Realism kunstis: omadused, päritolu ja näited

Kunst on oma olemuselt inimlik väljendus. Just sel põhjusel ja erakordse kultuurilise mitmekesisuse tõttu, mis on alati eksisteerinud, iga ajastu ja iga kogukond on teostanud kunstiloomingut erineval viisil, kohandades kunsti enda väljendus- ja väljendusvajadustega suhtlemine.

Kunst ei ole alati püüdnud jäljendada tegelikkust; mitte ainult 20. sajandi avangardis ei toimunud see sellest märkimisväärset kõrvalekallet, vaid ka mitte leiame realismi tsivilisatsioonide nagu Vana-Egiptuse või Lääne kunstilises väljenduses keskaegne. Siiski on olnud kultuure ja ajaloolisi hetki, kus looduse jäljendamine oli kõige tähtsam ning idee allus täielikult reaalsuse kujutamisele.

Kuidas on realism kunstis tekkinud? Milline on olnud teie areng? Käesolevas artiklis püüame teha ringkäigu erinevate kunstiliste ilmingute ja nende realismi astmete kaudu.

Mis on realism kunstis?

Oluline on eristada kahte mõistet: realism kui kunstisuund ja realism kui kunstiteose tunnusjoon.. Seega, kui esimene on plastiline ja kirjanduslik liikumine, mis piirdub aastakümnetega 1840–1880, siis realism kunstiteose tunnusjoon on seotud teose realismi astmega, nimelt perspektiiv, proportsioon, mahud, ruum, jne

Nii ei kuulu kõik realistlikud teosed realismi voolu, samuti raamitud teos selles osas ei pea see esitama realistlikke omadusi (kuigi viimane pole kõige tavalisem).

Realismi kui 19. sajandi kunstivoolu tunnused

Realismi liikumine tekkis Prantsusmaal ja tähendas selget vastust oma eelkäijale romantismile. Sel moel, kui viimane oli inspireeritud legendaarsetest teemadest ja tõi nende paroksüsmi inimlikud emotsioonid, Realism pakkus välja radikaalse pöörde ja suunas oma pilgu ümbritsevale igapäevasele reaalsusele. Sellest teemade realistlikust nägemusest sai koos naturalismiga (realismi "tume" poeg) allilma ja inimkonna süngeimate olukordade halenaljakas uurimine. Mõned selle voolu olulisemad pildilised esindajad on Jean-François Millet ja kirjandussfääris Émile Zola, keda peetakse naturalismi isaks.

Niisiis, realism ja naturalism uurivad XIX sajandi kunstivoolude mõttes teemasid igapäevaeluga seotud ja eemalduda motiividest, mis ei põhine keskkonna empiirilisel vaatlusel kunstnikust. Seetõttu esindavad nii üks kui ka teine ​​(eriti naturalism) sageli tööstusrevolutsiooniga kaasnenud sotsiaalse ebakindluse hapet hukkamõistu.

Teisest küljest on realism kunstiteose tunnusena seotud, nagu juba ütlesime, selle vormiliste omadustega. Selle näite puhul on see üsna selge: renessansiajastu teos, mis uhkeldab matemaatilise vaatenurgaga ja austab figuuride mahud on vormiliselt realistlik teos, kuid see pole mingil juhul vooluga piiratud 19. sajandi realist

• Seotud artikkel: Mis on 7 kujutavat kunsti?

Mis ajast on realism kunstis eksisteerinud?

Juba esimestes kunstilistes ilmingutes (nn kaljukunst) leiame tunnuseid, millega võiksime arvestada realistlik. Sest hoolimata asjaolust, et Altamira piisonites ja Lascaux (Prantsusmaa) koobastes esindatud hobustes ei leia me ühtegi viidet perspektiivi või autentset soovi kujutada tõelist stseeni, leiame esituses ebatavalisi detaile loomad.

Sellest hoolimata ei saa me veel rääkida realistlikust kunstist, kuna koopamaalid Üldiselt kujutavad nad endast ilmset skematiseerimist ja oleksid pigem seotud kunstiga kontseptuaalne. Tegelikult laias laastus inimkonna kunst ei olnud kunagi rangelt realistlik kuni aasta tulekuni Renessanss, välja arvatud muidugi kreeka ja rooma kunst.

Egiptuses leiame taas silmapaistvalt kontseptuaalset kunsti: püütakse väljendada kontseptsioone ja ideid ning isegi stseene. igapäevased tegevused järgivad kindlaid konventsioone, millel pole midagi pistmist reaalsuse mimeetilise esitusega ümbritsev. Vana-Egiptuse kunstis on stseenid korraldatud horisontaalsete ribadena ja esituse elementide realistlik järjekord puudub.. Lisaks valiti iga elemendi olulisemad osad, nii et nägu oli kujutatud profiilis, silmad ja torso ees ning jalad küljel. See ei allunud ühelegi tegelikkusele ja oli allutatud eranditult soovile esindada iga elemendi kõige äratuntavamaid osi.

See tähendab, et egiptlased "vormisid" reaalsust omal moel. Niiluse oru kunstnikud järgisid rangelt mastaabisüsteemi, mis oli seotud esindatava indiviidi tähtsusega. Seega leiame ühest stseenist ja samal tasapinnal mõned figuurid teistest palju suuremad. See suuruste erinevus ei ole tingitud ühestki vaatenurgast, vaid on pigem seotud (muide, väga range) hierarhiaga. Egiptlased: jumal on alati kujutatud palju suuremana kui vaarao, see on alati palju suurem kui tema naine ja lapsed, jne

See kontseptuaalne esitus taastub keskaegses kunstis, nagu näeme hiljem. Aga iidsete tsivilisatsioonide kunsti ja keskaja vahel oli realistlik kunst lühike sulg: Kreeka kunst ja Rooma kunst, mida arutame allpool.

• Teid võivad huvitada: "10 uudishimu kuulsate kunstiteoste kohta"

"Realistlik" sulg: Kreeka ja Rooma

Arhailine kreeka kunst oli tihedalt seotud idapoolsete, eriti Egiptuse rahvaste kujutamisviisiga. Kuid VI sajandi poole a. c. midagi hakkas muutuma. See on nn klassikaline kreeka periood, mil soodustatakse teatud tüüpi plastilisi kujutisi, mis on tegelikkusega kooskõlas.

Kreeklaste kasvav huvi inimese anatoomia vastu on pärit skulptuurist, mis jäljendab rangelt loodust. on kreeka mimesis, katse tabada reaalsust sellisena, nagu see on, järgides seetõttu proportsiooni, mahu ja sümmeetria kriteeriume.

Vaatamata tohutult realistlike anatoomiate jäädvustamisele marmorist ja pronksist, ärgem unustagem, et samal ajal allusid need teosed mõistele "ideaalne ilu". Teisisõnu, kuigi anatoomiliselt täiuslikud, esindavad jumalad ja jumalannad kreeka skulptuuris prototüüpe, mitte konkreetseid tuvastatavaid isikuid.

Selleks tuleb ära oodata Rooma, kus individualiseerimine jõuab portree kaudu aimamatutesse kõrgustesse. Teiselt poolt, Pompeist leitud freskod, eriti need, mis vastavad nn teisele ja neljandale Pompeiuse stiil, näita realismi, mida lääne maalikunstis ei leia uuesti enne XV sajand.

Need maalid jäid sajandeid peidetuks ja mattusid Vesuuvi purske tagajärjel tekkinud tuha jäänuste alla. Paradoksaalsel kombel võimaldas katastroof säilitada säilmed praktiliselt tervena kuni varemete avastamiseni 18. sajandil. Avastajate üllatus oli tohutu, sest nende silme ette kerkisid mõned oivalise kvaliteediga ja veelgi üllatavama realismiga maalid.

Tõepoolest, nn teise Pompeiuse stiili freskodel on need näidatud läbi akna fiktiivsed väga läbimõeldud arhitektuursed perspektiivid, mis tõesti näivad "avavat" ruumi Sein. Sama tehnikat kasutas sajandeid hiljem Masaccio oma freskos Kolmainsus, Firenze Santa Maria Novellast, mis hämmastas tema kaasaegseid, sest näis avavat kiriku seinas augu.

keskaegne plastik

Masaccio looming oli oma aja kohta väga uuenduslik; Mõelgem, et alates Pompeiuse freskodest pole üritatud luua niivõrd väljendunud realismi ruumi. Rooma impeeriumi viimastele aastatele järgnenud keskaegne kunst on üldiselt (me ei saa siinkohal peatuda kõikidel stiilidel ja ilmingutel) skemaatiline ja silmapaistvalt kontseptuaalne.

Sarnaselt egiptlastega ei esindanud keskaegsed kunstnikud reaalseid ruume ja elemente, vaid pigem väljendasid maali ja skulptuuri kaudu rida kontseptsioone ja ideid. Sellises töös lähevad kaotsi sellised elemendid nagu sümmeetria ja maht., kuid mitte, nagu paljud on väitnud (ja kahjuks hoiavad siiani), sest "nad ei osanud maalida", vaid sellepärast, et nende tööde kujutamisel ei olnud nende eesmärk looduse jäljendamine.

Romaani "ekspressiivsuse" teemasid on palju; väljendusrikkus, mis pole selline, mida saab kiiresti hinnata, kui hoolikalt mõtiskleda mõne säilinud reljeefi üle. Sest kuigi romaani plastiline kunst (ja keskaegne kunst üldiselt) on silmapaistvalt kontseptuaalne (nagu Egiptuse plastiline kunst), pole tõsi, et sellel puudub väljendus. Probleem on selles, et nende väljendusvorm ei ole meie oma paljud viisid, kuidas romaani kunstnikud pidid tundeid ja emotsioone jäädvustama, ei vasta meie praegusele keelele.

Teisest küljest on paljud romaani kunstiteosed täis detaile, mis võivad ilmneda 2010. aasta sügisel. tuunika voldid (skemaatilised, kuid sageli väga detailsed) või ääristes, mis kaunistavad viimasest pärit laudlina Õhtusöök.

Perspektiivi saavutamine

Viieteistkümnenda sajandi alguses tähistas Filippo Brunelleschi kunstiajaloo verstaposti, kehtestades matemaatilise või lineaarse perspektiivi protseduuri. Veidi hiljem kirjutas Alberti oma töösse Brunelleschi uued teooriad pildist (1435). Edaspidi ehitatakse nendele ettekirjutustele üles lääne kunst, mida hakatakse pidama «hea» maalikunsti aluseks.

Niisiis, Kogu 15. sajandi ja osa 16. sajandi jooksul püüdis Itaalia renessanss oma pilditöödes reprodutseerida lineaarset perspektiivi.. See perspektiiv saavutatakse kadumispunkti loomisega, kust väljuvad kõik maali ruumi rajavad jooned. See tekitab optilise illusiooni, mis annab ajule sügavuse tunde.

Niinimetatud flaami renessanss eksisteerib koos Itaalia poolsaare renessansiga, teine suuri revolutsioone maalikunstis, mille antud juhul viisid 18. sajandil läbi Flandria kunstnikud. XV. Need "flaami primitiivid" andsid oma teostele sügavust tasandite järjestuse ja Eelkõige seadsid nad pildilise realismi verstaposti, reprodutseerides kõik pildi üksikasjad objektid. Räägitakse, et Jan van Eycki maalidel saab tänu detailide rohkusele kataloogida kõik ilmuvad taimeliigid.

Itaalia matemaatiline perspektiiv oli aga moodsa ajastu lääne kunsti suur võitja ja alates 16. sajandist tähistas realism Euroopa maalikunsti. Barokkkunst on erakordselt realistlik kunst, sest vaatamata sellele, et tal on (üsna) kuulsus kõrgetasemelise ja väga emotsionaalse kunstina, jätab see ka oma koha. reaalsuse kujutamiseks: kortsude, hambutute nägudega vanamehed, määrdunud jalgadega lapsed, erakordselt jäädvustatud puuviljade natüürmordid realism…

Naaske kunstilise realismi algte juurde

Realistlik kunst domineeris lääne kunstimaastikul kuni 19. sajandi keskpaigani, mil tekkisid esimesed katkestused “traditsioonilise” kunstiga.. Impressionistid, esteetilised voolud ja hiljem fauves, seadis kahtluse alla selle, mis on alates 15. sajandist olnud "hea" kunsti vaieldamatu alus.

20. sajandi avangard kujutab endast seega omamoodi tagasipöördumist päritolu juurde. Avangardistid otsivad akadeemilisest ja ametlikust kunstist distantseerumise innukuses uusi väljendusviise ja leiavad need "realismi" hävingust; see tähendab perspektiiv, proportsioon, kompositsiooniline sidusus. Ühesõnaga reaalsuse range jäljendamine.

Tuntud on juhtum Picasso, kelle joonistused meenutavad sageli mozaraabi miniatuure või kubiste, kes sarnaselt sellega, mida Egiptlased rohkem kui kaks aastatuhandet tagasi murdsid realistliku nägemuse objektidest ja reprodutseerisid need absoluutselt subjektiivne.

Hüperrealism ja uued realistlikud voolud

Sageli reageerivad erinevad voolud ja kunstilised väljendused üksteisele. Oleme juba sissejuhatuses maininud, kuidas 19. sajandi realistlik liikumine oli vastus eelmiste aastakümnete romantismile. Noh, praegu leiame kunstilisest panoraamist hoovuse, mis tõstab pildilise realismi aimamatutesse piiridesse; viitame nn hüperrealistlikule voolule.

Hüperrealism sündis 20. sajandi lõpus, osaliselt vastusena plastilise kunsti kontseptuaalsele ja abstraktsele tendentsile.. See vool viib looduse jäljendamise maksimaalse väljenduseni, mis muudab selle maalid fotograafilisteks reproduktsioonideks (tegelikult nimetatakse seda ka fotorealismiks). Kompositsioonide teravus on selline, mis vaatajale tihtipeale tõesti üle jõu käib; Loomulikult ei puudu ka halvustajad, kes nimetavad seda lihtsaks reaalsuse jäljendajaks.

Küsimus on selles: kas kunst peaks kopeerima loodust, nagu väitsid vanad kreeklased oma mimeesiga, või on tal "kohustus" panustada millegi uuega? Kui lähtume alusest, et imitatsioon ei ole kunagi päris asja täpne reprodutseerimine (kuna see on alati läbib kunstniku sõela), võib-olla peaksime endalt küsima, kas "kunst realistlik".