Stanislavski -järjestelmä: mitä se on, ominaisuudet ja miten sitä käytetään näyttelemisessä

He sanovat, että Stanislavskin lempisanat näyttelijäoppilailleen olivat "En usko sinua, et vakuuta minua." Hänen tapa nähdä ja ymmärtää, miten teatteritaiteilijoiden tulisi toimia, oli vaativa, mutta myös huolellinen. Niin paljon, että siitä tuli oma menetelmä: Stanislavskin järjestelmä.

Hänen systemaattinen lähestymistapa näyttelemiseen ei mullistanut pelkästään sitä, miten näyttelijä suoritettiin Aikansa Venäjä, mutta onnistui myös ylittämään rajat muuttamalla teatterin suuntaa Läntinen.

Tämä menetelmä on ollut ratkaiseva näytelmien, sarjojen ja elokuvien tekemisessä sellaisina kuin ne tunnemme tänään, ja sitten selvitämme miksi.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Mitkä ovat 7 kuvataidetta? Yhteenveto sen ominaisuuksista "

Mikä on Stanislavskin järjestelmä?

Konstantin Sergeevich Aleksejev (Moskova 1863 - 1938), joka tunnetaan paremmin nimellä Stanislavski, oli tuottelias venäläinen näyttelijä, lavastaja ja teatterikouluttaja Tunnetaan yhdestä esittävien taiteiden historian tärkeimmistä menetelmistä: Stanislavski -järjestelmästä. Monien vuosien ponnistelun tuloksena hänen menetelmänsä oli tarkoitus antaa toimijoille mahdollisuus hallita eniten asioita aineettomat hyödyt ja hallitsematon ihmisen käyttäytyminen lavalla, kuten tunteet ja inspiraatio taiteellinen.

Stanislavski tutki, mitä näyttelijät tekivät, jotka luonnollisesti onnistuivat pääsemään luonteeseen. Havaintojensa ja kokemustensa perusteella tämä venäläinen ohjaaja loi järjestelmän, jonka jokainen näyttelijä, sekä aloittelija ammatin veteraaneina, voisivat soveltaa työssään puhtaampaa, todellista ja luonnollinen. Tämä menetelmä oli ilmestymishetkellä niin vallankumouksellinen, että se merkitsi ennen ja jälkeen näyttelemisen maailmassa, standardien luominen, jotka rajaavat rajan keinotekoisen ja pahan vakuuttavan suorituksen välillä edustettuna.

Tämä menetelmä muotoiltiin aikaan, jolloin hänen kotimaansa, Venäjän, esittäville taiteille oli ominaista perinteiset ja stereotypiat. Näyttelijät toimivat keinotekoisesti, jopa histrionisesti. Näytelmät kylpivät näyttelijöiden väärän emotionaalisuuden ja vähäisen valmistautumisen aurassa, niin vähän, että he jopa saivat selville, mitä heidän oli sanottava, kun he olivat jo lavalla. Käsikirjoituksia tarkasteltiin vähän tai ei ollenkaan, mistä tuli ilmi, mitä heidän olisi pitänyt muistaa.

Stanislavski teki huolellista tutkimusta saadakseen näyttelijät työskentelemään alusta alkaen jollakin, jonka he kokivat todelliseksi., ihmiset, elementit ja esineet, joita ei pidetä pelkkinä kohtauksen osina, vaan osina todellista, arkipäiväistä kohtausta, osa elämää itse. Ihmiset eivät ole näyttelijöitä elämässämme, mutta olemme osa heitä, elämme heitä enemmän kuin toimimme.

Saadakseen näyttelijän astumaan edustamaansa kohtaukseen Stanislavski puolustaa emotionaalisen muistin käyttöä. Näyttelijän tai näyttelijän on muistettava henkilökohtainen kokemus, joka on samanlainen kuin se, jota he yrittävät edustaa, auttaakseen heitä tuntemaan olonsa syvemmäksi ja osallistumaan siihen, mitä he yrittävät edustaa lavalla. Sinun pitäisi etsiä elämäsi historiasta tilanne, jossa koit tunteen, joka on samanlainen kuin hahmosi.

Tämä ei kuitenkaan onnistu pelkästään herättämällä vilpittömiä tunteita. On myös välttämätöntä saada pieni ulkoinen tuki, muuttaa ulkonäköämme ja käyttäytymistämme, jotta hahmo saa elämän että sen on tarkoitus edustaa tai pikemminkin herättää henkiin. Meikki, pukeutuminen, kävely, lyhyesti sanottuna käyttäydy kuten hahmo ulkoisten fyysisten tekojen jälkeen auttaa laukaisemaan etsittyjä tunteita noudattaen periaatetta, että jos alat itkeä, päädyt olemaan surullinen.

• Saatat olla kiinnostunut: "20 elokuvaa psykologiasta ja mielenterveyshäiriöistä"

Stanislavskin järjestelmän periaatteet

Stanislavskin järjestelmä on varsin monimutkainen, eikä sitä voida sanoa staattiseksi juuri sen vuoksi, kuinka paljon se on kehittynyt sen jälkeen, kun se otettiin käyttöön 1900 -luvun alussa. On kuitenkin mahdollista korostaa joitakin sen tärkeimmistä periaatteista, jotka ovat vaikuttaneet a ennen ja jälkeen tavalla, jolla teatteritaiteilijat ja myöhemmin elokuvat ja sarjat edustivat omaansa hahmot:

1. Keskittyminen hahmoon

Näyttelijän on vastattava mielikuvitusoppii ajattelemaan hahmon tavoin ja keskittyy olemaan se, mitä hän pelaa.

2. Totuuden tunne

Totuuden tunteen avulla voimme sanoa, että yksi tämän menetelmän ideoista on erottaa orgaaninen ja keinotekoinen. Stanislavski uskoi vakaasti, että esittävissä taiteissa on noudatettava luonnollisia lakeja, joka, jos sitä kunnioitetaan, erottaa hyvän, luonnollisen ja harmonisen työn huonosta, keinotekoisesta ja ylireagoidusta.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "13 oppimistyyppiä: mitä ne ovat?"

3. Toimi annettujen olosuhteiden mukaan

Näyttelijän on oltava taitava käyttämään ja käsittelemään tekstissä annettuja olosuhteita, mutta totuuden ja orgaanisten keinojen avulla. On noin pitää kiinni käsikirjoituksesta, mutta vapauttaa itsesi edustamalla emotionaalisuuttasi, pysyä uskollisena käsikirjoituksen sisällölle, mutta tehdä esityksestä persoonallisuutta ja luonnollisuutta.

• Saatat olla kiinnostunut: "Dramaattiset tekstit: mitä ne ovat, tyypit, ominaisuudet ja esimerkit"

4. Fyysinen menetelmä

Stanislavski näki, että monilla hänen oppilaistaan ​​oli syviä emotionaalisia jännitteitä ja mielenterveysongelmia. Menetelmänsä avulla hän voisi auttaa poistamaan fyysisen ja emotionaalisen jännityksen näyttelijöistä ja tekemään heidät He rentouttavat lihaksia esityksiä suorittaessaan ja toimivat paljon vapaammin.

Tämän lisäksi venäläinen ohjaaja piti äärimmäisen tärkeänä fyysistä tekijää, joka ei ainoastaan ​​rentouttanut vaan myös näyttänyt tarkemmin. Tästä syystä järjestelmäsi tunnetaan myös nimellä fyysinen toimintamenetelmä, koska siinä painotetaan voimakkaasti lihasten rentouttamista suorituksen aikana.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Jacobsonin progressiivinen rentoutuminen: käyttö, vaiheet ja vaikutukset"

5. Huomioalueet

Stanislavski tarkoitti huomion alueita työskentelemällä aistien parissa. Näyttelijän on löydettävä työn aistillinen perusta. Tehtäväsi on oppia muistamaan ja muistamaan tuntemukset, joita hahmosi tuntee, tunteet jotka muokkaavat heidän mielentilaansa ja tapaansa käyttäytyä muiden näytelmän hahmojen ja julkinen.

6. Yhteydenpito ja yhteydenpito

Näyttelijän on voitava olla vuorovaikutuksessa muiden hahmojen kanssa spontaanisti rikkomatta kirjan sisältöä, mutta se ei vaikuta pakotetulta tai keinotekoisesti valmistetulta. Viestintä ja kontakti muiden näyttelijöiden kanssa on välttämätöntä harjoitusten ja viimeisten esitysten aikana.

• Saatat olla kiinnostunut: "28 viestintätyyppiä ja niiden ominaisuudet"

7. Roolit on jaettu yksiköihin ja tavoitteisiin

Taiteilijoiden on opittava jakamaan päähenkilöjensä rooli järkeviin yksiköihin, jotka voivat toimia erikseen. Näyttelijän ja näyttelijän tehtävänä on määritellä roolin jokainen yksikkö, kokien sen omana toiveenaan. eikä ymmärrä sitä kirjallisena ajatuksena, joka syntyy ohjaajan libretosta.

8. Luovuus toimimisessa ja ajattelussa

Et voi olla näyttelijä ilman luovuutta. Luovuus ilmenee sekä luovassa mielentilassa että toimintatavassa.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Mitä on luovuus? Olemmeko me kaikki "mahdollisia neroita"? "

9. Työskentele käsikirjoituksen tekstin kanssa

Tämä periaate saattaa kuulostaa itsestään selvältä, koska on vaikea esittää teosta luotettavasti samalla, kun se jättää huomiotta libreton sanoman. Kuitenkin Venäjällä viime vuosisadan alussa jotkut venäläiset taiteilijat eivät pitäneet tätä itsestäänselvyytenä että monissa tapauksissa tapahtui, että käsikirjoituksia ei luettu ja he luottivat kertovan heille lauseensa toimiessaan.

Näyttelijän on kunnioitettava sitä, mitä hän kirjoittaa käsikirjoitukseen, ulkoa ja sisäistää hänen rivinsä, mutta ei opittava sitä "oksentamaan" sitä näytelmän aikaan. Näyttelijän on löydettävä tekstin sosiaalinen, poliittinen ja taiteellinen merkitys, ymmärtää ajatukset, jotka ohjaaja on ikuistanut näytelmän käsikirjoitukseen. Taiteilijana näyttelijän tai näyttelijän on toimittava keinona uskoa nämä arvot ja visiot teosta katsoneelle yleisölle.

Stanislavskin järjestelmän merkitys nykyään

Stanislavskin järjestelmä on kehittynyt ajan myötä. Näyttelijöiden ja näyttelijöiden oli aluksi löydettävä totuus hahmosta, käsiteltävä sitä todellisena kokonaisuutena. Ajan myötä kuitenkin käytäntö löytää omasta kokemuksestaan ​​resurssit, joiden avulla hän voi tuntea, mitä hänen luonteensa tuntee missään tilanteessa.

Nykyään ymmärretään, että näyttelijän ei tarvitse vain ymmärtää, mitä hänen hahmolleen tapahtuu työtä, mutta myös hänen on tiedettävä elintärkeä tilanne, johon se on joutunut ja missä olosuhteissa se on ympäröi. Kun hän tietää tämän ja elää sen omassa lihassaan, näyttelijä voi reagoida samalla tavalla siihen, miten hänen hahmonsa odotetaan tekevän sen, jolloin esitys on mahdollisimman luonnollinen.

Tämä on mennyt hieman pidemmälle ja saavuttanut nykyisen tosiasian monet taiteilijat elävät päivittäin niin kuin luulevat hahmonsa elävän. esimerkiksi, että hänen hahmonsa on maanviljelijä, joka asuu maassa, koska silloin näyttelijä menee tilalle kaudeksi ja asuu ikään kuin se olisi hänen ammattinsa tosielämässä. Vuosien mittaan erilaiset tulkkauskoulut lisäsivät tiettyjä käytäntöjä Stanislavskin järjestelmä, joka tulee ajan myötä näyttelijämaailmassa tunnetuksi " menetelmä".