Claude Monet: œuvres, analyses et significations

Claude Monet (1840-1926) était un peintre français représentatif de l'impressionnisme, reconnu à la fois pour son trouvailles picturales dans le traitement de la lumière, comme pour avoir réalisé la peinture qui allait donner le nom à la mouvement.

Avec d'autres artistes, Monet est responsable d'avoir ouvert la porte à l'originalité du langage plastique à travers le traitement de la lumière et l'étude de la perception de la couleur. Faisons connaissance avec certaines de ses œuvres les plus importantes dans cet article.

1. Déjeuner sur l'herbe, 1865-1866

En 1863, les critiques détruisent Edouard Manet au Salon Officiel de Paris à cause de son travail Petit déjeuner sur l'herbe. Cependant, Claude Monet avait été fasciné par la pièce et a décidé d'en faire sa propre version en hommage au peintre controversé. Celui de Monet aurait les dimensions ambitieuses de quatre mètres de haut sur vingt mètres de long. C'était en même temps un défi.

Il a commencé à peindre le Déjeuner sur l'herbe en 1865, guettant pour participer au salon de 1866. Son économie précaire lui fait abandonner le projet et doit l'offrir en garantie du paiement du loyer. La toile a été enroulée et stockée par son propriétaire temporaire jusqu'à ce que Monet la récupère en 1884. Compte tenu de la détérioration notable, il a dû être réduit. Il ne reste que deux fragments de l'œuvre: le central et le côté gauche.

Dans la scène, le peintre représente un pique-nique dans un air informel et quotidien. Prenant ses distances avec Edouard Manet, il enlève le nu et habille tous les personnages, dont les costumes révèlent leur mode de vie. Les personnages sont certainement des bourgeois qui célèbrent la fête du vivre, sans scandale, sans signification. Monet ne s'intéresse pas plus à la controverse thématique qu'au langage plastique.

Bien que la pièce originale n'ait pas réussi à être complètement conservée, une Étudier pour déjeuner sur l'herbe. La différence la plus évidente est dans le jeune homme sans barbe qui apparaît assis sur la nappe. Ce personnage est remplacé par un homme barbu qui ressemble à une référence à Gustave Coubert, un peintre réaliste très admiré de Monet qui aurait daigné lui rendre visite dans son atelier à l'époque où Monet travaillait à la projet.

2. Camille en robe verte, 1866

Le tableau Camille en robe verte de Claude Monet a été exposé au Salon officiel de 1866 et a été largement accepté, ce qui n'était pas du goût d'Edourad Manet qui, confondu avec Monet, a reçu des félicitations par erreur. De plus, Manet avait fait l'objet de critiques en 1863 et le Salon Officiel l'avait rejeté en 1865 à cause de sa peinture Olympie.

Dans son livre Impressionnisme, Paul Smith compare l'image Camille en robe verte avec le travail La dame au gant par Carolus-Duran, disciple du peintre David et habitué des cercles royalistes à Paris. Bien que la pièce de Carolus-Duran soit postérieure à celle de Monet, la comparaison permet à Smith de conclure que Monet avait pris une part importante du langage pictural réaliste, largement apprécié dans la grande salle Officiel. C'est pourquoi il a été admis.

Dans son analyse, Smith distingue que Monet a fait porter la robe, en utilisant une pose artificielle typique des illustrations de mode. En même temps, il a fourni à la scène une lumière artificielle pour accentuer le caractère. Monet révèle des éléments qui rappellent l'éclairage et la chaleur de Coubert et la ligne de Manet, qui ont exercé une grande influence sur lui.

3. Les femmes au jardin, 1867

Paul Smith compare la toile Les femmes au jardin par Monet avec Minerve et merci par Charles Greyre, dans l'atelier duquel Monet a travaillé quelque temps. Avec cela, Smith met en évidence la véritable révolution de la génération impressionniste.

Comme il était de coutume dans l'art, Greyre représente un épisode de nature littéraire-narrative, essayant d'éterniser les idéaux platoniciens de beauté et de bonté à travers la représentation du mythe de Minerve, déesse de la sagesse, et des trois Grâces, symbole de la beauté. Déversée dans le fond, la technique du peintre devient invisible pour que le sujet brille, sans laisser de trace de son trait.

Un an plus tard, Monet réalise une toile qui représente également quatre femmes dans un environnement végétal, mais ce seront des femmes ordinaires. Le peintre ne représentait pas une valeur éternelle, mais un instant fugace et fugace, une drôle de rencontre entre amis qui célèbrent la vie bourgeoise. Ils sont le symbole de la nouvelle classe moyenne qui cherche à construire sa propre valeur.

Monet ne cache pas la technique sur toile. Au contraire, il l'exhibe, montre le trait, guide l'attention du spectateur vers le langage plastique que Greyre et tous les peintres traditionnels ont volontairement occulté.

Comme il était typique du style germinatif, Monet profite des couleurs bleu et vert pour nuancer et modifier la peau des personnages. Avant de dépeindre l'intense lumière estivale qui envahit la scène. Ce qui est transcendant, alors, ce sera le langage pictural.

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4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Il s'agit d'une série de diverses peintures de type marin sous différents angles et moments. Dans cette toile, Monet est largement impliqué dans le traitement de la lumière et ses effets sur les objets. Il est livré, rapidement, à la pleine forme de l'impressionnisme.

Du travail à air libreChose possible à cette époque seulement grâce à l'invention des tubes à huile, Monet profita d'un trait hâtif pour donner vie aux impressions lumineuses et à l'éphémère du moment. Le spectateur assiste à la scène comme un de plus. Il n'y a pas de jugement moral, il n'y a pas de signification thématique. L'intérêt s'est tourné vers le langage plastique.

Renoir a fait une version de cette même scène avec Monet.

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5. Champ de coquelicots, 1873

En 1871, Monet s'installe temporairement à Argenteuil, où il développe solidement le style qu'il découvre, grâce aussi aux paysages que cette ville lui offre. A partir de cette étape est le travail Champ de coquelicots, exposé dans la salle des Rejetés en 1874 avec 8 autres pièces.

Deux sections séparées par des lignes obliques sont distinguées dans le tableau. A gauche, dans le champ de coquelicots, le rouge prédomine, tandis qu'à droite, le vert bleuté prédomine. Dans la scène, le champ de coquelicots est traversé par deux couples de femme et d'enfant. Celui qui ressort au premier plan est la femme de Monet, Camille, et leur fils Jean, qui furent fréquemment des modèles pour ses tableaux.

6. Impression du soleil levant, 1872

Parmi les tableaux que Monet présenta dans la salle des Rejetés, l'un fit un véritable scandale: Impression du soleil levant. Influencé par le travail du peintre romantique anglais William Turner, Monet a appliqué des coups de pinceau épais, presque des taches qui laissent à peine penser à la figuration. Le principe de complémentarité des couleurs rend son entrée ouverte. Les couleurs, placées côte à côte, créent la perception de teintes complètes.

L'atmosphère semble trouble et les eaux semblent bouger avec le passage des petits bateaux. Loin d'un paysage bucolique, Monet représente un port industrialisé en arrière-plan, où les machines à vapeur et autres structures interviennent dans la brume céleste. Il n'a rien caché. La vie est là pour que le peintre la représente. Le soleil, qui résiste à toucher ces structures, laisse sa traînée orange sur les vagues de la mer.

Après l'exposition de 1874, le critique d'art Louis Leroy, partant du nom du liezo provocateur, accuse Monet de se limiter à un simple « impressionnisme ». Avec la plus grande dignité, Monet et sa génération assumèrent cette disqualification comme nom du mouvement.

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7. Série Gare Saint-Lazare, 1877

Vers 1877, Monet revint à Paris et, répondant à son désir d'être un peintre de son temps, au lieu de laisser de côté le monde quotidien de la ville industrielle, il l'intègre dans son toiles. Ce sera la gare Saint-Lazare qui permettra à Monet de continuer à explorer la luminosité et les textures de la vapeur. Le peintre consacrera sept toiles à la gare Saint-Lazare.

Contrairement à d'autres séries où Monet dépeint le même paysage sous différentes variables atmosphériques, telles que Cathédrale de Rouen, au Gare Saint Lazare Monet présentera non seulement des atmosphères différentes, mais également des objectifs, des cadres et des perspectives de vie différents à la gare.

8. Série Meules de foin, 1890-1891

Vers 1883, Monet s'installe à Giverny avec sa nouvelle compagne, Alice Hoschedé, après le décès de Camille en 1879. Là, il se consacre à explorer les nouvelles possibilités que le paysage local lui offre. Sans le planifier comme ça, il a fini par développer l'une de ses séries les plus connues, Meules de foin, couvrant un total de 25 toiles. Monet parvient à capter la diversité lumineuse qui distingue chaque période de l'année, sur les tas de blé.

Les ambitions esthétiques de Monet grandissent au fil du temps. Certaines de ces images ont ensuite été retouchées en studio, pour atteindre un niveau de perfection supérieur. En réalité, il avait besoin, dit Paul Smith, non seulement de représenter un effet de lumière, mais de faire une composition harmonieuse et une série esthétiquement unifiée.

9. Série Cathédrale de Rouen, 1890-1894

A l'heure où la France connaît un regain d'intérêt pour la catholicité, Monet consacre développer cette série inspirée de la cathédrale de Rouen, située dans la région française de La Normandie.

C'était la vue depuis la fenêtre d'un studio qu'il avait loué de l'autre côté de la rue. La série compte plus de trente pièces et huit d'entre elles ont été vendues avant d'être exposées.

En plus de capter la luminosité, élément caractéristique de son œuvre, Monet parvient magistralement à capter la porosité et la texture de la façade de pierre de l'édifice religieux.

10. Série Parlement Londres, 1900 à 1904

Au cours d'un séjour à Londres avec son épouse Alice, Monet se consacre à la représentation de la vue depuis l'hôpital St. Thomas, ce qui lui permet de capturer la Tamise et le paysage environnant. La série des Parlement de Londres ainsi que le pont de Charing Cross et le pont de Waterloo.

Dans la série sur lui Parlement de Londres, Monet parvient à représenter le bâtiment entremêlé avec le brouillard caractéristique de la ville. Mais cette fois le parlement sera presque une fantasmagorie, une silhouette qui s'ouvre sur un fond chargé et nuageux, devenu ombre. Cela nous rappelle les œuvres de William Turner.

Des années plus tard, il ferait de même dans le Série Venise, qu'il visitera avec sa femme entre les mains d'un groupe d'amateurs d'art, et dans laquelle il captera diverses scènes de la ville emblématique.

11. Série nénuphars, 1883-1924.

Lors de son séjour à Giverny, Monet cultiva un beau jardin avec un pont japonais. Ce jardin de Giverny n'était pas seulement le passe-temps de Monet. C'était aussi sa source d'inspiration, surtout dans les dernières années de sa vie.

Au fil des années, le peintre a développé une véritable passion pour représenter les merveilles de son jardin sur ses toiles: les nénuphars. La série atteindra un total de 250 toiles, aujourd'hui réparties dans de nombreuses salles et galeries à travers le monde.

Partie de nénuphars Les Monet ont été peints à l'époque de la Première Guerre mondiale. Bien que Monet était dans un monde privé et calme, Paul Smith dit que depuis sa maison, vous pouviez entendre le passage des trains avec les munitions. Selon le chercheur, il est possible d'interpréter cette série comme un effort du peintre pour préserver le monde que la guerre menaçait de détruire.

En effet, Monet finira par faire don d'une partie de la série à l'État français comme symbole de paix, juste après la signature de l'armistice de Compiègne, signé le 11 novembre 1918. Cet échantillon, aujourd'hui conservé au Musée de l'Orangerie, est considéré comme le "Chapelle Sixtine de l'impressionnisme".

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