Le surréalisme: qu'est-ce que c'est et les caractéristiques de ce mouvement artistique

Le premier à utiliser le mot "surréalisme" n'était, curieusement, aucun des membres du groupe surréaliste. C'est Guillaume Apollinaire qui, en 1917, a inventé le terme pour désigner Les seins de Tirésias (Les mamelles de Tirésias), une de ses pièces, qu'il qualifie de « drame surréaliste ». Apollinaire mourut l'année suivante, victime de la (mal)nommée grippe espagnole, sans savoir qu'il avait semé l'avenir. Des années plus tard, le groupe surréaliste sera formé.

Mais qu'est-ce que le surréalisme, exactement ?? Qu'est-ce que l'ont sait à propos de lui? Connaît-on vraiment sa signification et son objectif essentiel, au-delà des rumeurs et des légendes? Nous vous proposons un voyage au cœur du mouvement surréaliste, la dernière avant-garde et celle qui a duré le plus longtemps.

Caractéristiques du surréalisme

tout le monde sait le grand intérêt du mouvement surréaliste pour le monde du rêve. Influencés manifestement par les théories psychanalytiques de Sigmund Freud, les surréalistes prônent la mise au jour des recoins les plus cachés de la psyché humaine. L'intention n'était pas seulement de créer de l'agitation (le fameux

épater le bourgeois, qui en vient à signifier quelque chose comme "scandaliser les bourgeois"), mais aussi fournir à l'humanité un chemin de libération de l'angoisse, de l'obsession et de la paranoïa.

Si des poètes comme Charles Baudelaire (1821-1867) ou Arthur Rimbaud (1854-1891) avaient déjà fait référence à la épater Au milieu du XIXe siècle et, plus tard, des groupes radicaux comme les dadaïstes continuant à s'accrocher à l'idée de choquer la bourgeoisie corsetée, le surréalisme est allé beaucoup plus loin. Car le courant surréaliste ne se contente pas seulement de provoquer la surprise et le rejet, mais plutôt propose une solution à l'angoisse existentielle que vit l'être humain. Et cette solution, cette réponse, ne sera obtenue qu'à travers la libération absolue de la psyché, de ce subconscient coincé entre les conventions, les normes morales et les désirs profondément refoulés.

Ainsi, en gros, on peut dire que l'essence du surréalisme est une tentative de désinhiber l'être humain en sauvant ses peurs et ses désirs enfouis; c'est-à-dire à travers un voyage vers son moi le plus sombre et, en quelque sorte, le plus "animal". Le surréalisme traite de thèmes de nature générale; des sujets qui peuvent influencer le plus grand nombre, comme le conflit entre hommes et femmes, le sexe et l'envie refoulée, la peur de la mort, etc.

L'objectif est de "réveiller" les grandes masses, de les secouer, de les sortir de leurs cartons. Pour ce faire, les surréalistes utilisent des images dont la seule logique est la logique du rêve, désordonnée, paradoxale, contradictoire et discontinue. En littérature, les compositions seront fragmentaires, écrites à grande vitesse, souvent sans signes de ponctuation, suivant le fameux « automatisme » surréaliste, dont nous parlerons dans un autre point.

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Des postulats psychiques à la lutte sociale

Nous avons déjà remarqué que le premier à nommer une œuvre « surréaliste » fut le poète et dramaturge Guillaume Apollinaire. À peu près à la même époque (c'est-à-dire pendant la Première Guerre mondiale), Giorgio de Chirico (1888-1978) réalisait des toiles avec un caractère surréaliste marqué, qu'il nomme "peinture métaphysique" et qui influencera grandement le groupe surréaliste "officiel".

Les paysages de De Chirico, arides, déserts, empreints d'une solitude suffocante, de ruines et de perspectives impossibles semblent, en effet, sortis d'un rêve. Sans surprise, André Breton, leader incontesté des surréalistes et auteur de leurs manifestes, considérait le peintre comme l'artiste le plus important du mouvement.

Le premier manifeste surréaliste paraît en 1924., signée, entre autres, par le précité André Breton (1896-1966), écrivain et poète français. Dans le manifeste, Breton définit le surréalisme comme un "pur automatisme psychique", dans lequel il n'y a pas "d'intervention régulatrice de la raison". C'est-à-dire que l'artiste doit se laisser emporter par les élucubrations de son subconscient; la création authentique se produit lorsque les restrictions du soi supérieur sont annulées et que tout est laissé entre les mains des plus cachés de notre esprit, afin que l'être véritable puisse circuler librement.

Pour Breton, la composition poétique est inévitablement liée à « l'écriture automatique », la procédure par laquelle l'auteur écrit la première chose qui lui vient à l'esprit, sans entraver le flux organique de ses idées. En ce sens (comme en bien d'autres choses) le surréalisme doit beaucoup au mouvement Dada, qui avait déjà prôné quelque chose de similaire: Tristan Tzara, le leader dadaïste, a proposé de découper des mots et des phrases dans des journaux et des magazines, de les placer dans un sac puis de les extraire. En tout état de cause, il existe une nette différence entre les deux procédures "automatiques"; tandis que celle du dadaïsme est mécanique et étroitement liée au hasard, celle du surréalisme relève de la psyché humaine elle-même.

A partir de 1925, le surréalisme adhère clairement au politique. En fait, la plupart de ses membres (dont André Breton) manifestent de nettes sympathies communistes, au point de point que lui-même et certains de ses compagnons (Aragon, Éluard et Péret) rejoignent le parti communiste Français. Dès lors, la position politique du groupe, notamment celle de son leader, se radicalise.

Breton ne comprend plus le surréalisme s'il n'est pas vecteur d'activité sociale, et cette activité sociale est liée à la lutte contre le capitalisme. D'autres membres, comme le jeune Salvador Dalí (1904-1989) hésitent à s'engager aussi ouvertement en politique. Une indécision qui, soit dit en passant, lui vaut le rejet du groupe.

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Et la peinture surréaliste ?

Au début, on l'a vu, le mouvement surréaliste se limitait à la création littéraire. Cela prend tout son sens si l'on revient à l'idée "d'écriture automatique", car comment faire de même avec un tableau ?

La peinture surréaliste a toujours été une peinture figurative; c'est-à-dire qu'il représentait des éléments concrets et s'éloignait sensiblement de l'abstractionnisme. Mais représenter des éléments concrets est en contradiction avec la création spontanée dont parlaient les surréalistes, car cela nécessite une idée, une planification préalable, un traitement du soi conscient.

Comment, alors, faire de la peinture surréaliste? Dalí, par exemple, a proposé ce qu'il a appelé l'image multiple ou paranoïaque, par lequel un objet, sans aucune modification préalable, devenait aux yeux du spectateur un objet différent avec lequel il n'avait rien à voir. Un exemple clair de ceci est sa toile Apparition d'un visage et d'un bol de fruits sur une plage (1938). Dans le tableau, on voit clairement un vase avec des poires. Mais, presque par magie, ce vase se transforme en visage, et le paysage en arrière-plan se transforme en chien… et ainsi de suite. Dalí soutenait que les images étaient directement proportionnelles au degré de capacité paranoïaque-obsessionnelle du spectateur.

De son côté, Max Ernst (1891-1976) capte le langage surréaliste à travers des forêts et des paysages silencieux mais inquiétants, où tout se confond sous les yeux du spectateur. René Magritte (1898-1967) affiche un réalisme très détaillé, mais introduit des scènes impossibles dans ses œuvres qui, en effet, semblent tirées d'un monde onirique.

Il y avait cependant des peintres qui suivaient les postulats de la création spontanée et sans retenue. Par exemple, Joan Miró (1893-1983), dont les œuvres, apparemment, n'ont rien de figuratif; et André Masson (1896-1987), qui laisse traîner son pinceau à travers des obsessions transformées en symboles. Masson a également été un pionnier dans l'utilisation de matériaux innovants pour ses cadres, tels que la gomme arabique et le sable.

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Le surréalisme au cinéma

Le surréalisme dans les arts de la scène avait un représentant distingué en Antonin Artaud (1896-1948), le premier dramaturge qui a incarné les principes surréalistes au théâtre. Artaud considérait que le théâtre devait représenter une catharsis pour le public, dans le style grec ancien, et pour cela il utilisait des bruits inquiétants et d'étranges mélanges de lumières et de sons. Malgré son adhésion aux postulats surréalistes, Artaud n'a jamais fait partie du groupe de Breton, en partie à cause de son caractère reclus et solitaire. Atteint de graves troubles mentaux, il décède dans un hôpital psychiatrique à l'âge de 51 ans.

Le cinéma, cette grande innovation du XXe siècle, a été la prochaine étape (et jamais mieux dit) vers laquelle les surréalistes sont montés. L'un des cinéastes les plus en vue était Luis Buñuel (1900-1983) qui disait que "les premiers films que nous voyons dans nos vies sont nos rêves". En collaboration avec Salvador Dalí, arrivé à Paris cette année-là, il crée Un chien andalou (1929), considéré comme l'apogée du cinéma surréaliste.

Le film parvient à reproduire parfaitement ce qu'est un rêve: une succession d'images avec peu ou peu de connexion les uns aux autres, des objets qui sont d'abord une chose puis une autre, des sauts dans le temps, contradictions. De plus, et comment pourrait-il en être autrement, le film fait mouche et présente les inhibitions sexuelles de la bourgeoisie corsetée du moment. En ce sens, il est lié au scénario que ledit Artaud a écrit pour le cinéma et qui a été traduit en le film La concha y el clerigo, où un ecclésiastique poursuit fébrilement la femme qui fait l'objet de ses vœux.

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Le surréalisme avant le surréalisme

Il est intéressant de terminer cet article par une remarque: de nombreux mouvements de l'histoire de l'art n'étaient pas nouveaux lorsqu'ils ont été créés. Nous nous expliquons. Bien avant l'impressionnisme, il y avait des peintres, tels que Velázquez, Goya et surtout Turner, qui jouaient déjà avec des coups de pinceau lâches pour transmettre les effets de la lumière. Évidemment, on ne peut pas les appeler impressionnistes, mais comprenons-nous; Monet et compagnie n'avaient rien découvert de nouveau. Ils l'ont simplement formalisé et en ont fait un style, un courant artistique.

La même chose se produit avec le surréalisme. Car qui peut nier qu'El Bosco est un peintre surréaliste? Oui, il a vécu au XVIe siècle, une chronologie bien éloignée d'André Breton et compagnie. Mais regardons son travail. Regardons le jardin des délices (1500-1505), la charrette à foin (1512-1515) ou Les tentations de San Antonio Abad (1510-1515); les scènes ont une forte charge onirique, de rêve (ou plutôt de cauchemar). En fait, certains des paysages « bosconianos » rappellent beaucoup Dalí qui, soit dit en passant, avait le projet d'écrire un livre sur « le surréalisme avant le surréalisme ». Il semble qu'il ne l'ait jamais terminé.

On retrouve bien d'autres "surréalistes" qui ont vécu avant le surréalisme. Pieter Brueghel l'Ancien (env. 1526-1569), dans son le triomphe de la mort, se déroule un paysage glaçant, aride, inconnu, peuplé de squelettes qui se battent pour prendre les âmes des vivants. Et, déjà au XIXe siècle, nous avons un Goya rendu fou par sa surdité et par les désastres de la guerre, dont les peintures noires ne sont pas seulement quelque peu surréalistes, mais sont aussi des précurseurs de l'expressionnisme Allemand.

De son côté, Johann Heinrich Füssli (1741-1825) affiche le romantisme le plus sombre avec des œuvres telles que Le cauchemar, où une jeune femme est tourmentée par un incube, et William Blake (1757-1827), illustrant paradis perdu, de Milton, avec des aquarelles montrant des visions obsédantes et étranges. Rien de nouveau sous le soleil.