La passion du Christ dans l'art sacré: symboles d'une foi partagée

Dans l'histoire de l'art occidental, la passion du Christ est l'un des thèmes les plus développés, son iconographie nous est donc familière. Cependant, manque-t-on quelques sens cachés de la passion du Christ dans l'art ?

Passion est un mot qui vient du latin passion, dérivé à son tour de pati, qui signifie « souffrir », « souffrir », « tolérer ». Pour cette raison, les dernières heures de l'agonie de Jésus de Nazareth sont connues comme « la passion du Christ ».

La Passion du Christ englobe plusieurs épisodes des évangiles, tous chargés d'un riche symbolisme. Il condense, d'une part, l'accomplissement des prophéties de l'Ancien Testament, selon lesquelles l'envoyé de Dieu serait rejeté et tué. D'autre part, la cohérence de Jésus, qui à l'heure la plus sombre a vécu comme il l'avait prêché.

Faisons connaissance avec quelques œuvres qui couvrent la passion du Christ dans l'histoire de l'art sacré.

Prière au jardin des oliviers

Après avoir célébré la Pâque avec les apôtres et conscient que Judas le trahirait, Jésus se retira pour prier dans le soi-disant jardin des oliviers. Sans échappatoire, il se prépare spirituellement à affronter l'heure sombre. Pedro, Santiago et Juan l'accompagnent, mais ils s'endorment. Suant le sang de l'angoisse, il supplie Dieu de le libérer du martyre: « Père, si tu veux, enlève-moi ce calice, mais pas ma volonté mais la tienne.

Le calice avec le vin est le symbole du sang à verser. Comme le vin, il sera cause de vie et de bienfait. La représentation de la scène comprend généralement l'ange qui, selon l'évangile de saint Luc, est apparu devant Jésus pour le fortifier.

Dans le travail Prière dans le jardin de Olives A partir de 1607, El Greco recueille les éléments essentiels du passage d'une esthétique maniériste. La moitié inférieure du tableau représente les apôtres Pierre, Jacques et Jean en raccourci et à une distance plus proche du spectateur. Dans la moitié supérieure, Jésus prie devant l'ange qui lui présente le calice.

Suivant le modèle byzantin, Jésus porte une robe violette, symbole de sa condition divine, et un manteau bleu, symbole de son incarnation humaine. Au fond à droite, on peut voir le cortège qui vient l'arrêter. Comme c'est typique d'El Greco, les figures sont plus stylisées à l'extrémité supérieure, pour accentuer leur hauteur.

Avec plus de deux siècles de différence, Francisco de Goya mise sur une représentation de Prière au jardin des oliviers cela révèle beaucoup plus l'angoisse de Jésus. Contrairement à El Greco, Goya colore les vêtements en blanc en allusion à la pureté de son âme. Le geste de ses mains ouvertes et son regard révèlent l'inquiétude sur le sort qui les attend. Le Jésus de Goya est un Jésus angoissé, et la technique de Goya anticipe le pathétique de l'expressionnisme. Le trait utilisé par le peintre révèle que son style était proche de l'époque des appels Peintures Noires.

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L'arrestation de Jésus

L'arrestation de Jésus a eu lieu à l'heure la plus sombre de cette nuit à Gethsémani lorsque, connaissant l'illégalité de son action, les autorités ont voulu prendre Jésus par surprise. Le baiser traître de Judas était nécessaire pour qu'ils puissent identifier le Maître, puisque selon des sources apocryphes, Jésus et Jacques se ressemblaient beaucoup et, contrairement aux pharisiens, les autorités de Jérusalem en savaient peu ou peu sur lui. rien.

Pierre, convaincu que la restauration d'Israël est arrivée, tire son épée et coupe l'oreille de Malchus, le serviteur d'un grand prêtre. Jésus le réprimande, guérit Malco et se livre aux autorités pour que personne ne meure à cause de lui: « C'est moi qu'ils recherchent », dit-il.

D'un point de vue iconographique, il y aura des peintres qui ne s'arrêteront qu'à un de ces moments. D'autres, en revanche, choisiront de représenter les deux moments simultanément.

Duccio di Buoninsegna, peintre de l'École de Sienne dans le contexte du gothique international, représente chacun des éléments de la scène dans sa version de La prise du Christ. Sur la gauche, on peut voir Pedro couper l'oreille de Malco. Au centre, Jésus reçoit le baiser traître de Judas, tandis que le cortège démesuré l'entoure comme s'il était un dangereux criminel. A droite, les apôtres s'enfuient et le quittent.

Dans sa version, le Caravage baroque attire l'attention sur le baiser de Judas. Jésus garde ses mains jointes dans une attitude de prière et de paix, tandis que les soldats le survolent. L'usage disproportionné de la force est mis en évidence, d'un garde qui non seulement est plus nombreux que la victime, mais porte également une armure inutile. Derrière Jésus, l'un des apôtres crie et tente de s'enfuir tandis que son manteau tombe, comme le racontent les écritures. Certains exégètes soutiennent qu'il s'agit de John.

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Le procès

Jésus comparut d'abord devant les grands prêtres qui, n'ayant aucune autorité pour le tuer, le conduisirent devant le procureur romain Ponce Pilate. Bien qu'il n'ait trouvé aucune faute en lui, conformément à la tradition de libérer un prisonnier pour Pâques, il a fait choisir aux personnes présentes entre Jésus et le coquin Barabbas. C'est ainsi qu'il s'est "lavé les mains" de toute responsabilité.

La représentation de ce moment n'est pas si fréquente dans l'art occidental. Au lieu de cela, les scènes parallèles au procès sont plus fréquentes, telles que le déni et le repentir de Pierre. Pourtant, certains artistes ont représenté ce thème à des moments différents.

Dans le travail maniériste Jésus-Christ devant Pilate, Le Tintoret représente le moment où Jésus revient de la maison d'Hérode Antipas, qui l'a vêtu de blanc par dérision. Selon les sources, Tintoret se serait basé sur une estampe de Dürer.

Flagellation

Pilate a donné l'ordre de flageller Jésus, bien qu'il ne soit pas clair si l'ordre est venu avant ou après la condamnation à mort. Selon l'Évangile de Jean, la punition de la flagellation aurait été une tentative de Pilate de dissuader le Sanhédrin de tuer Jésus. D'autres évangélistes soutiennent que l'ordre de la flagellation était le début du martyre de Jésus qui avait déjà été décidé.

En tout cas, dans la représentation artistique de cette scène, les artistes se concentrent généralement sur la laideur des soldats, qui apprécient la violence qu'ils infligent aux innocents. La scène est donc la représentation de la beauté comme image du bien, comparée à la laideur comme image du mal.

Ecce homo et le couronnement d'épines

Selon l'évangile de Jean, Jésus a reçu la couronne d'épines et la robe de pourpre au moment de la flagellation, après quoi Pilate décide de l'exposer à la foule avec les mots: " Ecce homo ", ce qui signifie " Ici vous avez le homme'. Selon Matthieu et Marc, c'est après l'exposition et la condamnation de Jésus que les soldats l'ont couronné, l'ont vêtu de pourpre et ont poussé les jurons.

En tout cas, les attributs de Jésus dans les peintures du type Ecce homo Oui Le couronnement d'épines (couronne d'épines et manteau pourpre) sont généralement les mêmes, selon l'intention de l'artiste ou l'histoire évangélique sur laquelle elle est basée (par exemple, dans le Ecce homo la couleur pourpre de la robe peut varier par le blanc). Cependant, au Couronnement d'épines, Jésus apparaît seul avec les soldats, tandis qu'au Ecce homo, apparaît généralement avec Pilate seul ou avec d'autres personnages supplémentaires, y compris la foule.

Dans le couronnement d'épines ou alors Les jurons de Bosco, comprend non seulement les soldats, mais aussi les autorités juives, représentées par un homme à gauche du tableau. Cet homme porte une canne avec une boule de cristal dans laquelle on peut voir le visage de Moïse.

Le Titien de la Renaissance, de son côté, nous offre cette version du Ecce homo en grand format, où la tension de la scène et la violence infligée à la personne de Jésus sont évidentes.

Au fil du temps, la représentation de la scène complète de la Ecce homo était à l'origine de la représentation unique de Jésus sur fond neutre, qui sollicite la piété intemporelle du spectateur. Ainsi, certains artistes donneront la scène de Ecce homo un personnage narratif, tandis que d'autres chercheront à développer avec lui un sens piétiste. Ce sera le cas de Ecce homo de Murillo de 1660, situé au milieu de la période baroque.

Le chemin du Calvaire ou Chemin de croix

La route du Calvaire, également connue sous le nom de Chemin de croix, est une séquence de 14 scènes qui résume l'itinéraire de Jésus depuis la sortie du prétoire jusqu'à l'enterrement. Cet itinéraire se nourrit de sources évangéliques et apocryphes. Lorsqu'elle ne fonctionne pas en série, la représentation plastique du "Camino de Calvario" va généralement à des scènes telles que l'imposition de la croix, le passage de Simon de Cyrène, le passage de Véronique, le passage des filles de Jérusalem et le pillage.

La paternité de l'ouvrage Christ portant la croix Ce n'est pas tout à fait clair, car El Bosco n'a généralement pas signé ses œuvres ni les dater. Cela aurait pu être fait par lui ou par un imitateur, car il semble qu'il soit assez tard.

Dans ce tableau, l'humanité de Jésus contraste avec le caractère animal et monstrueux de ses bourreaux, des hommes qui se sont laissé avilir par le mal. Vers le coin inférieur gauche, vous pouvez voir Veronica portant le voile où le visage de Jésus a été marqué. Elle est aussi une image du don de l'humanité.

La crucifixion

La crucifixion est le point culminant de la passion du Christ. Là, le symbolisme traverse chaque élément, et chaque détail génère une variation interprétative dans l'art. Jésus est généralement représenté sur la croix accompagné de Marie, sa mère, Marie de Magdala et Jean. Cependant, nous trouverons aussi des représentations de Jésus crucifié dans une solitude absolue.

Le signe qui nous dit si Jésus est déjà mort sur la croix est la blessure à son côté. En l'absence de cette blessure dans la représentation, l'œuvre ferait référence aux dernières heures d'agonie au cours desquelles Jésus prononça les soi-disant « sept paroles ».

Au La crucifixion par El Greco, on peut voir Jésus accompagné de la Vierge Marie, Marie de Magdala et Jean l'Evangéliste. A côté de la croix, trois anges sont chargés de recueillir le sang qui coule de ses blessures. Dans la scène, le contexte disparaît et la croix s'élève au-dessus de la morosité de l'atmosphère, symbole de l'heure la plus sombre, l'heure finale de la mort de Jésus.

Diego Velázquez, pour sa part, offre l'une des images les plus marquantes de la crucifixion. Il y supprime les éléments du pathétique typique de la scène, pour privilégier la représentation de Jésus comme le plus bel homme parmi les hommes, à la suite du Psaume 44 (45). C'est, sans aucun doute, un modèle apollinien qui contraste avec les recherches de la période baroque à laquelle il appartient.

Velázquez préfère que le Christ, que nous savons mort de la blessure à son côté, semble être dans un profond sommeil. Contrairement à d'autres représentations, la Christ crucifié de Velázquez est soutenu par quatre clous à la suggestion de Francisco Pacheco, peintre et écrivain qui a défendu l'historicité de ce modèle iconographique.

La descente de croix

Jésus a été crucifié un vendredi. Comme les Juifs ne pouvaient rien faire le jour du sabbat, ils ont demandé aux Romains d'abaisser le corps de Jésus avant la tombée du jour. La même chose devait être faite avec les deux criminels crucifiés de chaque côté. Pour hâter la mort des malfaiteurs, ils se brisèrent les os, mais comme Jésus était déjà mort, un soldat nommé Longinus, perça le côté de Jésus avec une lance, et de la blessure vint du sang et L'eau.

Rogier van der Weyden, représentant de la Renaissance flamande, regroupe deux épisodes en une même scène: le descente de croix et le spasme de la Vierge Marie qui, selon le texte apocryphe dit Actes de Pilate, se serait produit lorsque Marie a reconnu Jésus dans la caravane des Chemin de croix et pas correctement avant la croix.

Au fil du temps, on a préféré représenter la Mère debout à côté de la croix (Stabat Mater), dans l'attention à l'Évangile de Jean. Cette attitude était considérée comme plus conforme à l'image de Marie en tant que femme de foi.

Ainsi, on voit dans le Descente de croix par Rubens, une Marie touchée mais droite, qui participe de manière résolue au processus d'abaissement du corps de Jésus. La mère contraste avec Marie-Madeleine et Marie de Cléopas qui se lamentent au pied de la croix.

La piété Oui Lamentation sur le Christ mort

La descente de croix est généralement liée à d'autres passages: la piété et la lamentation sur le Christ mort, qui précèdent le Saint Enterrement dans cet ordre. Aucun de ces passages n'est enregistré dans les évangiles.

Selon Juan Carmona Muela, l'iconographie de la piété, c'est-à-dire de la Vierge Marie tenant et contemplant le corps de son fils mort, est devenu fréquent dans la dévotion populaire à la fin de la fin du Moyen Âge. L'iconographie de la lamentation a également émergé, où Jésus est couché à l'horizontale tandis que toutes ses personnes en deuil le crient.

La Piedad, en particulier, s'inscrit dans une spiritualité ouverte à l'humanisation des contenus religieux, où l'idée de la Vierge Marie comme trône où le Christ établit sa puissance, cède la place à la mère qui partage la souffrance avec l'humanité. Il était naturel d'imaginer une Vierge Marie attristée par cet épisode tragique, non seulement à cause du tragique résultat, mais surtout à cause du mal révélé.

La chose la plus difficile à résoudre dans l'iconographie de la Pietà, selon Carmona Muela, était d'adapter la figure d'un Christ adulte sur les genoux de la mère. Au début, certains artistes faisaient accompagner la scène de plusieurs personnages, parmi lesquels Jésus était soutenu. D'autres ont choisi de déformer les proportions et de rendre Marie plus grande que Jésus, ce que Michel-Ange lui-même fait dans son célèbre piété sculptural. Ce dernier recours conduit à la représentation pyramidale classique qui permet d'équilibrer les proportions.

Voir aussi la signification du Sculpture La piété par Michel-Ange.

La tombe ou le Saint Enterrement

Comme le décrivent les évangiles, Jésus était vêtu et parfumé conformément à la tradition. Les sources bibliques, cependant, ne s'accordent pas sur les personnages qui étaient présents. À partir de Actes de Pilate, une iconographie a été définie qui comprend :

• la Vierge Marie, mère de Jésus ;
• Marie-Madeleine, la femme que Jésus avait digne ;
• Joseph d'Arimathie, qui était membre du Sanhédrin et suivait secrètement Jésus ;
• Nicodème, pharisien et magistrat ;
• María Salomé, mère de Santiago el Mayor et Juan ;
• Jean l'évangéliste, qui témoigne de sa présence sur les lieux.

Ils mettent en évidence la présence de Joseph d'Arimathie et de Nicodème, qui jusqu'alors avaient caché la suite du Christ par peur des autorités. La réaction des uns et des autres est donc excessive: si d'un côté Joseph d'Arimathie ose demander la permission de Pilate Pour enterrer le cadavre, Nicodème déborde en prenant trente livres de myrrhe parfumée au aloès.

Derniers mots

Ces gestes débordants de Nicodème et de Joseph d'Arimathie, à notre avis, mettent en évidence la fonction du symbolisme du pain et du vin comme corps et sang de Jésus dans la séquence narrative des évangiles, au moins jusqu'à un certain point.

Si dans la vie Jésus était un « pain » qui nourrissait l'inquiétude spirituelle des croyants, cela n'est pas encore compris ce que Jésus enseignait, son sang versé fut l'occasion d'éveiller la conscience et De valeur. L'expérience les a encouragés à « correspondre ».

Du point de vue des récits évangéliques, face à la force du mal qui semble tout dominer, le bien triomphe, devient courageux et construit la communauté. Ceux qui marchaient seuls se sont retrouvés à table, partageant le pain et le vin jusqu'au moment de la résurrection.