La Neuvième Symphonie de Beethoven: histoire, analyse, sens et playlist

La Neuvième Symphonie ou alors Symphonie n° 9 C'est l'une des compositions les plus emblématiques de Ludwig van Beethoven, qui l'a exécutée entre 1818 et 1824 pour le compte de la London Philharmonic Society. Son importance est telle qu'il a été déclaré site du patrimoine mondial en 2002.

Au début de la pièce, Beethoven était sourd. Ils disent qu'il a dirigé le Neuvième Symphonie faisant usage de sa lecture prodigieuse, mais lorsque le dernier mouvement s'est terminé, incapable d'entendre le applaudissements du public, il a dû être alerté par les musiciens de l'orchestre pour que le revenir.

Ceci, qui était sa dernière apparition publique, était aussi la naissance d'une légende: l'homme qui a changé le l'histoire de la musique était devenue sourde, et étant sourd - c'était en effet un acte de génie - il écrivit la Neuvième Symphonie qui a constitué, sans aucune réserve, une authentique révolution musicale. Comprenons pourquoi.

Analyse de la Neuvième Symphonie

Pour comprendre le caractère révolutionnaire de la

Neuvième SymphonieIl faut savoir à quoi ressemblaient les symphonies avant cette œuvre, quelle était la tradition symphonique à laquelle les compositeurs adhéraient à ce moment-là.

La symphonie comme genre

On appelle symphonie une œuvre musicale conçue pour un orchestre qui, dans sa forme classique, se compose de quatre mouvements. Chaque mouvement a ses propres caractéristiques. A l'époque de Beethoven, les mouvements symphoniques étaient structurés comme suit :

• Premier mouvement: Allegro.
• Deuxième mouvement: Adagio.
• Troisième mouvement: Scherzo.
• Quatrième mouvement: Allegro.

Cette structure s'est généralement développée en une période d'environ trente minutes ou un peu plus. Quant au format, normalement les symphonies étaient composées pour la section des cordes, la section des cuivres et la section des bois. C'était donc un genre absolument instrumental.

Bien que Beethoven ait déjà montré des signes de transformations sérieuses et importantes du genre, en particulier profitant à l'extrême du développement timbral, de la dynamique (agogique), en plus des changements harmoniques et tonale, dans le Neuvième Symphonie présente de vraies nouvelles.

La Neuvième Symphonie et ses nouveautés

En surface, Ludwig van Beethoven développe le Neuvième Symphonie suivant la structure conventionnelle: quatre mouvements. Cependant, ces mouvements sont développés de telle manière qu'ils ouvrent la voie à une nouvelle perception phénoménale de la musique et étendent leur durée à quelques soixante minutes grosso modo, un changement notable dans les coutumes de la musique et du divertissement.

Changements de structure

La structuration du Neuvième Symphonie C'est comme suit :

• Allegro ma non troppo, un petit maestoso
• Scherzo: Molto vivace - Presto
• Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
• Récitatif: (Presto - Allegro ma non troppo - Vivace - Adagio cantabile - Allegro assai - Presto: ou Freunde) - Allegro assaï: Freude, schöner Götterfunken - Alla marcia - Allegro assai vivace: Froh, wie seine Sonnen - Andante maestoso: Seid umschlungen, Millionen! - Adagio ma non troppo, ma divoto: Ihr, stürzt nieder - Allegro energico, semper ben marcato: (Freude, schöner Götterfunken – Seid umschlungen, Millionen !) - Allegro ma non tanto: Freude, Tochter aus Elysium ! - Prestissimo, Maesteoso, Prestissimo: Seid umschlungen, Millionen !

Comme on peut le voir, Beethoven développe des transformations rythmiques tout au long de la structure qui sont absolument contrastées, et rompent avec le sens de l'équilibre et de la mesure de la classicisme.

Concernant le premier mouvement, le chercheur Josep Pascual, dans son livre Guide universel de la musique classique, soutient que « La symphonie commence par une série de quartes et de quintes parfaites, sorties de nulle part (...) », et attribue à son développement « un climat presque violent ». A cela, ajoutez :

... dans toute la composition, les contrastes dominent et le drame du premier mouvement devient vitalité dans la seconde, qui a parfois été définie à juste titre comme un passage de l'obscurité à la lumière.

Le troisième mouvement, dit le chercheur, est dominé par un esprit lyrique, prélude au quatrième mouvement, dans lequel le Hymne à la joie. Le chercheur le classe comme "un hymne émotionnel à la fraternité universelle". Josep Pascual conclut en déclarant que le quatrième mouvement peut être considéré comme une œuvre complète en soi, c'est-à-dire « une symphonie entière ».

Mais force est de constater que tout le monde n'a pas vu d'un bon œil le quatrième mouvement de Beethoven. L'audace du compositeur dans ce mouvement lui vaut les critiques de personnages tels que Giuseppe Verdi, à qui il a semblé un mouvement convulsif et désastreux qui a rompu avec l'excellence des trois premiers.

Nouveaux outils et ressources

Cette liberté créatrice et créatrice de Beethoven ne s'exprime pas seulement dans les changements structurels de la forme sonate, mais aussi dans la configuration de l'orchestre, c'est-à-dire dans les instruments participantes. Cette configuration serait la suivante :

• Section bois:
  • Piccolo;
  • 2 flûtes ;
  • 2 hautbois ;
  • 2 clarinettes (en la, si bémol et do) ;
  • 2 bassons ;
  • 1 contrebasson ;
• Section de vent en métal:
  • 4 cors (2 en ré et 2 en si bémol) ;
  • 2 trompettes (en si bémol et mi bémol) ;
  • 3 trombones (alto et ténor) ;
• Section de cordes:
  • Violons;
  • altos ;
  • Violoncelles ;
  • Contrebasses.
• Percussion:
  • timbales,
  • tambouriner,
  • soucoupes,
  • Triangle;
• Des voix:
  • Chœur,
  • Solistes soprano, alto, ténor et basse.

Dans la Neuvième, Beethoven a introduit le percussion pour la première fois dans l'histoire de la symphonie. En fait, la percussion n'était même pas considérée comme une section régulière des orchestres de cette génération.

L'inclusion des percussions imprimerait un nouveau caractère qui augmenterait la puissance émotionnelle. Dès le premier mouvement on sent la force de la section percussive, qui contraste avec la délicatesse des cordes apportées au pianissimo.

Avec cela, Beethoven parvient à augmenter la puissance, l'intensité et l'expressivité des sons obtenus par tout l'orchestre, jusqu'à atteindre des effets vraiment impressionnants sur l'expérience auditif.

Une autre innovation importante de Beethoven a été l'inclusion de choeur et chanteurs solistes, qu'il arrange dans le quatrième mouvement, moment culminant de l'œuvre.

Le texte choisi par le compositeur était le célèbre Ode à la joie par Friedrich Schiller, qui l'a écrit en 1786. Avec le temps, le nom Hymne à la joie a commencé à être utilisé pour désigner l'œuvre musicalisée.

Avec ce geste, Beethoven a donné à la voix la même dignité dont jouissent les instruments de musique. En d'autres termes, il a fait de la voix un instrument de l'orchestre qui a apporté de nouvelles textures, timbres et effets au composition.

Mais il a aussi valorisé mot poétique, élevé à la forme de la symphonie. Certes, la poésie avait été justifiée dans le genre de menti Allemand bien avant, mais maintenant, il faisait son entrée triomphale dans la symphonie qui, à l'époque, était considérée comme la plus haute forme de musique académique.

Tout cela a permis à Ludwig Van Beethoven de s'imposer comme le prédécesseur du soi-disant symphonie chorale, ouvrant la voie à des figures emblématiques de ce genre comme Hector Berlioz.

Voir également Hymne à la joie: analyse et sens.

L'expression d'une nouvelle sensibilité

Beethoven développe divers concepts et intensités rythmiques qui élèvent l'émotion à un point véritablement climatique. L'œuvre acquiert un sens dramatique, émotionnel, émouvant profond. La musique elle-même devient un spectacle cathartique et libérateur.

Cette nouvelle sensibilité, qui cherche « l'extase » à travers l'activité créatrice, qui proclame l'émotion face aux formes classiques proportionnées et symétriques, n'est pas étrange en son temps.

Beethoven boit de l'esprit qui a émergé en Allemagne vers la fin du XVIIIe siècle avec le mouvement Sturm und Drang, point de départ de la révolution romantique qui a transformé à jamais les arts visuels, la littérature et la musique, et qui a été particulièrement prolifique dans ces deux derniers.

En fait, au XIXe siècle, la musique a pris une plus grande importance par rapport aux arts plastiques et à l'architecture. Le chercheur Matías Rivas Vergara, dans un essai intitulé La Neuvième Symphonie de Beethoven: histoire, idées et esthétique Maintient que :

... L'esthétique musicale romantique est essentiellement une conception de la musique comme un « langage métaphysique » capable de exprimer l'ineffable et l'Absolu - à la fois topos, poétique et métaphysique, qui constituent l'essence de la Le romantisme.

La fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle ont été des temps turbulents et révolutionnaires. Il est bien connu que Beethoven communiquait avec les valeurs modernes de la Révolution française, à tel point qu'il croyait voir Napoléon Bonaparte comme un héros, réalisant même ses intentions impérialistes.

Utilisez ceci comme exemple pour montrer à quel point Beethoven était attaché aux idéaux de égalité, liberté et fraternité, bien au-dessus de la divinisation des individus. Pour cette raison, cette œuvre, sa dernière symphonie, se termine par la glorification de la Ode à la joie de Schiller.

C'est Beethoven qui, dans la musique académique, a ouvert l'espace à la liberté de création, à la subjectivité et à sa propre expression émotionnelle, des valeurs conformes à l'esthétique romantique. Il enregistre la dominance de la tradition classique dans ses premières années, et la soif de liberté et de créativité de cette dernière. Beethoven était la clé d'une porte qui donnait l'entrée d'un nouvel univers musical.

Playlist

Les références

• Pascal, Josep: Guide universel de la musique classique. Barcelone: éditions Robinbook. 2008.
• Rivas Vergara, Matias: La Neuvième Symphonie de Beethoven: histoire, idées et esthétique. Récupéré sur Academia.edu. 2013.