Système Stanislavski: qu'est-ce que c'est, ses caractéristiques et comment il est utilisé pour agir

Ils disent que les mots préférés de Stanislavski à ses élèves d'acteur étaient "Je ne te crois pas, tu ne me convaincs pas." Sa façon de voir et de comprendre comment les artistes de théâtre doivent agir est exigeante mais aussi méticuleuse. A tel point qu'elle est devenue sa propre méthode: le système Stanislavski.

Son approche systématique du jeu d'acteur a non seulement révolutionné la façon dont le jeu d'acteur était joué Russie de son temps, mais a aussi réussi à franchir les frontières en changeant la direction du théâtre occidental.

Cette méthode a été cruciale dans la création de pièces de théâtre, de séries et de films tels que nous les connaissons aujourd'hui, et nous découvrirons ensuite pourquoi.

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Qu'est-ce que le système Stanislavski ?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moscou 1863 - 1938), mieux connu sous le nom de Stanislavski, était un acteur, metteur en scène et professeur de théâtre russe prolifique.

Connu pour être l'auteur de l'une des méthodes les plus importantes pour l'histoire des arts du spectacle: le système Stanislavski. Fruit de plusieurs années d'efforts, sa méthode visait à permettre aux acteurs de maîtriser les aspects les plus les éléments intangibles et le comportement humain incontrôlable sur scène, tels que les émotions et l'inspiration artistique.

Stanislavski étudié ce que faisaient les acteurs qui, naturellement, ont réussi à entrer dans le personnage. Sur la base de ses observations et de ses expériences, ce réalisateur russe a créé un système que chaque acteur, à la fois novice en tant que vétérans de la profession, pourraient appliquer dans leurs travaux la réalisation d'un plus propre, plus réel et Naturel. Cette méthode était si révolutionnaire au moment de son apparition qu'elle marqua un avant et un après dans le monde du théâtre, établir des normes qui délimitent la ligne entre une performance convaincante d'un artificiel et un mauvais représentée.

Cette méthode a été formulée à une époque où les arts du spectacle de sa patrie, la Russie, étaient caractérisés par des clichés conventionnels et stéréotypés. Les acteurs ont agi artificiellement, voire histrionique. Les œuvres étaient baignées d'un halo de fausse émotivité et de peu de préparation de la part des comédiens, si peu qu'ils savaient même ce qu'ils avaient à dire alors qu'ils étaient déjà sur scène. Peu ou rien n'a été regardé dans les scripts où ce qu'ils auraient dû mémoriser est sorti.

Stanislavski a mené des recherches méticuleuses pour faire travailler ses acteurs dès le départ avec quelque chose qu'ils percevaient comme réel., les gens, les éléments et les objets vus non pas comme de simples éléments d'une scène, mais comme des parties d'une scène réelle et mondaine, une partie de la vie elle-même. Les gens ne sont pas acteurs de nos vies, mais nous en faisons partie, nous les vivons plus que nous ne les jouons.

Pour faire entrer l'acteur dans la scène qu'il représente, Stanislavski défend l'usage de la mémoire émotionnelle. L'acteur ou l'actrice doit se souvenir d'une expérience personnelle similaire à celle qu'il essaie de représenter, l'aidant à se sentir plus immergé et impliqué dans ce qu'il essaie de représenter sur scène. Vous devez rechercher une situation dans votre histoire de vie dans laquelle vous avez ressenti une émotion analogue à celle de votre personnage.

Mais cela ne se fait pas uniquement en évoquant une émotion sincère. Il faut aussi un petit appui extérieur, modifier notre apparence et notre comportement afin de donner vie au personnage qu'il est destiné à représenter ou, plutôt, à faire vivre. Se maquiller, s'habiller, marcher, bref se comporter comme le personnage depuis des actes physiques extérieurs aider à déclencher l'émotion recherchée, suivant le principe que si vous commencez à pleurer, vous finissez par être triste.

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Les principes du système Stanislavski

Le système Stanislavski est assez complexe et ne peut pas être qualifié de statique précisément en raison de son évolution depuis sa conceptualisation au début du 20e siècle. Cependant, il est possible de souligner certains de ses principes les plus importants, qui ont contribué à marquer un avant et après dans la manière dont les artistes de théâtre et, plus tard, les films et séries ont représenté leur personnages:

1. Concentration sur le personnage

L'acteur doit répondre à la imaginationapprendre à penser comme le personnage, se concentrer sur ce qu'il joue.

2. Sens de la vérité

Avec un sens de la vérité, nous pourrions dire que l'une des idées de cette méthode est de faire la différence entre l'organique et l'artificiel. Stanislavski croyait fermement qu'il y avait des lois naturelles à suivre dans les arts de la scène, qui, si elle est respectée, différencie une œuvre bonne, naturelle et harmonieuse, d'une mauvaise, inventée et surréagie.

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3. Agir en fonction des circonstances

L'acteur doit être habile dans l'utilisation et le maniement des circonstances qui sont données dans le texte, mais au moyen de la vérité et en recourant à des moyens organiques. Il s'agit de coller au scénario mais se libérer en représentant son émotivité, en restant fidèle à ce qui apparaît dans le script mais en faisant en sorte que la performance ait de la personnalité et du naturel.

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4. La méthode physique

Stanislavski a vu que beaucoup de ses élèves avaient des tensions émotionnelles profondes et des problèmes mentaux. Grâce à sa méthode, il a pu aider à éliminer les tensions physiques et émotionnelles des acteurs, les rendant Ils détendront leurs muscles tout en effectuant les présentations et agiront de manière beaucoup plus libérée.

Ajouté à cela, le réalisateur russe attachait une importance extraordinaire au facteur physique qui servait non seulement à se détendre mais aussi à mettre en scène plus précisément. C'est pour cette raison que votre système a également été connu sous le nom de méthode d'action physique en raison de l'accent mis sur la relaxation des muscles tout en effectuant la performance.

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5. Domaines d'attention

Les sphères d'attention, c'est ce que Stanislavski entendait par travailler sur les sensations. L'acteur doit découvrir la base sensorielle de l'œuvre. Dans votre tâche, vous apprenez à mémoriser et à vous souvenir des sensations que votre personnage ressent, des sensations qui modulent leur état d'esprit et leur manière de se comporter avec les autres personnages de la pièce et avec les Publique.

6. Communication et contact

L'acteur doit être capable d'interagir avec d'autres personnages de manière spontanée, sans violer le contenu du livre mais cela ne semble pas quelque chose de forcé ou de préparé artificiellement. La communication et le contact avec les autres comédiens sont essentiels pendant les répétitions et les représentations finales.

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7. Rôles segmentés en unités et objectifs

Les artistes doivent apprendre à diviser le rôle ou le rôle de leurs protagonistes en unités sensibles qui peuvent travailler séparément. C'est la tâche de l'acteur et de l'actrice de définir chaque unité du rôle, en la ressentant comme leur propre désir. plutôt que de la comprendre comme une idée littéraire issue du livret du réalisateur.

8. Créativité dans l'action et la pensée

On ne peut pas être acteur sans être créatif. La créativité se manifeste à la fois dans un état d'esprit créatif et dans la manière d'agir.

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9. Travailler avec le texte du script

Ce principe peut paraître évident, car il est difficile de représenter une œuvre de manière fiable en ignorant complètement ce qu'elle dit dans le livret. Cependant, en Russie au début du siècle dernier, certains artistes russes ne tenaient pas cela pour acquis, car qu'à de nombreuses reprises, il arrivait que les scripts ne soient pas lus et qu'ils espéraient qu'ils leur diraient leurs phrases pendant qu'ils jouaient.

L'acteur doit respecter ce qu'il met dans le scénario, mémoriser et intérioriser ses répliques, mais ne pas l'apprendre à le « vomir » au moment de la pièce. L'acteur doit découvrir le sens social, politique et artistique du texte, comprendre les idées que le réalisateur a immortalisées dans le scénario de la pièce. En tant qu'artiste, l'acteur ou l'actrice doit servir de moyen pour confier ces valeurs et visions au public venu voir l'œuvre.

L'importance du système Stanislavski aujourd'hui

Le système Stanislavski a évolué au fil du temps. Au début, ce que les acteurs et actrices devaient faire était de trouver la vérité sur le personnage, de le traiter comme une entité réelle. Cependant, avec le passage du temps la pratique consistant à trouver dans sa propre expérience les ressources qui lui permettent de ressentir ce que son personnage ressent a été incorporée dans n'importe quelle situation.

On comprend aujourd'hui que l'acteur ne doit pas seulement comprendre ce qu'il advient de son personnage au sein de l'œuvre, mais doit aussi connaître la situation vitale dans laquelle elle se trouve et dans quelles circonstances elle entourer. Sachant cela et le vivant dans sa propre chair, l'acteur pourra réagir de la même manière à la façon dont son personnage est censé le faire, rendant la performance aussi naturelle que possible.

Cela est allé un peu plus loin, atteignant le fait actuel que de nombreux artistes vivent au quotidien comme ils pensent que leur personnage. par exemple, que son personnage est un agriculteur qui vit à la campagne, car alors l'acteur va dans une ferme pendant une saison et vit comme si c'était son métier dans la vraie vie. Au fil des années, différentes écoles d'interprétation ont ajouté certaines pratiques à la système Stanislavski, devenant au fil du temps dans ce qu'on appelle dans le monde du théâtre « le méthode".