Frida Kahlo: 15 œuvres incontournables pour comprendre son importance

Frida Kahlo était une peintre mexicaine de la première moitié du XXe siècle, devenue un symbole culturel. En effet, Hilda Trujillo, dans une biographie de l'artiste, commente: « Sa personnalité a été adoptée comme l'un des drapeaux du féminisme, du handicap, de la liberté sexuelle et de la culture mexicaine".

Cataloguée comme surréaliste, Kahlo a préféré se considérer comme quelqu'un qui représentait sa réalité dernier, ce qui la faisait se sentir très éloignée des soucis de l'inconscient, typiques de la surréalisme.

Plusieurs éléments marqueront son travail: d'une part, l'investigation de l'art populaire et indigène mexicain; de l'autre, l'exploration de sa propre douleur, à la fois physique et émotionnelle, issue de ses graves problèmes de santé et de sa vie orageuse avec Diego Rivera, le muraliste mexicain. Pour mieux comprendre son regard, découvrons quelques-unes de ses œuvres les plus emblématiques.

Autoportrait, 1926

En 1926, Frida Kahlo peint son premier autoportrait. Elle aurait alors 19 ans et a subi les conséquences du grave accident qui l'a longtemps clouée au lit. Pendant ce temps, Frida ne pouvait voir que le plafond de sa chambre. Sa mère, émue, lui a conçu un chevalet spécial, qui lui permettrait de peindre allongée. D'un côté du chevalet, elle a levé un miroir pour que Frida puisse au moins se voir. C'est ainsi que Frida Kahlo a commencé à se présenter. Ce serait la table qui commencerait votre enquête personnelle.

Contrairement à une opinion mal informée, Frida ne s'est pas rendue hommage. Au contraire, elle était perçue comme laide et trop maigre, et cela n'embellissait aucun de ses traits, mais plutôt Il a souligné les éléments jugés « disgracieux », comme ses sourcils joints et arqués en coeur. Il n'a jamais réalisé que dans cette « sincérité » il trouverait son signe distinctif et susciterait l'intérêt de la communauté internationale.

Frida et Diego Rivera, 1931

Plus que de l'amour, Frida était une véritable dévote de son mari, Diego Rivera. Il a toujours perçu Diego comme un talent supérieur, tandis que son propre travail était perçu comme "absolument horrible".

Avec cet état d'esprit, elle n'a eu aucun problème à assumer le rôle de l'épouse qui soutient et sert son mari. Dites Servando Ortoll et Annette B. Ramírez de Arellano dans un essai intitulé Frida Kahlo Portrait de l'artiste en femme d'affaires, que cette femme a non seulement pris soin de son mari, mais a également pris en charge sa carrière internationale en tant que véritable entrepreneur d'art.

L'idolâtrie que Rivera réveille chez Frida s'exprime dans ce portrait de 1931 intitulé Frida et Diego Rivera. Diego porte dans sa main droite les attributs du peintre: la palette et ses pinceaux. Petite et à peine vêtue d'une robe traditionnelle mexicaine, Frida pose sa main sur celle de Diego, comme s'il la soutenait. Son visage se penche gracieusement vers son mari.

Au-dessus d'eux, un ruban avec une inscription ou un phylactère, est tenu par un oiseau. Le phylactère dit: « Ici, vous me voyez, Frida Kahlo, avec mon mari bien-aimé Diego Rivera, j'ai peint ces portraits en la belle ville de San Francisco, Californie, pour notre ami M. Albert Bender, et c'était au mois d'avril de l'année 1931”.

Frida et la césarienne, 1931

En 1930, un an après son mariage, Frida a dû faire face au premier de ses trois avortements. Celui de 1930 a nécessité une intervention chirurgicale, car le développement du bébé dans l'utérus était absolument impossible, en raison des complications de santé de la mère.

Profondément dans la douleur, puisque Frida voulait intensément être mère, l'année suivante elle peint cette tragédie dans le tableau intitulé Frida et la césarienne. Le sujet devait représenter une grande difficulté pour elle, puisque le tableau était inachevé.

Les deux Frida, 1931

Dans ce tableau, Frida semble avoir été inspirée par le souvenir d'une amie imaginaire qu'elle a eue à l'âge de 6 ans, une sorte de alter égo. Dans le tableau, il représente ses deux héritages culturels: à gauche, l'européen; à droite, la femme indigène.

Les deux sont reliés par le sang, par les artères du cœur exposé. Dans le portrait de gauche, le cœur apparaît ouvert comme dans une coupe transversale, tandis que dans l'autre, nous voyons la surface externe du cœur. D'un côté, une image du cœur du Christ, de l'autre, une mémoire des sacrifices religieux du passé précolombien.

Chacune des « Fridas » porte des attributs différents: la Frida européenne porte dans sa main droite un ciseau qui a coupé une artère dégoulinante sur ses genoux, vêtue d'un costume blanc. L'indigène Frida porte dans sa main gauche un petit portrait de son bien-aimé Diego Rivera, relié à l'une des artères du cœur.

Voir également Analyse du tableau Las dos Fridas, de Frida Kahlo.

Ma naissance, 1932

Encouragée par Diego Rivera à dépeindre les moments les plus singuliers de sa vie, Frida a voulu représenter sa naissance comme si elle s'était enfantée. Dans la scène, la mère apparaît avec son visage couvert par les draps, faisant allusion à sa mort.

Frida passe la tête entre les jambes de la mère et sous elle une mare de sang apparaît, rappelant également sa dernière fausse couche. Sur le lit, accroché au mur, un tableau à l'intérieur du tableau représente la Virgen de las Angustias qui observe la situation.

Au pied de l'œuvre, Frida a représenté un parchemin ouvert dans lequel devaient aller quelques mots, qu'elle n'a jamais écrits. Le tableau est donc une offrande votive restée inachevée. Une partie de son style était, en fait, une révision de l'art des offrandes votives populaires, qui étaient basées sur une offrande à Dieu qui raconte au moyen de l'image et d'un texte allusif, le miracle par lequel apprécié.

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Quelques piquets, 1935

Les infidélités de Diego Rivera avaient atteint leur paroxysme lorsqu'il a décidé de prendre la sœur de Frida pour amant. La nouvelle d'un fémicide à cette époque a choqué Frida: un homme avait poignardé sa femme à mort. Interpellé par les autorités, il déclare: « Je ne lui ai donné que quelques piquets.

Frida a représenté ce crime comme une allégorie de sa souffrance émotionnelle face à la double trahison, comme une mort spirituelle. Au-dessus des personnages, un phylactère immortalise la phrase du criminel. Une caractéristique importante de la peinture est que le sang quitte le contexte pictural et se disperse dans le cadre, comme s'il tentait d'atteindre la réalité dans laquelle se trouve le spectateur. Ainsi, Frida tente de briser la séparation entre fiction et réalité.

Autoportrait au collier d'épines, 1940

En 1939, Frida avait divorcé de Diego Rivera. C'est l'échec de son expérience amoureuse qu'il dépeint dans l'œuvre Autoportrait au collier d'épines. Il utilisera pour cela des symboles naturels et combinera les valeurs chrétiennes et indigènes.

Le collier d'épines, comme une couronne du Christ, représente l'étranglement et les blessures causées par la trahison de Rivera. De ces branches pend le cadavre d'un colibri, symbole de "chance en amour" selon la tradition mexicaine ou symbole de Huitzilopochtli, dieu de la guerre. Le colibri est traqué en même temps par un chat noir, de mauvais augure, qui se pose sur l'épaule gauche de Frida.

Sur l'épaule droite, le singe domestique que Diego Rivera lui aurait offert. Le singe, en jouant, tire sur le collier, faisant s'enfoncer les épines dans sa poitrine. Autour des personnages principaux, un univers de papillons et de libellules représente la résurrection.

Nature morte, 1942

Cette nature morte a été commandée par la première dame du Mexique à l'époque, Soledad Orozco, épouse du président Manuel Ávila Camacho. Le tableau est encadré par une circonférence qui fait référence à l'utérus maternel. À l'intérieur, des plantes et des fruits à connotation érotique sont inclus, c'est pourquoi la pièce a été rejetée.

Diego dans mes pensées, 1943

Aussi appelé Autoportrait en Tehuana, ce tableau de Frida Kahlo évoque à nouveau l'amour et l'adoration pour Diego Rivera. Consciente de la fascination que le peintre éprouvait pour les vêtements traditionnels mexicains, Frida s'habille du costume Tehuana, typique de la culture zapotèque. Sur son front, juste au-dessus de ses yeux, il imprime un portrait de Diego Rivera, donnant à l'image une certaine littéralité.

Voir également uvres fondamentales de Diego Rivera.

La colonne brisée, 1944

Dans ce tableau, Frida Kahlo représente la souffrance dérivée de son accident qui, malgré le passage des années, continue de se faire sentir. Avec un paysage désertique désolé en arrière-plan, image de sa solitude, Frida est représentée ouverte au niveau du torse, dévoilant une colonne ionique, associée au féminin, mais brisée. Un système de liens lui noue la colonne vertébrale, à la manière d'un martyr chrétien (Saint Sébastien), tandis qu'elle soutient la piqûre exercée sur elle par les clous qui attaquent tout son corps et son visage. Bien qu'elle pleure, son expression reste impassible.

Sans espoir, 1945

Pendant une période de sa vie, Frida Kahlo a souffert d'une perte d'appétit jusqu'à devenir extrêmement mince. Pour cette raison, ils ont dû la nourrir à travers un entonnoir. Sur un paysage stérile qui contient le soleil et la lune, le jour et la nuit comme un cycle éternel et indifférencié pour ceux qui souffrent, Frida représente cette période.

L'entonnoir gagne des dimensions fantastiques et au lieu de transporter des aliments transformés, il recueille toutes sortes de viandes rouges, volailles et poissons. Au-dessus d'eux, une tête de mort en sucre décorée des motifs du Jour des Morts. La mort paraît-elle douce face à cette torture alimentaire? Sur le crâne, son nom est écrit.

Derrière le tableau, Frida a écrit: « Il n'y a même pas le moindre espoir en moi... Tout bouge au rythme de ce que contient l'estomac ».

Le cerf blessé, 1946

Vers 1949, Frida Kahlo a effectué l'une de ses interventions chirurgicales pour améliorer son problème de colonne vertébrale. Rien n'a été réalisé. Déçue par les résultats, elle s'est présentée comme un cerf blessé à la chasse. Sa propre tête de cerf porte des bois. Le corps est transpercé de dattes blessantes. Le cerf, au milieu de la forêt aride, dans laquelle la lumière de l'horizon se distingue en arrière-plan, ne peut se sauver.

L'étreinte de l'amour de l'Univers, 1949

La Terre-Mère accueille Frida, qui à son tour berce Diego Rivera comme si elle était une enfant. Rivera atteint un troisième œil sur son front qui observe toute la scène. L'univers qui les entoure exprime la dualité du jour et de la nuit. Le ciel et la terre ont des visages, et le lait qu'il nourrit coule des seins de la terre mère.

Les racines se sont propagées à la recherche du sol. Des symboles mexicains participent à la scène, comme le costume traditionnel de Frida. Une végétation typique de ces paysages mexicains intenses fait son apparition: nopales, cactus et magueys. Au pied de cet univers amoureux et enveloppant, se trouve un chien de la race xoloitzcuintle, qui selon la mentalité mexicaine, est un symbole de la mort, dans ce cas, c'est la mort endormie.

Ma famille, 1949

Dans un effort pour construire son identité, Frida peint sa famille comme une sorte d'arbre généalogique. Celui de 1949 ne sera pas le seul, mais ce sera celui qui comprendra le plus de personnages de son groupe familial.

Au centre, son père et sa mère, Guillermo Kahlo et Matilde Calderón. Dans la bande supérieure, les grands-parents paternels, Jacob Heinrich Kahlo et Henriette Kaufmann Kahlo, et les grands-parents maternels, Antonio Calderón et Isabel González et González. Dans la bande inférieure, ses sœurs Matilde, Adriana, Frida elle-même, Cristina.

Certains enfants apparaissent également, bien qu'on ne sache pas exactement qui ils sont, car ils étaient incomplets. Certains pensent qu'il s'agit des enfants de Cristina; d'autres, que les enfants du précédent mariage de leur père et d'un frère décédé peu après la naissance. Au centre de cette bande, un bébé. C'est probablement une allusion aux enfants qu'elle a perdus dans ses avortements.

Vive la vie, 1954

Ce fut le dernier tableau que Frida a signé avant sa mort, bien qu'on ne sache pas avec certitude si c'était le dernier qu'elle a peint. puisque d'autres peintures de cette période, après l'amputation de sa jambe, semblent rugueuses et grossières par rapport à cette.

La peinture est une célébration de la vie. La pastèque, connue dans certains pays sous le nom de patilla, est un fruit associé aux squelettes des jours des morts. Ainsi, une fois de plus, la vie et la mort dansent dans un tableau de Frida Khalo. Le ton sera cependant optimiste, vibrant, malgré tous les chocs qu'il a subis dans la vie. Frida dit au revoir en disant "Longue vie à la vie".

À propos de Frida Kahlo

Son nom complet était Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón. Il est né le 6 juillet 1907 à Mexico dans la célèbre Maison Bleue de ses parents, qui a toujours été sa résidence, malgré le fait qu'à tout au long de sa vie, il a eu d'autres séjours alternatifs tels que le studio de Diego Rivera à San Ángel et d'autres endroits à l'intérieur et à l'extérieur du Pays. Frida était la fille de Wilhelm (Guillermo) kahlo, d'origine hongroise allemande, et de Matilde Calderón, originaire d'Oaxaca.

Tout au long de sa vie, Frida a connu divers problèmes de santé qui ont été déterminants dans le développement de sa carrière picturale. Le premier d'entre eux était la polio dont il a souffert à l'âge de 6 ans, et qui lui a fait avoir une jambe plus courte que l'autre.

En 1925, alors qu'elle avait 18 ans, un tramway heurta le bus dans lequel Frida voyageait, la faisant diverses fractures et blessures à la colonne vertébrale qui lui ont causé l'immobilité à différents moments au cours de sa durée de vie. C'est durant ces périodes que Frida commence à peindre.

Frida Kahlo a épousé le muraliste mexicain Diego Rivera en 1929 et allait bientôt tomber enceinte, mais a subi un avortement en 1930. À cette douleur se sont ajoutées les infidélités constantes de Rivera, qui l'ont amenée à divorcer en 1939, bien qu'un an plus tard ils se soient remariés.

L'attachement de Frida Kahlo au parti communiste est bien connu, c'est pourquoi elle a donné asile à Léon Trotsky et son épouse à la Maison Bleue, où le leader russe serait assassiné en 1940.

En raison de complications de santé, Frida a été admise à l'hôpital anglais de 1950 à 1951. En 1953, sa jambe droite est amputée.

Le 13 juillet 1954, Frida Kahlo meurt d'une embolie pulmonaire à la Maison Bleue, là même où elle est née.