζωγράφος έχει εκπροσωπήσει τον Etienne Chevalier και τον Άγιο Στέφανο, προστάτη του, που βρίσκονται σε κλασικό αρχιτεκτονικό χώρο. Στα δεξιά, η Παναγία με το Παιδί και οι άγγελοι. Το γυμνό στήθος της Μαρίας την αναφέρεται ως νοσοκόμα της ανθρωπότητας. Υπάρχει η πεποίθηση ότι το πρόσωπο της Παναγίας ήταν εκείνο της ερωμένης του πελάτη, Agnès Sorel. Αν και το θέμα είναι ιερό στην εμφάνιση, έχει ισχυρό βωμολοχικό χαρακτήρα.

10. Ταξίδι των Μάγων, από τον Benozzo Gozzoli (1459)

Στο Palazzo Medici Riccardi, στη Φλωρεντία, υπάρχει ένα δωμάτιο που ονομάζεται Παρεκκλήσι των Μάγων, σε υπαινιγμό για τις τρεις τοιχογραφίες του Γκότσολι που σχετίζονται με τις ιπποδρομίες των Μάγων. Εκτός από το ότι είναι αριστούργημα λόγω της σύνθετης πολυπλοκότητάς του, το έργο είναι στην πραγματικότητα ένα ανάδειξη της δύναμης που ασκείται από την οικογένεια Medici, της οποίας τα πρόσωπα βρίσκονται στους χαρακτήρες εκπροσωπείται.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει:

• αναγέννηση
• Αναγεννησιακά χαρακτηριστικά

11. Το σπίτι των συζύγων, από τον Andrea Mantegna (1465-1474)

Ο Andrea Mantegna ξεχωρίζει σε αυτήν την τοιχογραφία για τη χρήση τεχνικών αναγέννησης όπως το trompe l'oeil, σε μια ξεκάθαρη προσπάθεια να θολώσει τα όρια μεταξύ ζωγραφικής και πραγματικότητας. Η εικόνα που βλέπουμε αντιστοιχεί μόνο σε έναν από τους τοίχους του Το θάλαμο των συζύγων. Όπως τα υπόλοιπα, γιορτάζει τις δόξες της οικογένειας Gonzaga, σπουδαίους προστάτες της εποχής τους.

12. Θρήνος για τον νεκρό Χριστό, από τον Andrea Mantegna (1475-1478)

Εάν ανά πάσα στιγμή ο Αντρέα Μαντέγκνα ξεπεράσει τον εαυτό του, είναι στο Θρήνος για τον νεκρό Χριστό. Το κομμάτι ξεχωρίζει για την αριστοτεχνική του χρήση της τεχνικής προέντασης. Με αυτόν τον πόρο, η Mantegna ενσωματώνει τον θεατή στη σκηνή και αμφισβητεί το παραδοσιακό μοντέλο σύνθεσης. Ξεχωρίζει επίσης η αναπαράσταση των παρατάξεων των χαρακτήρων. Η Μαρία δεν είναι νεαρή κοπέλα, αλλά ένα πρόσωπο ηλικίας από πόνο. Η λιτότητα της σκηνής τονίζει την τρομερή φύση του θανάτου και της ερήμωσης για τους πένθους.

Δείτε επίσης: Το πάθος του Χριστού στην τέχνη

13. Polyptych του San Vicente, από τον Nuno Gonçalves (1470-1480)

Το Polyptych του San Vicente Είναι ένα από τα αριστουργήματα της Πορτογαλικής Αναγέννησης. Αποδίδεται στον Nuno Gonçalves, αντιπροσωπεύει πενήντα οκτώ χαρακτήρες μαζί με τον Saint Vincent, ο οποίος εμφανίζεται διπλότυπος στα κεντρικά πάνελ, σαν να ήταν αντανάκλαση.

Ξεχωρίζει για την αναπαράσταση των διαφορετικών στρωμάτων της πορτογαλικής κοινωνίας, σε στάσεις και χειρονομίες ανάλογα με την κατάστασή τους. Από αριστερά προς τα δεξιά έχουμε το πάνελ των φρυγανιών. η ομάδα των αλιέων · το πάνελ του Infante Don Enrique (Enrique the Navigator) · η επιτροπή του αρχιεπισκόπου · το πάνελ ιπποτών και το πάνελ λειψάνων.

14. Η λατρεία των μάγων, από τον Sandro Botticelli (1475)

Η λατρεία των μάγων Το de Botticelli αποτελεί θεμελιώδη αναφορά του ιταλικού Quatrocento. Μέχρι τον Μποτιτσέλι, η Αγία Οικογένεια στάθηκε στη μία πλευρά της σκηνής, καλωσορίζοντας τους λάτρεις από την άλλη. Ο Μποτιτσέλι το τοποθέτησε στο κέντρο της σύνθεσης και στην κορυφή μιας πυραμίδας, και τακτοποίησε τους προσκυνητές από τη μια πλευρά στην άλλη και ακόμη και έναν από αυτούς μπροστά.

Ο ζωγράφος απεικονίζει επίσης τους Μάγους με τα πρόσωπα της οικογένειας των Μεδίκων: τον Κοσίμο και τους γιους του, τον Πιέρο il Γκοτόσο και τον Τζιοβάνι. Απεικονίζονται άλλα μέλη της οικογένειας και οι σύμμαχοί τους και ο ίδιος ο Μποτιτσέλι συμπεριλαμβάνεται στον χαρακτήρα κοιτάζοντας τον θεατή.

15. Παράδοση των κλειδιών του ουρανού στον Άγιο Πέτρο, από Perugino (1482)

Αυτό το έργο του Perugino ανατέθηκε από τον Πάπα Sixtus IV, οικοδόμο του Sistine Chapel. Η τοιχογραφία αντιστοιχεί στην ιδέα της μετάδοσης εξουσίας από τον Θεό στην Εκκλησία, που εκπροσωπείται από τον Άγιο Πέτρο. Το έργο είναι μια κύρια έκφραση της εναέριας προοπτικής του ζωγράφου και του βάθους. Στο προσκήνιο, βλέπουμε τους κύριους χαρακτήρες: τον Ιησού, τους αποστόλους και διάφορες αναγεννησιακές μορφές. Στο τελευταίο, το οκταγωνικό κτίριο του κεντρικού φυτού, σύμβολο της καθολικότητας του παπισμού.

16. Η γέννηση της Αφροδίτης, από τον Sandro Botticelli (1482-1485)

Η γέννηση της Αφροδίτης, από τον Sandro Botticelli, ήταν αρχικά μέρος ενός επίπλου, και αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο δεν βλέπουμε τόσο εξαντλητική ανάπτυξη του τοπίου. Η προσοχή που λαμβάνει εν μέρει σχετίζεται με τη μεταχείριση του θέματος, το οποίο δεν είναι πλέον ιερό θέμα. Παρακολουθούμε τον μύθο της καταγωγής της Αφροδίτης ή της Αφροδίτης, θεά της γονιμότητας και του ερωτισμού.

Με αυτό το έργο, ο Μποτιτσέλι νομιμοποίησε την αναπαράσταση του γυναικείου γυμνού στην τέχνη σε βωμολοχίες. Αλλά η Αφροδίτη δεν είναι εδώ ένας χαρακτήρας που εκτίθεται εντελώς, αλλά μια μέτρια Αφροδίτη, η οποία με τα μαλλιά της καλύπτει την «ντροπή» της. Έτσι, αυτό το γυμνό δικαιολογείται ως αναπαράσταση της Αρετής στο πλαίσιο της φιλοσοφικής σκέψης της εποχής.

Δείτε επίσης Η Γέννηση της Αφροδίτης από τον Sandro Botticelli

17. Παναγία των βράχων, από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι (1483-1486)

Αυτό το κομμάτι του Λεονάρντο παραγγέλθηκε από τους μοναχούς του San Donato, το οποίο εξηγεί την κεντρική θέση του θρησκευτικού θέματος. Ο Λεονάρντο έχει τροποποιήσει ένα στοιχείο της αναγεννησιακής παράδοσης: αντί ενός αρχιτεκτονικού τοπίου, έχει πλαισιώσει τη σκηνή σε ένα βραχώδες φυσικό τοπίο. Οι φιγούρες σχηματίζουν μια πυραμίδα και περιγράφονται απαλά χάρη σε ένα από τα πιο αναγνωρισμένα στοιχήματα του ζωγράφου: την τεχνική του sfumato.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Θεμελιώδη έργα του Leonardo da Vinci

18. Πορτρέτο της Τζιοβάννα ντεγλί Αλμπιζίζ Τορναμπουόνι, από τον Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Αυτό το έργο του Ghirlandaio είναι μια υποδειγματική έκφραση του είδους πορτρέτου στην Αναγέννηση. Σύμφωνα με τις ανανεωμένες τιμές της Κλασικής Αρχαιότητας, εμφανίζει ιδανικές αναλογίες και χαρακτηριστικά, καθώς και περιορισμένη ή απουσία εκφραστικότητας Για να δείξετε τα χαρακτηριστικά του χαρακτήρα σας, περιλαμβάνονται ορισμένα προσωπικά αντικείμενα: δώρα κοσμημάτων απολογισμός της δημόσιας ζωής του, ενώ το βιβλίο προσευχής και το κομπολόι δίνουν μια περιγραφή της ζωής του πνευματικός.

19. Το τελευταίο δείπνο, από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι (1498)

Το τελευταίο δείπνο Είναι ένα από τα πιο γνωστά έργα του Leonardo. Ξεχωρίζει για τις πνευματικές και φιλοσοφικές αναφορές που ενσωματώνονται στη σκηνή, αλλά και για το δράμα της. Χωρίς να παραιτηθεί από την αναγεννησιακή ισορροπία, το έργο είναι φορτισμένο με συναισθηματική και ψυχολογική ένταση στους χαρακτήρες του, προκαλώντας την εμφανή ψυχρότητα πολλών προηγούμενων συνθέσεων. Η κακή κατάσταση διατήρησής της είναι εν μέρει αποτέλεσμα της προσπάθειας του Λεονάρντο να αναμίξει τέμπερα και λάδι για να κάνει διορθώσεις στον γύψο.

Δείτε επίσης:

• Ο Τελευταίος Δείπνος του Λεονάρντο ντα Βίντσι
• The Mona Lisa ή La Gioconda του Λεονάρντο ντα Βίντσι
• The Vitruvian Man του Λεονάρντο ντα Βίντσι

20. Σάντο Ντομίνγκο και οι Άλμπιγκενς ή Η δοκιμή της φωτιάς, από τον Pedro Berruguete (1493-1499)

Το ισπανικό Pedro Berruguete αντιπροσωπεύει ένα χωρίο σύμφωνα με το οποίο θα πρότεινε ο Santo Domingo de Guzmán χτίστε μια φωτιά για να δοκιμάσετε τα βιβλία των αιρετικών ομάδων στην πόλη του Άλμπι, Γαλλία. Η φωτιά καταναλώνει αιρετικά βιβλία, ενώ το κανονικό βιβλίο επιπλέει στον αέρα.

Το έργο εκφράζει την πολιτική νοοτροπία της εποχής των Καθολικών Μονάρχων, οι οποίοι επιδίωξαν την ενότητα του βασιλείου πολεμώντας την αίρεση. Επισήμως, η πολυτιμότητα των λεπτομερειών ξεχωρίζει, σαφώς εμπνευσμένη από φλαμένκο, καθώς και η γεύση για επιχρύσωση, που προέρχεται από το γοτθικό, και εκτιμάται ιδιαίτερα στην αρχή της Αναγέννησης.

21. Αυτοπροσωπογραφία, από τον Albrecht Dürer (1500)

Ο Albrecht Dürer ήταν σπουδαίος δάσκαλος της Γερμανικής Αναγέννησης. Αυτό το διάσημο αυτοπροσωπογραφία, το οποίο με την πρώτη ματιά για μια εικόνα του Ιησού Χριστού, δείχνει δύο βασικές επιγραφές: στα δεξιά γράφει "ζωγραφίζω τον εαυτό μου με ανεξίτηλα χρώματα". Στα αριστερά, η ημερομηνία που δείχνει την ηλικία του, 28 χρόνια.

Η μετωπικότητα του πορτρέτου του είναι αρκετά τολμηρή. Αψηφώντας την παράδοση, η οποία διατηρούσε αυτή τη στάση για τις εικόνες του Ιησού - και επίσης, την χειρονομία του χεριού, ελαφρώς άλλαξε-, ο Dürer παίζει την αντιστροφή της ταυτότητας με τη θρησκευτική αναφορά και συγχέει σκόπιμα το θεατής.

22. Το Doge Leonardo Loredan, από τον Τζιοβάνι Μπελίνι (1501)

Ο Giovanni Bellini, ζωγράφος στην υπηρεσία της Δημοκρατίας της Βενετίας, παραδίδει αυτό το υπέροχο πορτρέτο του Doge Leonardo Loredan. Σε αυτό το λαμπρό έργο καταφέρνει να ξεπεράσει το αίσθημα ιερατισμού χάρη στον εκφραστικό πλούτο του προσώπου και την ωραία μεταχείριση των υφών και των ρούχων. Όσον αφορά το τελευταίο, είναι εκπληκτικό πώς η Μπελίνι καταφέρνει να αντιπροσωπεύει τη λαμπρότητα των ανατολίτικων υφασμάτων.

23. Μόνα Λίζα, από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι (1503-1506)

ο Μόνα Λίζα Είναι αναμφίβολα το πιο διάσημο έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι. Είναι μια έκφραση της ωριμότητας του στυλ Leonardesque όσον αφορά τις τεχνικές του chiaroscuro και Esfumato, το οποίο αποτελείται από το θόλωμα των άκρων των σχημάτων, έτσι ώστε η ενσωμάτωση στο χώρος. Δείχνει επίσης την τεχνική του τοπίου στο παρασκήνιο, η οποία ανοίγει το χώρο για να δώσει μεγαλύτερο βάθος. Ωστόσο, αυτό το έργο, καθώς και όλο το έργο του Λεονάρντο, δεν ανήκει στο Quattrocento, αλλά στην Υψηλή Αναγέννηση, που μερικές φορές ονομάζεται και η Δεύτερη Αναγέννηση.

Δείτε επίσης: Η Μόνα Λίζα ή η Μόνα Λίζα από τη Μόνα Λίζα του Λεονάρντο

24. Η Σχολή Αθηνών, από τον Rafael Sanzio (1510-1511)

Αν κάτι αντιπροσωπεύει το πολιτιστικό πνεύμα της Αναγέννησης, είναι η τοιχογραφία Η Σχολή Αθηνών, από τον Rafael Sanzio, μία από τις σκηνές των "Vatican Rooms" ή "Raphael Rooms". Βλέπουμε έναν επιδέξιο χειρισμό γραμμικής προοπτικής και ένα βάθος που τονίζεται από τα ανοίγματα των θησαυροφυλακίων που ανοίγουν στον ανοιχτό χώρο.

Σε ένα αρχιτεκτονικό περιβάλλον σαφούς κλασικής έμπνευσης, ένα πλήθος φιλοσοφικών και επιστημονικών αναφορών θυμίζει την αξία του λόγου και της γνώσης. Ο Πλάτων και ο Αριστοτέλης είναι οι πρωταγωνιστές. Βλέπουμε επίσης τον Πτολεμαίο, τον Ηράκλειτο, την Υπατία, τον Όμηρο και, ως συνήθως, μερικά σύγχρονα πρόσωπα. Ο ίδιος ο Ραφαέλ, που απεικονίστηκε ως Άπελς, δεν μπορούσε να απουσιάζει.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει:

• Η Σχολή Αθηνών από τον Raphael Sanzio
• Η ζωή και το έργο του Rafael Sanzio

25. Τοιχογραφίες οροφής στο παρεκκλήσι Sistine, του Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Το να μιλάς για τον Michelangelo Buonarroti, καθώς και τους ζωγράφους του Ιταλικού Cinquecento, είναι να μπεις στην High Renaissance. Επομένως, πλησιάζουμε τον Mannerism, του οποίου ο Buonarroti θα είναι ένας από τους εκφραστές του. Οι τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Sistine είναι το πιο διάσημο εικονογραφικό έργο του.

Υπάρχουν εννέα σκηνές που αφηγούνται αποσπάσματα από τη Γένεση και όλες οδηγούν στην Τελευταία Κρίση, έναν τοίχο ζωγραφισμένο περίπου δύο δεκαετίες μετά την οροφή. Σε αυτόν τον τοίχο, ο Άγιος Βαρθολομαίος, ένας ξεφλουδισμένος μάρτυρας, κρεμά το αρχαίο του δέρμα. Αλλά σε αυτό μπορείτε να δείτε το πρόσωπο του Μιχαήλ Άγγελου. Όπως μπορούμε να δούμε, ο καλλιτέχνης απεικονίζεται επίσης, αλλά όχι ως οι καλλιτέχνες του Quattrocento που γιόρτασαν τις γήινες δόξες τους, αλλά σε αναγνώριση της ανικανότητάς τους.

Δείτε επίσης:

• Τοιχογραφίες από το παρεκκλήσι Sistine
• Ανάλυση της τοιχογραφίας Η δημιουργία του Αδάμ από τον Μιχαήλ Άγγελο
• Έργα Genius του Michelangelo