Le réalisme dans l'art: caractéristiques, origines et exemples

L'art est une expression intrinsèquement humaine. Précisément pour cette raison, et en raison de l'extraordinaire diversité culturelle qui a toujours existé, chaque époque et chaque communauté a exercé la création artistique de différentes manières, adaptant l'art à ses propres besoins d'expression et communication.

L'art n'a pas toujours cherché à imiter la réalité; non seulement dans l'avant-garde du XXe siècle, elle s'en est considérablement éloignée, mais elle n'a pas non plus on retrouve du réalisme dans l'expression artistique de civilisations telles que l'Egypte ancienne ou l'Occident médiéval. Cependant, il y a eu des cultures et des moments historiques où l'imitation de la nature était la chose la plus importante, et l'idée était complètement subordonnée à la représentation de la réalité.

Comment le réalisme est-il apparu dans l'art ? Quelle a été votre évolution? Dans cet article nous tenterons de tracer un parcours à travers les différentes manifestations artistiques et leur degré de réalisme.

Qu'est-ce que le réalisme dans l'art ?

Il est important de distinguer deux concepts: le réalisme comme courant artistique et le réalisme comme caractéristique d'une œuvre d'art.. Ainsi, alors que le premier est un mouvement plastique et littéraire limité aux décennies qui vont de 1840 à 1880, le réalisme en termes de caractéristique d'une œuvre d'art a à voir avec le degré de réalisme que présente l'œuvre, à savoir: la perspective, la proportion, les volumes, l'espace, etc.

De cette façon, toutes les œuvres réalistes n'appartiennent pas au courant du Réalisme, ainsi qu'une œuvre encadrée dans ce mouvement, il n'a pas à présenter de caractéristiques réalistes (bien que ce dernier ne soit pas le plus courant).

Caractéristiques du réalisme comme courant artistique du XIXe siècle

Le mouvement du réalisme est né en France et signifiait une réponse claire à son prédécesseur, le romantisme. Ainsi, alors que ce dernier s'inspirait de thèmes légendaires et portait les émotions humaines à leur paroxysme, Le réalisme proposait un virage radical et dirigeait son regard vers la réalité environnante au jour le jour. Cette vision réaliste des sujets est devenue, avec le naturalisme (le fils « noir » du réalisme), une exploration sordide des enfers et des situations les plus sombres de l'humanité. Certains des représentants picturaux les plus importants de ce courant sont Jean-François Millet et, dans le domaine littéraire, Émile Zola, considéré comme le père du naturalisme.

Ainsi, nous avons que Réalisme et Naturalisme, en termes de courants artistiques du XIX, explorent des thèmes liés à la vie quotidienne et s'éloigner des motivations qui ne reposent pas sur une observation empirique de l'environnement de l'artiste. C'est pourquoi l'un et l'autre (en particulier le naturalisme) représentent souvent une dénonciation acide de la précarité sociale qui est venue avec la révolution industrielle.

D'autre part, le réalisme comme caractéristique d'une œuvre d'art est lié, comme nous l'avons déjà dit, à ses caractéristiques formelles. Avec cet exemple, ce sera tout à fait clair: une œuvre de la Renaissance qui revendique une perspective mathématique et respecte la volumes de figures est une œuvre formellement réaliste, mais elle n'est nullement circonscrite à l'actualité réaliste du XIXe siècle

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Depuis quand le réalisme existe-t-il dans l'art ?

Déjà dans les premières manifestations artistiques (le soi-disant art rupestre), nous trouvons des caractéristiques que nous pourrions considérer réaliste. Car, malgré le fait que chez le bison d'Altamira et chez les chevaux représentés dans les grottes de Lascaux (France) on ne trouve aucun indice de perspective ou un désir authentique de représenter une scène réelle, on trouve un détail insolite dans la représentation du les animaux.

Malgré cela, on ne peut pas encore parler d'art réaliste, puisque les peintures rupestres En général, ils présentent une schématisation évidente et relèveraient d'un art plutôt conceptuel. En fait, en gros, l'art de l'humanité n'a jamais été strictement réaliste jusqu'à l'avènement du Renaissance, à l'exception, bien sûr, de l'art grec et romain.

On retrouve en Égypte un art éminemment conceptuel: des tentatives sont faites pour exprimer des concepts et des idées, et même des scènes les activités quotidiennes suivent des conventions marquées qui n'ont rien à voir avec une représentation mimétique de la réalité environnant. Dans l'art de l'Egypte ancienne, les scènes sont organisées en bandes horizontales, et il n'y a pas d'ordre réaliste des éléments de la représentation.. De plus, les parties les plus significatives de chaque élément ont été choisies, ainsi le visage était représenté de profil, les yeux et le torse devant, et les jambes sur le côté. Celle-ci n'obéissait à aucune réalité et était subordonnée exclusivement à la volonté de représenter les parties les plus reconnaissables de chaque élément.

C'est-à-dire que les Égyptiens ont « façonné » la réalité à leur manière. Les artistes de la vallée du Nil suivaient strictement un système d'échelle lié à l'importance de l'individu représenté. Ainsi, dans une même scène et sur un même plan, on trouve des figures beaucoup plus grandes que d'autres. Cette différence de taille n'est pas due à une quelconque tentative de relativisation, mais plutôt liée à la hiérarchie (d'ailleurs très stricte) des Égyptiens: un dieu sera toujours représenté beaucoup plus grand qu'un pharaon, celui-ci sera toujours beaucoup plus grand que sa femme et ses enfants, etc.

Cette représentation conceptuelle sera récupérée dans l'art médiéval, comme nous le verrons plus loin. Mais entre l'art des civilisations antiques et le moyen âge il y a eu une brève parenthèse d'art réaliste: art grec et art romain, dont nous parlerons ci-dessous.

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La parenthèse « réaliste »: la Grèce et Rome

L'art grec archaïque était étroitement lié au mode de représentation des peuples d'Orient, en particulier de l'Égypte. Cependant, vers le VI siècle a. c. quelque chose a commencé à changer. C'est la période grecque dite classique, dans laquelle un type de représentations plastiques plus conformes à la réalité est encouragé.

L'intérêt croissant des Grecs pour l'anatomie humaine est à l'origine d'une production sculpturale qui imite strictement la nature. est le mimésis grec, la tentative de saisir la réalité telle qu'elle est, donc selon des critères de proportion, de volume et de symétrie.

Cependant, malgré la capture d'anatomies extrêmement réalistes dans le marbre et le bronze, n'oublions pas que, dans le même temps, ces œuvres obéissaient à ce qu'elles entendaient par «beauté idéale». En d'autres termes, bien qu'anatomiquement parfaits, les dieux et les déesses de la sculpture grecque représentent des prototypes, et non des personnes concrètes et identifiables.

Pour cela, il faut attendre Rome, où l'individualisation atteint des sommets insoupçonnés à travers le portrait. D'un autre côté, les fresques trouvées à Pompéi, en particulier celles correspondant aux soi-disant deuxième et quatrième style pompéien, montrent un réalisme que l'on ne retrouvera dans la peinture occidentale qu'à XVe siècle.

Ces peintures sont restées cachées pendant des siècles, ensevelies par les restes des cendres produites par l'éruption du Vésuve. Paradoxalement, la catastrophe a permis de conserver les vestiges pratiquement intacts jusqu'à la découverte des ruines au XVIIIe siècle. La surprise des découvreurs fut immense, car sous leurs yeux s'étalaient des toiles d'une qualité exquise et d'un réalisme encore plus surprenant.

En effet, dans les fresques du style dit second pompéien, elles sont représentées à travers une fenêtre perspectives architecturales fictives très élaborées, qui semblent vraiment "ouvrir" un espace dans le mur. La même technique a été utilisée plusieurs siècles plus tard par Masaccio dans sa fresque du Trinité, du florentin Santa Maria Novella, qui étonna ses contemporains parce qu'il semblait ouvrir un trou dans le mur de l'église.

plastique médiéval

L'œuvre de Masaccio était très novatrice pour l'époque; Pensons que depuis les fresques pompéiennes aucune tentative n'avait été faite pour créer un espace d'un réalisme aussi prononcé. L'art médiéval qui a suivi les dernières années de l'Empire romain est, en général (nous ne pouvons pas nous attarder ici sur tous les styles et manifestations) schématique et éminemment conceptuel.

De la même manière que les Égyptiens, les artistes médiévaux ne représentaient pas des espaces et des éléments réels, mais exprimaient plutôt, à travers la peinture et la sculpture, une série de concepts et d'idées. Des éléments tels que la symétrie et le volume sont perdus dans ce type de travail., mais pas, comme beaucoup l'ont soutenu (et malheureusement le maintiennent encore) car "ils ne savaient pas peindre", mais parce que leur objectif en représentant ces oeuvres n'était pas d'imiter la nature.

Il existe de nombreux sujets sur «l'inexpressivité» romane; une inexpressivité qui n'en est pas une, comme on peut vite s'en rendre compte si l'on contemple attentivement quelques-uns des reliefs qui ont été conservés. Car si l'art plastique roman (et l'art médiéval en général) est éminemment conceptuel (tout comme l'art plastique égyptien), il n'est pas vrai qu'il manque d'expression. Le problème est que leur forme d'expression n'est pas la nôtre, donc de nombreuses façons dont les artistes romans avaient pour capturer les sentiments et les émotions ne correspondent pas à notre langue actuelle.

D'autre part, de nombreuses œuvres d'art de l'art roman sont chargées de détails, qui peuvent se manifester dans la chute de les plis d'une tunique (schématiques, mais souvent très détaillés) ou dans les bordures qui décorent une nappe de la Dernière Dîner.

L'accomplissement de la perspective

Au début du XVe siècle, Filippo Brunelleschi marque une étape importante dans l'histoire de l'art en établissant le procédé de la perspective mathématique ou linéaire. Un peu plus tard, Alberti a écrit les nouvelles théories de Brunelleschi dans son travail de l'image (1435). Dès lors, l'art occidental se construira sur ces préceptes, qui seront considérés comme la base de la "bonne" peinture.

Donc, Pendant tout le XVe siècle et une partie du XVIe siècle, la Renaissance italienne tente de reproduire la perspective linéaire dans ses œuvres picturales.. Cette perspective passe par l'établissement d'un point de fuite, d'où émergent toutes les lignes qui construisent l'espace du tableau. Cela produit une illusion d'optique qui donne au cerveau la sensation de profondeur.

La Renaissance dite flamande coexiste avec la Renaissance de la péninsule italienne, une autre des grandes révolutions de la peinture qui, dans ce cas, ont été réalisées par les artistes de Flandre au XVIIIe siècle. XV. Ces « primitifs flamands » donnaient de la profondeur à leurs œuvres par la succession des plans et, Surtout, ils ont posé un jalon dans le réalisme pictural en reproduisant tous les détails de la objets. On dit que, dans les peintures de Jan van Eyck, toutes les espèces végétales qui apparaissent peuvent être cataloguées grâce à la profusion de détails.

La perspective mathématique italienne est cependant la grande gagnante de l'art occidental de l'ère moderne et, à partir du XVIe siècle, le réalisme marque la peinture européenne. L'art baroque est un art éminemment réaliste car, s'il a (assez) la réputation d'être un art exalté et hautement émotionnel, il réserve aussi une place pour la représentation de la réalité: vieillards ridés, visages édentés, enfants aux pieds sales, natures mortes de fruits saisis avec une extraordinaire le réalisme…

Retour aux origines du réalisme artistique

L'art réaliste a dominé la scène artistique occidentale jusqu'au milieu du XIXe siècle, lorsque les premières ruptures avec l'art « traditionnel » sont apparues.. Les impressionnistes, les courants esthétiques et, plus tard, fauves, questionne ce qui, depuis le XVe siècle, s'est imposé comme la base indiscutable du « bon » art.

L'avant-garde du XXe siècle constitue donc une sorte de retour aux sources. Les artistes d'avant-garde, dans leur empressement à s'éloigner de l'art académique et officiel, cherchent de nouvelles voies d'expression, et les trouvent dans la destruction du « réalisme »; c'est-à-dire la perspective, la proportion, la cohérence compositionnelle. En un mot, la stricte imitation de la réalité.

Connu est le cas de Picasso, dont les dessins rappellent souvent les miniatures mozarabes, ou les cubistes qui, à l'instar de ce que Les Égyptiens, plus de deux millénaires auparavant, ont brisé la vision réaliste des objets et les ont reproduits d'une manière absolument subjectif.

L'hyperréalisme et les nouveaux courants réalistes

Souvent, les différents courants et expressions artistiques se répondent. Nous avons déjà mentionné dans l'introduction comment le mouvement réaliste du XIXe siècle était une réponse au romantisme des décennies précédentes. Eh bien, actuellement on trouve dans le panorama artistique un courant qui élève le réalisme pictural à des limites insoupçonnées; nous nous référons au courant dit hyperréaliste.

L'hyperréalisme est né à la fin du XXe siècle, en partie en réponse à la tendance conceptuelle et abstraite des arts plastiques.. Ce courant porte l'imitation de la nature à son expression maximale, ce qui transforme ses peintures en reproductions photographiques (en fait, on l'appelle aussi photoréalisme). La netteté des compositions est telle qu'elle est souvent vraiment bouleversante pour le spectateur; Bien sûr, les détracteurs ne manquent pas, qui le qualifient de simple imitateur de la réalité.

La question est la suivante: l'art doit-il copier la nature, comme le disaient les anciens Grecs avec leur mimesis, ou a-t-il une « obligation » d'apporter quelque chose de nouveau? Si l'on part du principe qu'une imitation n'est jamais une reproduction exacte de la chose réelle (puisqu'elle passe au crible de l'artiste), peut-être faut-il se demander si « l'art réaliste".