La Joconde ou La Joconde: sens et analyse du tableau
La La Joconde, aussi connu sous le nom La Joconde, est une œuvre de la Renaissance peinte par l'artiste aux multiples facettes Léonard de Vinci. Le tableau a été peint entre 1503 et 1506 et, aujourd'hui, c'est l'un des symboles les plus importants de la culture occidentale. Il est actuellement au Musée du Louvre à Paris, France.
La La Joconde Il est considéré comme le tableau le plus célèbre au monde. Peu d'œuvres ont subi autant d'examens et d'études. Certaines des raisons qui le rendent si célèbre sont :
- l'extrême réalisme de Léonard de Vinci dans l'utilisation de méthodes mathématiques pour mesurer les proportions humaines,
- La technique unique de sfumato ce qui traduit aussi un réalisme très poussé pour l'époque,
- La révolution qu'elle a engendrée dans les dimensions et dans les manières de représenter, considérée comme la base de tous les portraits occidentaux,
- La somme des mystères de la peinture; de l'identité du modèle à la raison pour laquelle Léonard de Vinci n'a jamais livré la commande.
Analyse de la La Joconde
La La Joconde C'est une œuvre qui appartient au genre du portrait pictural. Ce genre a été promu à la Renaissance et peut être considéré comme une véritable révolution, puisqu'il exprime ouvertement l'intérêt anthropocentrique de cette période. Maintenant, quelles sont les caractéristiques de composition du célèbre tableau ?
Descriptif et caractéristiques
Du point de vue de la composition, le La Joconde Il s'agit d'un portrait en demi-longueur ou en trois quarts d'un paysage divisé en deux ambiances, une plus froide (la supérieure) et une plus chaude aux couleurs terreuses (celle du bas).
La posture de la femme dérive de la « pyramide » utilisée pour représenter les femmes. madones assis, c'est-à-dire qu'il s'agit d'une géométrisation triangulaire.
Leurs mains croisées forment la base de la forme pyramidale. La lumière appliquée sur la poitrine et le cou est la même appliquée aux mains.
Le centre du carré est la poitrine de la femme et est aligné avec l'œil gauche et les doigts de la main droite. Cela accentue la présence du personnage dans la composition.
Son bras gauche est confortablement appuyé sur l'accoudoir de la chaise et est croisé par le bras droit. La position des bras ainsi que celle de la chaise transmettent une distance entre elle et le spectateur.
La tête est recouverte d'un voile symbolisant la chasteté, fréquente dans les portraits d'épouse. L'utilisation de ce type de voile est également attribuée aux femmes enceintes ou en post-partum. Il ne présente pas de bijoux ou de signes particuliers d'ostentation ou de puissance économique.
La posture du La Joconde Il indique la sérénité et, avec le regard oblique, mais dirigé vers le spectateur, montre la maîtrise des sentiments, quelque chose qui n'était normalement pas attribué à une femme à cette époque.
Le visage n'a pas de sourcils. L'expression de la femme dans le tableau est énigmatique ou ambiguë. En effet, le regard, le corps et les mains sont dirigés sous des angles subtilement différents, ajouté à l'illusion que la technique du sfumato.
Sur le bord gauche du tableau, vous pouvez voir la base d'une colonne, laissant entendre que la femme est assise dans une galerie.
Le paysage en arrière-plan est peint avec une perspective aérienne. Le bleu fumé et la perspective floue et floue donnent à la composition une plus grande profondeur.
Le paysage de fond montre un certain déséquilibre, puisqu'il crée l'illusion d'un paysage divisé en deux. Cependant, il n'y a pas de continuité entre les deux. Il semble qu'il n'y ait pas de correspondance en termes de hauteurs et de lignes.
Technique
Le tableau La Joconde Il est réalisé à la peinture à l'huile sur bois. Léonard de Vinci a appliqué la technique de sfumato. Cela consiste à superposer plusieurs couches de peinture délicate pour adoucir ou diluer les contours de la silhouette et atteindre la sensation de naturel et de volume, ce qui permet de percevoir que les figures sont intégrées dans le reste de la composition.
Grâce à sfumato, Leonardo a réussi à perfectionner la perception de la tridimensionnalité. Léonard utilise la technique de sfumato pour montrer comment la lumière rebondit sur les surfaces courbes, en particulier la peau, la laissant lisse, douce et naturelle.
L'explication sur le mystère du sourire et le regard du singe Lisa dérive précisément de la technique de sfumato et la nature de la vision humaine.
En effet, la vision directe de l'être humain se concentre sur les détails mais pas sur les ombres, par contre, la vision périphérique distingue plus les ombres que les détails. En regardant le La Joconde sous différents angles, les couches minces et floues de la technique de sfumato faire apparaître un sourire presque inaperçu de face par rapport au sourire mystérieux qui apparaît vu de côté. Cela se produit parce que plus de volume est projeté sur le côté en raison des ombres créées par les couches minces.
Signification du La Joconde
L'expression "singe Lisa "signifie 'Mme Lisa'. singe est un diminutif d'italien Madone, et Lisa serait le nom du modèle identifié par Giorgio Vasari, peintre, architecte et écrivain de la Renaissance qui a publié le livre Vie des meilleurs architectes, peintres et sculpteurs italiens, où il a témoigné de la peinture.
L'identité du modèle
Il y a plusieurs discussions sur l'identité du modèle. En effet, la théorie la plus acceptée est celle de l'historien du XVIe siècle Vasari, qui dit que la femme représentée serait Lisa Gherardini. Et qui était Lisa Gherardini? Elle était l'épouse d'un marchand de soie nommé Francesco del Giocondo. En fait, le nom alternatif La Joconde, qui signifie "heureuse" en espagnol, fait référence à son célèbre sourire et au prénom de son mari.
Une autre thèse suggère que la femme représentée serait une « certaine dame florentine », selon les mots de Léonard, et que la pièce aurait été commandée par Juliano de Medicis. Dans ce cas, il pourrait s'agir d'une dame de renommée sociale. Cependant, si c'était le cas, le doute sur son identité ne serait pas compris, puisqu'elle serait pleinement identifiée.
Les choses se compliquent si l'on tient compte du fait que les documents contemporains qui décrivent le tableau pourraient faire référence à différentes versions de La Joconde. L'existence de telles versions est précisément l'un des facteurs qui donne à la pièce un contexte mystérieux.
Versions de La Joconde
La théorie la plus acceptée, puisqu'elle est recueillie dans l'œuvre de Vasari, fait référence à la peinture de La Joconde il aurait été commandé par le marchand Francesco del Giocondo. Léonard aurait commencé à le peindre vers 1503. Cependant, lorsque Vasari décrit l'œuvre, il signale deux données très importantes: il fait référence à l'existence de sourcils et indique que le tableau était inachevé.
Depuis l'époque de Léonard, il existe deux autres versions du tableau, appelées Mona Lisa d'Ilseworth Oui La Joconde du musée du Prado. De ce dernier, on sait qu'il s'agit d'une copie réalisée dans l'atelier de Léonard par l'un de ses disciples, probablement Andrea Salai. Elle a été réalisée entre 1503 et 1519 en appliquant la même technique et les mêmes conditions matérielles: huile sur planche de bois (noyer), mesurant 76,3 x 57 cm. Certaines différences de qualité sont visibles, comme la difficulté de la sfumato.
Se référant à Mona Lisa d'IlseworthOn a longtemps cru qu'il s'agissait d'un faux, entre autres parce qu'il est réalisé sur toile, contrairement à celui du Louvre et du Prado. Cependant, des études scientifiques récentes révèlent que les pigments et les matériaux sont de la même époque. Est-ce une version de Léonard lui-même? En fait, s'agira-t-il de la première version du tableau ?
Les différences les plus évidentes avec le classique Gioconda ils sont trois :
- la femme, dont le visage a des sourcils plus définis, paraît plus jeune ;
- Il est clairement encadré entre deux colonnes et
- le paysage de fond est inachevé.
Dans le cas où il a été fait par Leonardo, il pourrait être logique que ce soit une première version, si l'on considère la jeunesse du modèle par rapport à la Joconde du Louvre et par rapport aux années qu'il a fallu à Léonard pour développer le tableau. Le modèle semble être le même.
Face à cette dernière information, la question se pose: est-il possible que ce tableau soit une première version du portrait? Leonardo aurait-il pu faire les deux portraits en même temps? Puisque Vasari parle d'une Joconde inachevée avec des sourcils, aurait-il pu faire référence à celle-ci ou à celle qui garde le Louvre? Si Vasari faisait référence à celui du Louvre, se pourrait-il que les sourcils du Gioconda original ont été accidentellement effacés lors d'un processus de maintenance ou de restauration ?
Ces questions encore sans réponse satisfaisante font partie des mystères entourant les travaux qui ont attiré l'attention du monde, mais... Sont-ils suffisants pour expliquer l'extraordinaire phénomène de diffusion de la peinture ?
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Histoire de la boite La Joconde
La Joconde Il a été réalisé par Léonard entre 1503 et 1519. La thèse la plus largement acceptée suggère qu'il s'agit d'une commande du marchand de drap Francesco del Giocondo. Comme il était courant chez le peintre de la Renaissance, Léonard n'a jamais terminé le tableau, il a donc refusé de le remettre et il est resté en sa possession jusqu'à la fin de ses jours.
Ce n'est qu'après sa mort, ou peut-être peu avant sa mort, que le tableau a été acquis par le roi François Ier de France au XVIe siècle, qui l'a même payé douze mille francs. Après la mort de François Ier, l'œuvre est destinée à Fontainebleau, puis à Paris et, enfin, à Versailles. Après la Révolution française, alors qu'il était considéré comme faisant partie du trésor de l'État français, il a été remis à la garde du musée du Louvre en 1797.
Il est resté au musée du Louvre jusqu'à aujourd'hui, à l'exception de trois interruptions. La première, lorsque Napoléon l'emmène dans sa chambre (de 1800 à 1804). La seconde, lorsqu'elle fut volée au musée par Vicenzo Peruggia (de 1911 jusqu'à son retour en 1914). Et la troisième, lorsqu'il se réfugia au château d'Amboise pendant la Seconde Guerre mondiale et, plus tard, à l'abbaye de Loc-Dieu.
L'importance de Gioconda et son influence sur l'art
Le genre du portrait pictural de personnalités, tel que nous le connaissons, a eu lieu au début de la Renaissance, vers le XIVe siècle. Cela signifie qu'au moment où Léonard a peint La Joconde il existait déjà une tradition du portrait plus ou moins consolidée, adaptée à certaines conventions. Le modèle le plus courant avant La Joconde il concentre son attention sur la représentation du personnage jusqu'au milieu du torse, de sorte que le visage, la tête et les épaules recouvrent toute la composition.
L'image du La Joconde Il appartient au genre du portrait de la Renaissance, mais la façon dont Léonard de Vinci l'a peint diffère à certains égards de la tradition dans laquelle les portraits de femmes étaient peints à cette époque. La femme regarde directement le spectateur et sourit avec assurance, deux attitudes attribuées aux hommes aristocratiques plutôt qu'aux femmes.
Dans le portrait La Joconde Non seulement le visage, la tête et les épaules sont montrés, mais aussi le torse sous la taille, exposant les bras et les mains et ainsi de plus grandes possibilités d'expression. De cette façon, Leonardo révèle beaucoup de choses sur le personnage, quelque chose qu'il n'aurait pas réussi à suivre le modèle précédent.
Cependant, ce n'était pas le seul portrait réalisé par Léonard et, de plus, si l'on prend en compte le fait que Léonard préservé jusqu'à la fin de ses jours, son influence à cette époque n'était limitée qu'au petit cercle de personnes qui ont atteint le voir. En tout cas, on ne peut nier que l'impact sur ce cercle a été important, au point qu'ils ont laissé des témoignages écrits. Pour cette raison, le peintre Rafael l'a étudié et l'a pris comme référence pour élaborer le portrait de Maddalena Doni.
Dans le portrait original du La Joconde nous pouvons voir les signes de perfection que Léonard a atteint dans le développement de la technique de sfumato, et en fait, on pense que, à la fin, ce tableau a été travaillé par Léonard alors qu'il peignait le célèbre tableau de Jean le Baptiste, où il se révèle un véritable maître du clair-obscur. Cela signifie que la technique de Léonard aurait atteint sa perfection dans ces deux œuvres. Mais son importance actuelle tient-elle uniquement à son excellence technique ?
Impact du vol de La Joconde
Il semble que la popularité du La Joconde Il est d'attribution relativement récente, et a été catapulté par le braquage commis par l'Italien Vincenzo Peruggia, ancien employé du musée du Louvre, le 21 août 1911. En fait, le vol n'a été constaté que 24 heures plus tard, ce qui signifie que la pièce n'a pas fait l'objet d'une attention particulière en matière de sécurité à ce moment-là.
Le vol du La Joconde C'était vraiment scandaleux, tant pour la surprise du vol que pour le traitement de l'enquête, qui mettait en cause deux grandes figures publiques du moment: les jeunes Guillaume Apollinaire et Pablo Picasso. Apollinaire, en effet, a été détenu pendant une semaine pour enquête. Après deux ans d'enquête, les autorités ont retrouvé où se trouvait Peruggia, qui avait tenté de le vendre à Alfredo Geri, alors directeur de la Galerie des Offices à Florence.
Le vol du La Joconde non seulement mettre la pièce dans le collimateur du monde. Elle a également influencé l'appréciation des autres versions du portrait, réalisées par Léonard ou dans l'atelier de Léonard.
Nous nous référons spécifiquement à ce qui précède Mona Lisa d'Ilseworth, dont l'existence n'a été découverte qu'après le vol. L'apparition tardive de cette pièce sur toile a semé les soupçons sur sa provenance, car beaucoup pensaient que aurait pu être un faux fabriqué à l'époque où le Louvre était aux mains de Pérouse.
Quelques années après le retour de la pièce, désormais considérée par le grand public comme un trésor, le dadaïste Marcel Duchamp et le surréaliste Salvador Dalí donnerait le coup de grâce pour consacrer leur renommée en faisant de chacun d'eux une version irrévérencieux.
En résumé, toutes ces questions s'inscrivent dans le contexte qui a influencé l'extraordinaire diffusion de l'œuvre dans le monde :
- l'existence de plusieurs versions d'un même motif ;
- la réticence de Léonard à livrer l'œuvre ;
- l'investissement économique important du roi François Ier de France pour l'acquérir ;
- le désir de Napoléon de la voir dans ses appartements ;
- le vol perpétré par Peruggia et ...
- les parodies irrévérencieuses de Duchamp et Dalí.
Tout cela ne fait que confirmer sa validité en tant que véritable symbole de la culture occidentale.
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