Edvard Munch: 20 ouvrages brillants pour comprendre le père de l'expressionnisme

Edvard Munch est un peintre norvégien situé dans la transition du 19e au 20e siècle, et est considéré comme le père de l'expressionnisme. Son œuvre, scandaleuse pour beaucoup, suscite l'admiration des jeunes artistes et du public non spécialisé. Ceux-ci ont été identifiés avec l'anxiété générée par l'industrialisation rapide et le mécanisme qui prévaut.

Pour les artistes établis, la cause du scandale était dans la liberté technique de Munch. Pour les secteurs conservateurs, elle reposait sur le fait que le peintre abordait ouvertement des sujets tels que le sexe, l'amour et, surtout, la maladie et la mort, ses grandes obsessions.

Son style était unique grâce au fait qu'il créait un langage authentique et original, conséquence d'un dialogue libre avec le post-impressionnisme, l'art nouveau et l'avant-garde. C'est pourquoi, bien que Munch ait ouvert les portes de l'expressionnisme, il ne peut être étiqueté dans aucun mouvement. En jetant un coup d'œil à ses œuvres les plus importantes, nous comprendrons pourquoi Munch est un artiste unique et irremplaçable.

1. Le cri, 1893

Le cri C'est l'œuvre de Munch qui a déclenché le plus de scandales et, néanmoins, elle est aujourd'hui considérée comme la La Joconde d'art contemporain. Il représente une personne androgyne dont le visage exprime l'angoisse dans son expression maximale après avoir entendu ou poussé un cri. Le sujet, par conséquent, perçoit le monde comme une masse ondulante et stridente. Personne d'autre que Munch n'avait fait cela auparavant dans l'art.

La pièce a été conçue après la période pendant laquelle l'une de ses sœurs a été emprisonnée pour tentative de suicide, suggérant un lien avec l'épisode. Un fait curieux sur Le cri est que Munch a fait quatre versions avec de légères différences entre elles, une pratique très courante chez le peintre. La version la plus connue est celle de 1893, qui fut volée en 1994, et récupérée peu après.

2. Anxiété, 1894

Oui Le cri C'est l'image du désespoir individuel Anxiété c'est l'expression de l'angoisse collective que Munch capte dans l'âme norvégienne. Par conséquent, Munch n'est pas un artiste limité au registre de l'inconfort individuel, mais est sensible à l'inconfort général qui affecte la société de la fin du XIXe siècle, dont la transformation est beaucoup plus rapide que sa capacité à traiter changements.

La toile Anxiété Il est basé sur deux peintures précédentes de Munch. Le paysage que nous voyons dans Anxiété a été récupéré de la toile Le cri. Les personnages, quant à eux, sont tirés de Après-midi sur la rue Karl Johan. La stratégie consistant à prendre des éléments des trames précédentes est récurrente dans Munch. Le peintre non seulement « représente » des scènes, mais les éléments qui les constituent sont conçus comme leurs propres symboles.

3. La fille malade, 1885-1886

La fille malade correspond à un style ancien dans l'œuvre de Munch, proche de l'impressionnisme. La toile représente la sœur cadette de Munch, Sophie, sur son lit de mort de la tuberculose. À ce moment-là, la jeune femme avait environ 15 ans.

Comme à son habitude, Munch a interprété différentes versions de cette chanson, qui était pour lui une source permanente de douleur et de culpabilité. Cela était dû au fait que le peintre, qui avait souffert de tuberculose à l'âge de 13 ans, a estimé qu'il devait être mort à la place de sa sœur.

4. Amour et douleur (Vampire), 1893

Munch a intitulé cette œuvre Amour et douleur. Il y représentait une femme embrassant un homme allongé sur ses genoux, comme s'il cherchait du réconfort. Bien que Munch n'ait jamais révélé la signification personnelle de l'œuvre, le titre original en dit long. Cependant, lorsque cette pièce a été révélée, elle a déclenché un énorme scandale.

Les gens ont vu en elle des signes sadomasochistes et ont interprété que la femme avait mordu le cou de son amant comme un vampire. Par conséquent, la peinture a commencé à être connue comme Vampire. Le scandale était tel que, des années plus tard, ce fut l'un des nombreux tableaux de Munch censurés pendant l'occupation nazie de la Norvège.

5. Madone, 1894

La boîte connue sous le nom Madone il s'intitulait à l'origine Amant femme ou alors Femme qui aime. Renommer le travail Madone c'est sans aucun doute une provocation. Munch a produit au moins cinq versions connues de cette pièce.

L'artiste fait une représentation de la femme comme s'il s'agissait d'une icône, pour transmettre le sentiment d'adoration que sa beauté et sa sexualité éveillent. Le halo rouge qui entoure sa tête fait allusion à la relation entre l'amour et la douleur, même pendant la consommation de l'acte sexuel.

Cette hypothèse est justifiée car Munch en a fait une version gravée, dont le cadre comprenait des motifs décoratifs de spermatozoïdes qui convergent vers un fœtus macabre. En conclusion, la peinture est un symbole du cycle de la vie qui passe par la sexualité, la procréation et la mort.

6. Cendres, 1894

Cendres Il est considéré comme l'une des œuvres avec la plus grande beauté esthétique de Munch en raison de l'enfilage des lignes et de la coloration. Dans la composition, on voit un homme en noir, la couleur des ténèbres et de la mort. L'homme est perdu dans un coin, comme s'il se cachait le visage de honte, les mains sur la tête. Cela nous rappelle l'homme abattu de Amour et douleur (Vampire).

Derrière lui, une femme en robe blanche, couleur de pureté, et au corsage rouge, couleur de passion, lève également les mains. Son visage exprime la tristesse et l'inquiétude. Le voile de la passion s'est déchiré.

La relation entre l'image et le titre pointe vers un paradoxe: quand la passion est consommée, elle se dissipe. Le feu de la passion ne laisse que des cendres. Mais en plus, les gestes des personnages évoquent la culpabilité et le désespoir. Cela révèle que l'événement défie un code moral. Est-ce de l'adultère? Était-ce un viol? Ce doit être le spectateur qui le déchiffre.

7. La puberté, 1894-1895

Au La puberté, Munch dépeint un jeune adolescent complètement nu. La jeune femme a un visage craintif et cache ses parties intimes. Plus qu'un symbole de modestie et d'innocence, les gestes sont un symbole de peur et de répression face à sexualité, dont Munch a souffert dans sa jeunesse, étant donné la rigueur religieuse de son père et le contexte de époque.

L'ambiance mystérieuse de la scène est confirmée par l'ombre indéchiffrable en arrière-plan, qui ressemble à une sorte de fantasmagorie envoûtante. L'importance de cette œuvre de jeunesse de Munch réside dans le fait qu'elle représente le point de transition entre le trait « impressionniste » et la libération de la technique au service du monde psychologique de l'artiste.

8. Autoportrait avec cigarette, 1895

Autoportrait avec cigarette C'est l'une des œuvres les plus célèbres de Munch, ainsi que son autoportrait le plus connu parmi les nombreux qu'il a réalisés. Sur toile, l'auteur démontre une compréhension et une maîtrise absolue de la technique pour représenter la lueur de la lumière au milieu de l'obscurité et de la fumée.

Ce faisant, Munch crée une atmosphère presque mystérieuse qui attire l'attention sur son visage et sa main. Le visage semble entre perplexe et surpris, tandis que la main, en plus de tenir la cigarette, s'élève jusqu'au niveau du cœur. Si le visage est le signe de l'identité intérieure du sujet, affecté d'instabilité émotionnelle, la main est le symbole de l'artiste plasticien.

9. Mort dans la chambre, 1895

Durant son enfance, Edvard Munch a vu de nombreux membres de sa famille mourir de tuberculose: sa mère et son père en font partie. Mort dans la chambre représente la souffrance de sa famille à la perte de sa sœur cadette, Sophie, que l'on ne voit pas. C'est un génie de l'auteur de concentrer l'attention du spectateur sur la souffrance émotionnelle plutôt que sur la mort.

L'homme qui lève les mains dans une attitude de prière est son père, un religieux protestant sévère. L'homme appuyé contre le mur serait Munch, tournant le dos à la scène (mort, affection et foi), tout en regardant droit dans son ombre. Il met en évidence le fait que chaque membre de la famille souffre séparément.

10. Deux êtres humains (Les solitaires), 1896

La toile Deux êtres humains ce n'est rien d'autre qu'une allégorie de la solitude. On y voit un homme et une femme sans identité, dos au spectateur, contemplant l'horizon inerte. Entre les deux, il semble y avoir une distance infranchissable.

L'œuvre, comme beaucoup d'autres de Munch, a été reprise de nombreuses fois et selon différentes techniques. Tant le thème que la manière de le représenter confirment le caractère anxieux, solitaire et dépressif de l'artiste.

11. Le bisou, 1897

Le bisou, de 1897, est l'une des versions du tableau dit Le baiser derrière la fenêtrepar Munch lui-même. La manière dont le peintre a représenté les deux personnages ressort. Ils ressemblent à un seul corps, sans aucune ligne de démarcation entre eux. Les personnages manquent d'identité, de leurs propres limites.

La fusion des personnages ne se lit pas de manière romantique, puisque l'atmosphère sombre et lourde de la scène suggère également la proximité de la mort. L'impact généré par cette série fut tel qu'elle inspira la célèbre œuvre Le bisoupar Gustav Klimt.

Cela peut vous intéresser: Analyse de Le bisoupar Gustav Klimt.

12. La fertilité, 1898

Sur la toile La fertilité de Munch, nous voyons une femme enceinte, debout, portant les fruits abondants de l'arbre. Face à elle, l'homme assis, penaud et voûté, contraste. Une canne tombée peut être vue à côté de lui. Il y a continuité entre l'homme et l'arbre car le premier pose son pied sur le tronc de l'arbre.

L'arbre pourrait être interprété comme l'arbre de vie. Cependant, une branche a été coupée, dont il ne reste qu'une souche. Pour porter ses fruits, l'arbre a été taillé, démembré.

Les interprétations les plus radicales suggèrent que Munch exprime son refus d'avoir des enfants. Ses fruits représenteraient la fin de ses fruits. L'interprétation est basée sur le fait que le tableau a été peint lorsque Munch a été confronté à la possibilité de se marier avec Tulla Larsen, un engagement qui n'a jamais été consommé.

13. Rencontre dans l'espace, 1898

Au Rencontre dans l'espace on voit un homme et une femme graviter dans l'espace. L'œuvre représente un moment érotique, délimité non seulement par des corps et des gestes, mais aussi par des lignes allusives au mouvement du sperme autour des personnages. Les visages sont éloignés les uns des autres. La femme semble presque indifférente. L'homme semble délivré. La pièce montre la polyvalence technique de l'auteur, ainsi que les symboles et les ressources expressives.

14. La danse de la vie, 1899

La danse de la vie c'est une métaphore des étapes de la vie et de l'amour. Il s'agit d'une scène en plein air dont le fond est un ciel d'un bleu profond sur un lac norvégien. Dans le ciel, on voit le soleil du nord et son reflet dans l'eau, l'un des symboles constamment répétés dans les tableaux du peintre.

Au premier plan, on voit la même femme en trois étapes: une jeune fille en blanc à gauche. A droite, une femme seule vêtue de noir. Au centre, la femme et son homme dansent comme si le monde n'existait pas. Le rouge de la robe symbolise la vie et la passion. Le couple pourrait être Tulla Larsen et Munch.

Autour d'eux, d'autres personnages dansent. Derrière la femme en noir, on voit un homme grotesque prêt à abuser d'une femme. L'importance de cette œuvre réside dans la manière dont Munch parvient à traduire la complexité de son angoisse intérieure autour des étapes de la vie, qu'il circonscrit à l'amour.

15. La mort de Marat, 1907

Au cours d'une période de sa vie, Munch s'est consacré à la réalisation de diverses versions de La mort de Marat. Parmi ces versions, nous vous présentons une réalisée en 1907. Marat était un journaliste et homme politique français du XVIIIe siècle, assassiné par Charlotte Corday.

La série semble avoir Munch lui-même comme référence masculine, confortant ainsi l'idée que le peintre se sentait victime des femmes. D'un point de vue esthétique, l'œuvre se distingue par l'utilisation des lignes comme forme de coloration. C'est une sorte de rayonnisme qui rompt avec le style moderniste de la ligne courbe et avec l'utilisation de surfaces colorées denses.

16. Baigneurs hommes, 1907

Baigneurs hommes de Munch se distingue par son caractère vif et vibrant, qui s'oppose aux atmosphères ondulantes et sombres de nombre de ses toiles. La scène représente un groupe d'hommes sur une plage nudiste, où Munch passait une période de convalescence.

Munch montre son talent pour le dessin anatomique, ainsi que son talent pour la coloration. La technique mise en œuvre est nourrie de principes impressionnistes et rayonnistes et, par certains aspects, elle semble dialoguer avec le fauvisme.

17. Le soleil, 1909-1911

Le soleil est une fresque monumentale d'Edvard Munch trouvée à l'Université d'Oslo. En cela, Munch explore de nouveaux langages plastiques qui le rapprochent de l'avant-garde abstraite, notamment Kandinsky, représentant du groupe Der Blaue Reiter, et de l'abstraction lyrique.

Le symbolisme atteint ici son expression maximale. Le soleil devient une métaphore du divin, qui rayonne sa lumière sur le monde et efface les ombres de l'ignorance. Avec cette œuvre, Munch démontre une fois de plus sa liberté de création, ce qui explique pourquoi il ne peut pas être étiqueté dans un seul style ou mouvement. Munch se révèle comme un artiste unique en constante innovation.

Vous pouvez également être intéressé par: Expressionnisme: caractéristiques, œuvres et auteurs.

18. Cheval au galop, 1912

Dans le cadre Cheval au galop, on voit un cheval tirant un traîneau à neige avec un homme à bord. Le détail accrocheur se trouve sur le sentier, qui se révèle excessivement étroit pour l'exploit.

L'expression effrayée du cheval et la disposition des gens au bord de la route laissent entendre un danger imminent. Les enfants de droite tentent de s'éloigner, tandis que les adultes de gauche attendent impassible avant de bouger. C'est une nouvelle approche du sujet de la peur et de l'anxiété, si présent chez l'auteur.

19. Travailleurs dans la neige, 1913

Edvard Munch était également sensible à la réalité sociale qui l'entourait. La preuve en sont les différentes peintures qu'il a réalisées sur les ouvriers, comme cette toile intitulée Travailleurs dans la neige.

Au premier plan, Munch représente trois ouvriers debout devant le spectateur, avec leurs pelles comme point d'appui. On y sent la force, mais aussi la fatigue et le vieillissement.

Le poing levé de l'ouvrier disposé au centre, fait pressentir une réclamation ou une demande. Ces trois hommes semblent s'armer. Derrière ces trois personnages, les autres ouvriers poursuivent leur travail, inconscients du regard de l'artiste et de la société.

20. Autoportrait entre l'horloge et le lit, 1940-1943

Autoportrait entre l'horloge et le lit c'est une peinture de la dernière étape créative de Munch. Munch a profité de la toile pour symboliser la proximité de la mort, plaçant sa silhouette entre une horloge grand-père et le lit. L'horloge représente le passage imparable du temps, et le lit représente la mort comme le dernier lit, comme le repos éternel.

Un détail se démarque par contraste: tandis que l'horloge a un design antique, le couvre-lit a un design géométrique moderne. Avec cela, Munch exprime sa conscience du changement dramatique des temps qu'il a dû vivre.

Derrière Munch, on distingue une sorte de salle dans laquelle est impliquée la présence d'œuvres référentielles de sa vie artistique, auxquelles il a consacré tous ses efforts.

Voir également: Analyse de trame Le cri par Edvard Munch.

Biographie

Edvard Munch est un peintre et graveur norvégien né le 12 décembre 1863 et mort le 23 janvier 1944.

Dès son plus jeune âge, il a dû faire face à la maladie et à la mort. La tuberculose a coûté la vie à sa mère, Laura Cathrine Munch, alors que le garçon n'avait que 5 ans. Plus tard, il a causé la mort de sa sœur cadette, Sophie; celui de ses oncles et, des années plus tard, celui de son père, Christian Munch. Même Edvard Munch lui-même a souffert de la maladie à l'âge de 13 ans.

Ces événements ont conduit le peintre à développer une terrible terreur de la maladie et de la maladie. mort et, par conséquent, a souffert d'anxiété et de dépression toute sa vie, ce qui a déterminé ses enquêtes artistique.

Munch a commencé à étudier l'ingénierie en 1879, mais il a rapidement abandonné cette carrière pour se consacrer à la peinture. Il a été influencé par l'art français du XIXe siècle grâce à ses voyages à Paris. Vers 1890, il a commencé à peindre le projet La frise de la vie, une série de peintures illustrant différentes étapes de la vie humaine, basées sur ses propres expériences.

Bien que son œuvre ait d'abord fait scandale, elle a fini par gagner une place importante dans les musées de son pays et d'Europe. Cependant, après l'occupation nazie de la Norvège, vers 1940, les peintures de Munch ont été censurées par les envahisseurs et retirées des expositions.

Cependant, l'année 1942 marque sa consécration internationale définitive en faisant l'objet d'une exposition à New York en reconnaissance de son travail artistique fructueux. Deux ans plus tard, Munch est mort dans une solitude totale.