11 œuvres fondamentales de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci était peintre, sculpteur, architecte et ingénieur militaire, mais son nom a toujours été lié à la peinture. Ainsi, ici, 11 des œuvres les plus importantes de l'artiste seront abordées par ordre chronologique.

1. L'Annonciation

Peint entre les années 1472 et 1475, L'Annonciation Il s'agit d'une peinture à l'huile sur bois qui représente les premiers pas de Léonard dans la peinture, bien que tous ne soient pas d'accord avec le verdict.

Le tableau a été "caché" dans un monastère jusqu'en 1867, date à laquelle il a été transféré à la Galleria degli Uffizi, à Florence. Il a d'abord été attribué à Domenico Ghirlandaio, peintre contemporain de Léonard et également apprenti dans l'atelier de Verrocchio.

Cependant, des études et des analyses après l'œuvre soutiennent la théorie selon laquelle cette peinture correspond à l'une des premières œuvres de Léonard. En réalité, cela aura été un effort conjoint, car en analysant le tableau, il a été perçu que la base et la Vierge auraient été exécutées par Verrocchio.

Léonard aurait peint l'ange, le tapis de fleurs et le paysage de fond (la mer et les montagnes). Cela ressort clairement de la précision scientifique avec laquelle les ailes ont été peintes, ainsi que de la découverte d'un dessin préparatoire pour les manches de l'ange attribué à Léonard.

La différence entre la délicatesse de l'ange et la majesté presque froide de la Vierge semble aussi évidente. De la même manière, on peut déjà voir dans l'ange l'usage de la sfumato et clair-obscur.

La scène représente l'épisode du Nouveau Testament dans lequel l'ange rend visite à la Vierge pour lui dire qu'elle donnera naissance au Messie, fils de Dieu.

2. Portrait de Ginevra de 'Benci

Le portrait de Ginevra de 'Benci a été peint par Léonard entre 1474 et 1476. Il s'agit d'une huile sur bois qui porte le nom de la personne représentée, une jeune aristocrate de Florence, célèbre et admirée pour son intelligence.

La tête de la jeune femme est encadrée par les feuilles d'un buisson de genévrier, tandis qu'à l'arrière-plan un paysage naturel soigné peut être vu.

L'expression de la jeune femme est sévère et hautaine, et comme la plupart des femmes de l'époque, Ginevra s'est également rasé les sourcils.

La taille de l'œuvre a été raccourcie, car elle remontait à l'origine jusqu'à la taille de la jeune femme et devait inclure la représentation de ses mains posées sur ses genoux.

3. La Vierge aux rochers

La Vierge aux rochers C'est une huile sur bois et a été exécutée vers 1485. Ici, les personnages sont devant une grotte et leurs formes sont enveloppées d'un brouillard (sfumato) ce qui donne au tableau un caractère presque surréaliste.

Cette composition est un parfait exemple de la maîtrise du clair-obscur dans la peinture de Léonard, ainsi que de la technique de sfumato qu'il a développé.

Le thème de l'œuvre est unique et énigmatique, car l'enfant Saint Jean est représenté adorant Jésus en présence de la Vierge et d'un ange.

Le sens de cette composition n'est pas facile à interpréter, mais peut-être que le secret réside dans l'utilisation du geste (un détail caractéristique d'une grande importance pour l'artiste).

Chaque personnage reproduit un geste différent, et ici comme d'autres personnages dans d'autres tableaux, l'ange pointe de son index, mais en direction de Saint Jean.

Pendant ce temps, la Vierge le protège, saint Jean est en position d'adoration et l'enfant Jésus bénit.

4. Homme de Vitruve

Vers 1487 ou 1490, Léonard créa le soi-disant Homme de Vitruve, un dessin à l'encre sur papier de deux personnages masculins superposés avec des bras et des jambes séparés dans un cercle et un carré.

Le dessin est accompagné de notes basées sur le travail du célèbre architecte romain Marco Vitruvius Polión. Il est considéré comme une étude des proportions et une juxtaposition parfaite entre la science et l'art, ainsi que l'une des œuvres les plus importantes de l'artiste, scientifique et inventeur Léonard de Vinci.

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5. Dame à l'hermine

La Dame à l'hermine Il s'agit d'une peinture à l'huile sur bois peinte vers les années 1489-1490 par Léonard. La figure représentée est Cecilia Gallerani, une supposée amante du duc de Milan, Lodovico Sforza, pour qui Leonardo a travaillé.

En raison des diverses interventions qu'il a subies au cours des siècles, le fond original de la peinture disparu et était totalement obscurci, une partie de la robe a été ajoutée ainsi que les cheveux qui s'enroulent autour Menton.

L'analyse de la peinture a révélé une porte dans le fond d'origine. En plus de cela, il a également été découvert que Leonardo aurait pu changer d'avis en peignant la figure et qu'à l'origine, la position des bras de la dame serait différente. A cela s'ajoute le fait que l'hermine a été ajoutée plus tard.

La survie de ce tableau jusqu'à aujourd'hui est presque un miracle, puisque depuis 1800, date à laquelle il a été acheté par un prince polonais, a été repeint plusieurs fois, a subi l'exil et s'est caché en raison des invasions et guerres. En 1939, après l'invasion nazie, une empreinte d'un soldat SS a été trouvée dans la peinture.

6. La Belle Ferronière

Peint entre 1490 et 1495, La Belle Ferronière c'est aussi une peinture à l'huile sur bois. Le personnage représenté est une femme inconnue, fille ou épouse d'un forgeron.

Ce tableau est l'un des quatre portraits réalisés par le peintre, ensemble qui se complète avec le La Joconde, Dame à l'hermine Oui Givevra de 'Benci.

7. Le dernier repas

Le dernier repas Il s'agit d'une peinture murale exécutée par Léonard de Vinci entre les années 1493 et ​​1498. On le retrouve sur le mur de la salle à manger du couvent de Santa Maria Delle Grazie à Milan.

C'est l'œuvre qui donnera à l'artiste une notoriété. Mais malheureusement, en raison du fait que Leonardo a appliqué une technique peu orthodoxe qui compromettrait sa durabilité. C'est ainsi qu'il mélange les techniques de la détrempe et de l'huile sur des couches de plâtre dans un plâtre.

Aujourd'hui, il faut faire un effort pour imaginer toute la splendeur de cette peinture originale, même si c'est encore un miracle qu'elle puisse encore être contemplée.

Comme le titre l'indique, le tableau représente la dernière cène entre Jésus et les apôtres. Le messie est au centre de la composition et derrière sa tête se trouve une fenêtre qui accentue l'effet de disparition du point de vue.

Au-dessus de la tête de Jésus, un fronton fait office de halo. Ainsi, l'importance des éléments architecturaux comme support des figures centrales de la composition est confirmée.

Le moment capturé sera juste après que le Christ annonce la trahison d'un de ses disciples, ce qui peut être vu dans la gesticulation agitée des figures autour du Messie en contraste avec leur calme et sérénité.

Voir également: Peinture murale Le dernier repas par Léonard de Vinci

8. Salvator mundi

Salvator mundi Il s'agit d'une huile sur toile, peut-être peinte entre les années 1490 et 1500, et aurait été destinée au roi Louis XII de France et à son épouse Anne, la duchesse de Bretagne.

Au cours des années 1763 à 1900, le tableau manquait et aurait été détruit. Plus tard, il a été découvert, restauré et attribué à Léonard. Cependant, de nombreux chercheurs soutiennent qu'une telle attribution est erronée.

Cependant, en novembre 2017, l'œuvre a été mise aux enchères et vendue à un acheteur anonyme comme s'il s'agissait de Léonard de Vinci. La vente aux enchères a atteint un nouveau record jamais imaginé, et l'œuvre s'est vendue pour 450 312 500 millions de dollars.

La composition représente le Christ comme le sauveur du monde, tenant un globe de cristal de la main gauche et bénissant de la main droite. Jésus apparaît vêtu de vêtements typiques de la Renaissance.

9. Mona Lisa

Aussi connu sous le nom La Joconde, Mona Lisa Il s'agit d'une huile sur bois peinte par Léonard entre 1503 et 1506. Le tableau est un portrait de Mona Lisa, la jeune épouse de Franceso de Giocondo, selon le témoignage de Giorgio Vasari (1511-1574), peintre, architecte et biographe de divers artistes de la Renaissance Italien.

L'œuvre a été acquise par François Ier, roi de France de 1515 à 1547. En 1911, le tableau a été volé et récupéré deux ans plus tard, en 1913.

Il existe d'innombrables théories et spéculations sur ce travail, mais sa véritable merveille n'est pas tant dans le sourire dit énigmatique, mais dans la technique utilisée.

La représentation introduit la perspective atmosphérique qui influencera à la fois le baroque et le Velázquez. Dans ce portrait, Léonard a placé la figure au premier plan, la peignant avec netteté, tandis que le paysage est légèrement flou.

Cela contribue à créer un sentiment de distance par rapport au paysage, mais de proximité avec la figure féminine représentée. Ainsi, le regard se perd sur l'horizon. C'est une parfaite utilisation des techniques de la sfumato et la perspective atmosphérique.

Concernant le portrait lui-même et son fameux sourire, il faut dire qu'une expression similaire se retrouve dans d'autres œuvres de l'artiste, comme Santa Ana et San Juan.

Cependant, le sourire peut n'avoir été que la représentation fidèle du modèle ou de l'expression du influence du sourire archaïque de l'art grec (voir image de Koré) qui a tant influencé le Renaissance.

Voir l'analyse détaillée de Peinture de la Joconde

10. La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne

Peint à l'huile sur bois, Vierge à l'enfant avec sainte Anne a été exécuté en 1510. Trois personnages bibliques y sont représentés: Santa Ana, mère de Marie, de la Vierge et de Jésus l'Enfant. Jésus tient un agneau dans sa main.

Les figures sont représentées de forme pyramidale sur un fond rocheux et mal défini. En cela, une partie des contours de Santa Ana sont dilués dans sfumato.

Bien qu'il s'agisse d'un thème iconographique assez courant, l'étrange est la position de Maria, assise sur les genoux de sa mère.

11. Saint Jean-Baptiste

Saint Jean-Baptiste C'est une huile sur bois réalisée entre 1513 et 1516. Il est possible qu'il s'agisse de la dernière œuvre du peintre, déjà dans les dernières années de la Renaissance et le début du maniérisme.

Dans ce tableau Saint Jean pointe vers le haut avec l'index de sa main droite (geste répété de manière exhaustive dans les œuvres de l'artiste), renforçant peut-être l'importance du baptême dans l'Esprit pour le salut des âme.

Cette représentation de la figure de saint Jean-Baptiste diffère de tous les archétypes précédents, qui jusque-là représentaient le saint comme un personnage maigre et féroce.

Saint Jean est ici représenté sur un fond indéchiffrable, et avec des lignes plus féminines que masculines. Sa posture, enveloppée de laine de mouton, invoque la sensualité, un personnage séduisant, rappelant les satyres de la mythologie grecque.

La pièce est envoûtante et dérangeante. Le caractère androgyne de la peinture de Léonard est à nouveau exposé dans cette œuvre, ainsi que sa maîtrise de la technique du clair-obscur. Par ailleurs, la représentation de saint Jean-Baptiste répète le sourire énigmatique de La La Joconde Oui Sainte Anne.

Fait intéressant, lorsque Léonard a accepté l'invitation de François Ier à s'installer en France en 1517, ce tableau était l'un de ceux qu'il a décidé d'emporter avec lui, ajoutant également le La Joconde Oui La Vierge à l'Enfant et Sainte Anne.

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Biographie de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci (1452-1519) est né dans une petite ville près de Florence appelée Vinci. Comme il était le fils illégitime d'un notaire et d'une femme qui aurait probablement été une esclave, il fut séparé de sa mère à l'âge de 5 ans. A 14 ans, il entre dans l'atelier de Verrochio en tant qu'apprenti.

Sans nom de famille, il est devenu connu sous le nom de Léonard de Vinci. Son nom complet serait Leonardo di ser Piero da Vinci, ce qui signifie Leonardo fils de (Mois) ser Piero de Vinci, puisque la paternité de Léonard est attribuée à Messer Piero Fruosino de Antonio da Vinci.

Bien qu'on se souvienne de lui dans l'histoire en tant que peintre, seulement un peu plus de deux douzaines de tableaux qui lui sont attribués ont survécu à cette époque. En fait, l'explication pourrait être dans le fait que Léonard n'a jamais été un peintre très prolifique.

Esprit curieux, il s'intéressait à tout, mais il ne se consacrait pleinement à rien. Cependant, sa contribution et son influence sur la peinture et l'art en général sont indéniables.

Pour Léonard, la peinture était l'art par excellence, puisque le peintre termine ses œuvres avec l'effort de la raison. Par conséquent, un peintre est un intellectuel, tandis que le sculpteur termine ses œuvres avec un effort physique.

Cette idée et d'autres ont contribué au désaccord qui a été entretenu pendant des années entre Leonardo et Miguel Ángel (pour qui la sculpture était le plus grand art et qui considérait la peinture à l'huile comme quelque chose de typique de la femmes).

Malgré le fait qu'aucun portrait du jeune Léonard ne nous soit parvenu, la sculpture de David de Verrochio contient les traits de Léonard, qui, dans sa jeunesse, avait une allure plutôt séduisante.

En 1476, toujours dans l'atelier de Verrocchio, Leonardo a été accusé de sodomie, et a ensuite été acquitté de l'accusation.

(Texte traduit par Andrea Imaginaire).