Les 25 tableaux les plus représentatifs de la Renaissance pour comprendre leurs apports

La grande révolution picturale de la Renaissance a eu lieu concrètement au XVe siècle, connue sous le nom de Quattrocento. Dans un environnement de curiosité intellectuelle croissante, le perfectionnement et la diffusion de la peinture à l'huile ont permis l'utilisation de la toile comme support, pour que le tableau puisse s'affranchir des murs, et cela favorisait la collecte particulier.

Ainsi, de nouveaux genres tels que le portrait ont été créés et l'intérêt pour le paysage et la nature morte est né, mais pas encore en tant que genres indépendants. Les nus et les thèmes mythologiques, historiques et allégoriques non chrétiens sont également apparus. Les thèmes religieux sont restés à l'ordre du jour, mais à partir d'une approche anthropocentrique.

Ensuite, nous ferons un tour chronologique des peintures les plus célèbres de la Renaissance, afin de saisir les contributions et les innovations de chaque artiste et l'évolution du style au fil du temps.

1. Sainte Trinité avec la Vierge, Saint Jean et les donateurs, par Masaccio (1425-1427)

Frais Sainte Trinité, avec la Vierge, Saint Jean et les donateurs Elle représente le point de départ de la Renaissance, puisque les grands changements plastiques et culturels de l'époque se conjuguent. La perspective linéaire, le clair-obscur et la technique du trompe l'œil se démarquent. La voûte en berceau, d'inspiration romane, anticipe les mutations de l'architecture Renaissance. Aux côtés des personnages sacrés, les donateurs sont représentés, ce qui donne au thème religieux un aspect anthropocentrique. Cela révèle l'estime que la génération avait d'elle-même.

2. L'Annonciation, par Fra Angelico (1425-1426)

Au L'AnnonciationFra Angélico hérite du Moyen Âge le goût du détail de la végétation, mais apporte des ressources de la Renaissance. Il a utilisé la sobre architecture gréco-latine et a profité de ses lignes pour accentuer la perspective. Pour atteindre une plus grande profondeur spatiale, il a ouvert différentes ouvertures qui créent des plans superposés: une porte mène à une pièce et, celle-ci, laisse apparaître une discrète fenêtre au fond. Le jardin de gauche fait référence à l'expulsion du paradis d'Adam et Eve. En bas, on voit une rangée de scènes de la vie de Marie. Ce type de lignes avec des séquences de scènes à la base des cadres sont appelés pré-fichiers.

3. Le mariage Arnolfini, par Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck était un peintre flamand qui a perfectionné la peinture à l'huile et contribué à sa diffusion. Cette œuvre particulière est l'un des premiers portraits picturaux de l'histoire. Chargé de symboles, il traduit l'importance et la dignité des personnages, qui occupent une bonne position sociale. Cependant, le génie de Van Eyck n'est pas là.

Le peintre introduit un miroir en arrière-plan qui joue avec les plans de représentation. Il y montre le reflet de deux personnages qui ne sont pas visibles dans la scène principale, créant l'illusion qu'ils occupent les positions du spectateur. Cette ressource a probablement inspiré le Ménines par Velázquez, plus de deux cents ans plus tard.

4. La Vierge du chanoine Van der Paelepar Jan van Eyck (1434-1436)

La Vierge du chanoine Van der Paele correspond à un genre largement utilisé à la Renaissance, appelé Conversation sacrée (conversation sacrée), dans laquelle la Vierge s'entretient avec les saints dans un cadre intime. Dans ce cas, le donateur est inclus, le chanoine Van der Paele, présenté par Saint George. Il marche sur la chasuble du chanoine, se souvenant qu'il est subordonné au pouvoir spirituel. Cependant, sa présence sur la scène justifie son rôle social dans le pouvoir temporel.

La toile met en valeur le traitement des vêtements et la profusion des détails. Le scintillement de l'armure de St George fournit une excuse à Jan van Eyck pour utiliser des reflets. Vous pouvez voir le reflet de l'artiste et de la Vierge, conçu comme un miroir immaculé de la grâce divine.

5. La bataille de San Romano, par Paolo Uccello (v. 1438)

La bataille de San Romano de Paolo Ucello est un triptyque avec des scènes de la bataille au cours de laquelle Florence a vaincu Sienne pendant les guerres de Lombardie. Commandé à l'origine par la famille Bartolini, il est rapidement passé dans la collection Médicis. Des éléments médiévaux sont toujours présents, comme la profusion de détails qui accentuent le descriptif. Cependant, il est considéré comme un chef-d'œuvre en raison de l'utilisation de la perspective et du raccourci.

Le raccourci consiste en la représentation d'un objet à un angle perpendiculaire au spectateur. Nous pouvons les voir en détail dans le panneau Le désarmement de Bernardino della Ciarda, à la fois dans les chevaux tombés, comme dans le cheval fougueux et le cheval blanc sur la droite.

6. Le couronnement de la Vierge, par Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Le couronnement de la Vierge C'est un retable que Fillipo Lippi a commandé par Francesco Moringhi pour l'église de San Ambrosio. Au lieu d'un espace céleste, tout semble se dérouler dans un espace théâtral, évoquant une salle royale, à laquelle les saints, le donateur et Lippi lui-même ont été invités. On le voit, la Renaissance italienne a insisté sur une vision anthropocentrique du ciel.

7. La descente de croix, par Rogier van der Weyden (c. 1443)

Rogier van der Weyden était un peintre flamand. Son œuvre la plus connue est La descente de croix, peint à l'origine pour la chapelle Notre-Dame-hors-les-murs de Louvain. L'anatomie n'est pas excata, car elle a été volontairement corrigée pour favoriser l'élégance formelle.

Les proportions sont aussi volontairement modifiées pour répartir les corps dans toute la composition. La Vierge Marie et Jésus semblent être le reflet l'un de l'autre: comme la mère, le fils; comme le fils, la mère. La peinture gagne dans le traitement de l'expression, du vêtement et des textures.

8. La flagellation du Christ, par Piero della Francesca (1455-1460)

Au La flagellation du Christ, Piero della Francesca réserve la scène religieuse en arrière-plan, et se caractérise par sa froideur. Il n'y a aucune émotion dans les personnages. Le thème semble presque une excuse pour le développement du programme plastique Renaissance, basé sur en perspective linéaire, la géométrisation compositionnelle et l'exaltation de l'architecture classiciste. Elle se confirme dans la conversation de trois personnages contemporains, dont l'identité n'est pas encore déterminée.

9. Diptyque Melun, par Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet était un peintre français qui a renouvelé le langage artistique de la France à travers l'influence de la peinture flamande et italienne. L'œuvre en question a été conçue comme un diptyque pour la tombe de l'épouse d'Étienne Chevalier, son principal. Les deux tableaux contrastent l'un avec l'autre.

Dans le panneau de gauche, le peintre a représenté Etienne Chevalier et Saint Etienne, son mécène, situés dans un espace architectural classique. A droite, la Vierge à l'Enfant et aux anges. La poitrine nue de Maria la désigne comme la nourrice de l'humanité. On croit que le visage de la Vierge était celui de l'amante du principal, Agnès Sorel. Bien que le sujet soit sacré en apparence, il a un fort caractère profane.

10. Voyage des mages, par Benozzo Gozzoli (1459)

Dans le Palais Médicis Riccardi, à Florence, il y a une salle appelée la Chapelle des Mages, en allusion aux trois fresques de Gozzoli qui relatent les cavalcades des Mages. En plus d'être un chef-d'œuvre en raison de sa complexité compositionnelle, l'œuvre est en fait un exaltation du pouvoir exercé par la famille Médicis, dont les visages se retrouvent dans les personnages représentée.

Cela peut vous intéresser :

• Renaissance
• Caractéristiques de la Renaissance

11. La maison des époux, par Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna se distingue dans cette fresque par l'utilisation de techniques de la Renaissance telles que le trompe-l'œil, dans un effort clair pour brouiller les frontières entre la peinture et la réalité. L'image que nous voyons correspond à un seul des murs de La chambre des maris. Comme les autres, il célèbre les gloires de la famille Gonzague, grands mécènes de leur temps.

12. Lamentation sur le Christ mort, par Andrea Mantegna (1475-1478)

Si à un moment Andrea Mantegna se surpasse, c'est dans le Lamentation sur le Christ mort. La pièce se distingue par son utilisation magistrale de la technique du raccourci. Avec cette ressource, Mantegna intègre le spectateur dans la scène et remet en question le modèle de composition traditionnel. La représentation des factions des personnages ressort également. Maria n'est pas une jeune fille, mais un visage vieilli par la douleur. L'austérité de la scène souligne le caractère terrible de la mort et de la désolation pour les personnes en deuil.

Voir également: La passion du Christ dans l'art

13. Polyptyque de San Vicente, par Nuno Gonçalves (1470-1480)

Le polyptyque de San Vicente C'est l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance portugaise. Attribuée à Nuno Gonçalves, elle représente cinquante-huit personnages avec Saint Vincent, qui apparaît en double dans les panneaux centraux, comme s'il s'agissait d'un reflet.

Il se distingue par la représentation des différentes couches de la société portugaise, dans les attitudes et les gestes selon leur condition. De gauche à droite, nous avons le panneau des frères; le panel de pêcheurs; le panneau de l'Infant Don Enrique (Enrique le Navigateur); le panneau de l'archevêque; le panneau des chevaliers et le panneau des reliques.

14. L'Adoration des Mages, par Sandro Botticelli (1475)

L'Adoration des Mages de Botticelli constitue une référence fondamentale du Quatrocento italien. Jusqu'à Botticelli, la Sainte Famille se tenait d'un côté de la scène, accueillant les fidèles de l'autre. Botticelli l'a placé au centre de la composition et au sommet d'une pyramide, et a disposé les fidèles d'un côté à l'autre et même l'un d'eux devant.

Le peintre a également représenté les Mages avec les visages de la famille Médicis: Cosimo et ses fils, Piero il Gottoso et Giovanni. D'autres membres de la famille et leurs alliés sont représentés, et Botticelli lui-même est inclus dans le personnage qui regarde le spectateur.

15. Remise des clefs du ciel à Saint Pierre, du Pérugin (1482)

Cette œuvre du Pérugin a été commandée par le pape Sixte IV, constructeur de la chapelle Sixtine. La fresque correspond à l'idée de la transmission de l'autorité de Dieu à l'Église, représentée par saint Pierre. L'œuvre est une expression maîtresse du travail de perspective aérienne et de profondeur du peintre. Au premier plan, on voit les personnages principaux: Jésus, les apôtres et diverses figures de la Renaissance. Au dernier, le bâtiment central octogonal des plantes, symbole de l'universalité de la papauté.

16. La naissance de Vénus, par Sandro Botticelli (1482-1485)

La naissance de Vénus, de Sandro Botticelli, faisait à l'origine partie d'un meuble, et c'est probablement pourquoi on ne voit pas un développement aussi exhaustif du paysage. L'attention qu'il reçoit est en partie liée au traitement du sujet, qui n'est plus un sujet sacré. On assiste au mythe de l'origine de Vénus ou Aphrodite, déesse de la fertilité et de l'érotisme.

Avec cette œuvre, Botticelli a légitimé la représentation du nu féminin de tout le corps dans l'art sur des sujets profanes. Mais Vénus n'est pas ici un personnage pleinement exhibé, mais une Vénus modeste, qui de ses cheveux couvre sa "honte". Ainsi, ce nu se justifiait comme une représentation de la Vertu dans le contexte de la pensée philosophique de l'époque.

Voir également La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli

17. Vierge aux rochers, par Léonard de Vinci (1483-1486)

Cette pièce de Léonard a été commandée par les moines de San Donato, ce qui explique la centralité du thème religieux. Léonard a modifié un élément de la tradition de la Renaissance: au lieu d'un paysage architectural, il a encadré la scène dans un paysage naturel rocheux. Les figures forment une pyramide, et se dessinent délicatement grâce à l'un des pari les plus reconnus du peintre: la technique de sfumato.

Cela peut vous intéresser: uvres fondamentales de Léonard de Vinci

18. Portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, par Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Cette œuvre de Ghirlandaio est une expression exemplaire du genre du portrait à la Renaissance. Fidèle aux valeurs revivifiées de l'Antiquité classique, il affiche des proportions et des traits idéalisés, ainsi qu'une expressivité retenue ou absente. Afin de montrer vos traits de caractère, certains objets personnels sont inclus: des bijoux donnent compte de sa vie publique, tandis que le livre de prières et le chapelet rendent compte de sa vie spirituel.

19. Le dernier repas, par Léonard de Vinci (1498)

Le dernier repas C'est l'une des œuvres les plus connues de Léonard. Il se distingue par les références intellectuelles et philosophiques incorporées à la scène, mais aussi par son drame. Sans renoncer à l'équilibre de la Renaissance, l'œuvre est chargée de tension émotionnelle et psychologique dans ses personnages, défiant l'apparente froideur de nombreuses compositions antérieures. Son mauvais état de conservation est en partie le résultat de la tentative de Léonard de mélanger la détrempe et l'huile afin d'apporter des corrections sur le plâtre.

Voir également:

• La Cène de Léonard de Vinci
• La Joconde ou La Joconde de Léonard de Vinci
• L'Homme de Vitruve de Léonard de Vinci

20. Saint Domingue et les Albigeois ou alors L'épreuve du feu, par Pedro Berruguete (1493-1499)

L'espagnol Pedro Berruguete représente un passage selon lequel Santo Domingo de Guzmán aurait proposé faire un feu de joie pour tester les livres des groupes hérétiques de la ville d'Albi, France. Le feu consume les livres hérétiques, tandis que le livre canonique flotte dans l'air.

L'œuvre exprime la mentalité politique de l'époque des Rois Catholiques, qui recherchaient l'unité du royaume en combattant l'hérésie. Formellement, il met en évidence la préciosité des détails, clairement d'inspiration flamenca, ainsi que le goût pour l'or, dérivé du gothique, et très apprécié au début de la Renaissance.

21. Autoportrait, par Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer était un grand maître de la Renaissance allemande. Ce célèbre autoportrait, qui à première vue pour une icône de Jésus-Christ, montre deux inscriptions clés: à droite on lit "Je me peins avec des couleurs indélébiles". A gauche, la date qui indique son âge, 28 ans.

La frontalité de son portrait est assez audacieuse. Défiant la tradition, qui réservait cette pose aux icônes de Jésus - et aussi le geste de la main, légèrement altéré-, Dürer joue le renversement identitaire avec le référent religieux et confond délibérément le spectateur.

22. Le Doge Leonardo Loredan, par Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, peintre au service de la République de Venise, livre ce magnifique portrait du Doge Leonardo Loredan. Dans cette œuvre brillante, il parvient à surmonter le sentiment d'hiératisme grâce à la richesse expressive du visage et au traitement fin des textures et des vêtements. Concernant ces derniers, il est surprenant de voir comment Bellini parvient à représenter l'éclat des tissus orientaux.

23. Mona Lisa, par Léonard de Vinci (1503-1506)

La Mona Lisa C'est sans doute l'œuvre la plus célèbre de Léonard de Vinci. Elle est l'expression de la maturité du style Léonardesque en termes de clair-obscur et de techniques de clair-obscur. Esfumato, qui consiste à brouiller les contours des figures pour que l'intégration dans le espace. De même, il met en valeur la technique du paysage de fond, qui ouvre l'espace pour donner plus de profondeur. Cependant, cette œuvre, ainsi que toute l'œuvre de Léonard, n'appartient pas au Quattrocento, mais à la Haute Renaissance, parfois aussi appelée la Seconde Renaissance.

Voir également: La Joconde ou Mona Lisa de La Joconde de Léonard de Vinci

24. L'école d'Athènes, par Rafael Sanzio (1510-1511)

Si quelque chose représente l'esprit culturel de la Renaissance, c'est bien la fresque L'école d'Athènes, de Rafael Sanzio, une des scènes des "Chambres du Vatican" ou "Chambres de Raphaël". On voit une maîtrise magistrale de la perspective linéaire, et une profondeur soulignée par les ouvertures des voûtes en berceau qui s'ouvrent sur l'espace ouvert.

Dans un environnement architectural de nette inspiration classique, une multitude de références philosophiques et scientifiques rappellent la valeur de la raison et du savoir. Platon et Aristote en sont les protagonistes. On y voit aussi Ptolémée, Héraclite, Hypatie, Homère et, comme d'habitude, quelques visages contemporains. Rafael lui-même, représenté comme Apelle, ne pouvait être absent.

Cela peut vous intéresser :

• L'école d'Athènes de Raphaël Sanzio
• Vie et oeuvre de Rafael Sanzio

25. Fresques au plafond de la chapelle Sixtine, par Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Parler de Michelangelo Buonarroti, ainsi que des peintres du Cinquecento italien, c'est entrer dans la Haute Renaissance. Par conséquent, nous approchons du maniérisme, dont Buonarroti sera l'un de ses représentants. Les fresques de la chapelle Sixtine sont son œuvre picturale la plus célèbre.

Il y a neuf scènes qui racontent des passages de la Genèse, et toutes mènent au Jugement dernier, un mur peint environ deux décennies après le plafond. Sur ce mur, Saint-Barthélemy, martyr écorché, pend son ancienne peau. Mais on y voit le visage de Michel-Ange. Comme on peut le voir, l'artiste est également dépeint, mais pas comme les artistes du Quattrocento qui ont célébré leurs gloires terrestres, mais en reconnaissance de leur indignité.

Voir également:

• Fresques de la chapelle Sixtine
• Analyse de la fresque La création d'Adam de Michel-Ange
• uvres de génie de Michel-Ange