Michel-Ange: 9 ouvrages pour connaître le génie de la Renaissance

Michel-Ange était l'un des plus grands génies de la Renaissance italienne et son nom est synonyme de l'un des artistes les plus grands et les plus importants de tous les temps. Nous vous présenterons ici les 9 œuvres les plus emblématiques de l'artiste que tout le monde devrait connaître :

1. Madone de l'échelle

La Madone ou alors Vierge à l'échelle Il s'agit d'un bas-relief en marbre sculpté entre 1490 et 1492. Le travail a été achevé avant que Michel-Ange ait 17 ans, alors qu'il étudiait encore dans les jardins des Médicis à Florence avec Bertolo di Giovanni.

Ce bas-relief représente la Vierge assise sur un escalier, tenant et couvrant son fils, qui dort, d'un manteau.

Des escaliers complètent le reste de l'arrière-plan et, à l'arrière-plan, on peut voir deux enfants jouer, tandis qu'un troisième enfant s'allonge sur la rampe.

Un quatrième enfant se tient derrière la Vierge et semble aider l'enfant allongé à tendre un mouchoir (allusion claire au linceul du Christ) qu'ils tiennent tous les deux.

Dans cette œuvre se détache l'héritage de l'antiquité classique. Pour cette raison, le concept d'ataraxie, typique de la philosophie épicurienne, est bien connu, qui consiste en l'absence d'agitation de l'esprit.

La différence entre ce concept et l'apathie est que dans l'ataraxie, il n'y a pas de déni ou d'élimination de la sentiment, mais favorise le bonheur en essayant de trouver la force de surmonter la douleur et des difficultés.

Ainsi, la Vierge est impassible dans la contemplation du futur sacrifice de son fils, non parce que cela ne la fait pas souffrir, mais parce qu'elle trouve stoïquement le moyen de surmonter cette douleur.

Pour la réalisation de ce bas-relief, Michel-Ange a utilisé la technique de Donatello (sculpteur italien de la Renaissance, 1386-1466), appelée sticatto (aplati).

2. Centauromachie

Fait après le Madone de l'échelle, Centauromachie (Bataille des Centaures) est un relief en marbre exécuté vers 1492, lorsque Michel-Ange hantait encore les jardins des Médicis.

Il représente l'épisode entre les centaures et les pierres tombales, quand, au milieu du mariage de la princesse Hipodamia et Pirítou, roi des pierres tombales, l'un des centaures a tenté de kidnapper la princesse, ce qui a entraîné une bataille.

Les corps sont tordus et emmêlés, ce qui rend difficile de dire qui est qui. Liés les uns aux autres, certains vaincus au sol, tous véhiculent le désespoir en pleine bataille.

Avec cette œuvre, le jeune Michel-Ange assume déjà son obsession du nu, car pour lui la beauté humaine était une expression du divin. Ainsi, contempler une œuvre qui représente cette beauté à travers la nudité, c'est contempler la grandeur de Dieu.

Ce relief est volontairement inachevé, caractéristique de l'œuvre de Michel-Ange, qui a très tôt assumé le concept de l'incomplet comme catégorie esthétique, le non fini.

Seules certaines parties du corps (principalement les troncs des personnages) sont travaillées et polies, tandis que les têtes et les pieds sont incomplets.

3. La piété

En raison de l'impact de la mort de Laurent de Médicis en 1492, Michel-Ange quitta Florence, se dirigea vers Venise et plus tard vers Bologne. Il revint à Florence en 1495 mais partit aussitôt pour Rome.

C'est à Rome que le cardinal français Jean Bilhères de Lagraulas confia à l'artiste une Pietà en marbre pour la basilique Saint-Pierre du Vatican en 1497.

La Piété de Michel-Ange est une sculpture en marbre exécutée entre les années 1498 et 1499, et est l'une des plus grandes approximations pour compléter la perfection dans le domaine de l'art.

Dans cette œuvre, Miguel Ángel rompt avec les conventions et décide de représenter la Vierge plus jeune que son fils. Incroyablement belle, elle tient le Christ mort sur ses genoux.

Les deux personnages véhiculent la sérénité, et la Vierge, résignée, contemple le corps sans vie de son fils. Le corps du Christ est anatomiquement parfait et les détails sont travaillés à la perfection.

En opposition à la notion de non fini, cette sculpture est ce fini par excellence. L'ensemble de l'œuvre est exceptionnellement poli et fini, et avec lui, Michel-Ange a peut-être atteint la vraie perfection.

L'artiste était si fier de cette sculpture qu'il a gravé sa signature sur le ruban qui divise la poitrine de la Vierge avec les mots « Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat », qui signifie « Michelangelo Buonarroti, le Florentin, quoi fait".

4. David

En 1501 Michel-Ange retourne à Florence et commence la David, une sculpture en marbre de plus de quatre mètres réalisée entre 1502 et 1504.

Le moment de la scène choisi par Michel-Ange se situe juste avant l'affrontement entre David et Goliath. De cette façon, Michel-Ange ne représente pas un David victorieux, mais un jeune homme plein de colère et de volonté d'affronter son oppresseur.

le David C'est un exemple fascinant de la force qui anime le travail de cet artiste, que ce soit dans le choix du nu total, ou dans la confusion intérieure que la figure transmet.

Voir aussi plus sur :

• David sculpture de Michel-Ange.
• 15 caractéristiques de la Renaissance.

5. Tondo doni

Michel-Ange et Léonard de Vinci étaient les deux noms les plus grands et les plus représentatifs de la Renaissance italienne. Jusqu'à aujourd'hui, leurs œuvres inspirent et suscitent l'admiration, mais ces artistes, qui étaient des contemporains, ne se sont jamais entendus dans la vie et se sont affrontés plus d'une fois.

L'une des principales raisons de leurs désaccords était le dédain avoué de Michel-Ange pour la peinture, en particulier la peinture à l'huile, un art qu'il considérait comme le propre des femmes.

Pour cet artiste, le véritable art était la sculpture, car seule la force physique pouvait atteindre l'excellence.

La sculpture, pour Michel-Ange, était masculine, elle ne permettait pas d'erreurs ou de révisions. Ainsi, il s'oppose à la peinture à l'huile, technique préférée de Léonard, qui permet de faire le travail en couches, permettant des corrections constantes.

Pour Michel-Ange, la technique de peinture qui pourrait se rapprocher le plus de la supériorité de la sculpture serait la fresque qui, en raison de ses caractéristiques, nécessite rapidité et précision et ne permet pas d'erreurs ou de corrections, ni ne peut être repeint.

Ainsi, il n'est pas surprenant que dans l'une des rares œuvres picturales mobiles attribuées à l'artiste, le Tondo Doni, Michel-Ange a utilisé un mélange de détrempe et d'huile sur bois en tondo (en cercle).

Ces travaux ont été réalisés entre 1503 et 1504. La Sagrada Familia y est représentée de manière très peu conventionnelle.

D'une part, la main gauche de la Vierge semble être dirigée vers le sexe de son fils. De l'autre, autour de la famille au premier plan, apparaissent plusieurs figures nues.

Ces chiffres, le ignudi, qui sont ici des adolescents, seront à nouveau représentés avec un aspect plus adulte dans une autre œuvre de Michel-Ange: le La chapelle sixtine.

6. Fresques de la Chapelle Sixtine

En 1508, Michel-Ange a commencé l'un des travaux les plus importants à la demande du pape Jules II, qui l'avait appelé à Rome quelques années plus tôt pour projeter son tumulus.

Connu pour son mépris pour la peinture, Miguel Ángel a accepté l'œuvre sous protestation, c'est pourquoi au cours du processus, il a écrit plusieurs lettres dans lesquelles il exprimait son mécontentement.

Par conséquent, les fresques de la chapelle Sixtine sont un exploit impressionnant qui éblouit encore le monde aujourd'hui.

Le toit

De 1508 à 1512, Michel-Ange peint le plafond de la chapelle. Ce fut un travail intensif dans lequel une maîtrise totale de la technique de la fresque et du dessin est démontrée.

La technique de la fresque est appliquée sur une base humide, ce qui signifie que le processus doit être rapide et sans corrections.

Ainsi, il est impressionnant d'imaginer que pendant quatre ans l'artiste a peint des figures colossales et colorées couchées, dans un espace de 40 x 14 mètres, en s'appuyant à peine sur ses dessins.

Les coulures de peinture ont affecté sa vision, et il a également subi les conséquences de l'isolement et de l'inconfort de la position dans laquelle il travaillait. Mais ces sacrifices ont abouti à l'une des plus grandes œuvres de peinture.

Le plafond est divisé en neuf panneaux qui résument le livre de la Genèse, tout en évoquant les prophètes de l'Ancien Testament et les Sibylles de l'Antiquité gréco-romaine.

Le jugement dernier

Tout vise à montrer un lien entre la soi-disant "Histoire de la Création" et "l'Histoire de la Salut », représenté par le Christ, qui n'apparaît pas au plafond mais apparaît sur l'autel, dans la célèbre scène connu comme le Jugement, peint 20 ans après le plafond (1535-1541).

Il s'agit d'une composition picturale avec plus de 400 corps peints à l'origine nus, dont la Vierge et Jésus-Christ, mais qui ont ensuite dû être recouverts.

Voir également analyse des fresques de la chapelle Sixtine.

7. Tombeau du pape Jules II

En 1505, le pape Jules II convoqua Michel-Ange et lui confia son tombeau à Rome. Au début, il voulait construire un grand mausolée, ce qui plaisait à l'artiste.

Mais au-delà de la grandeur de l'œuvre, le pape, à la personnalité inconstante, a décidé qu'il voulait être enterré dans la chapelle Sixtine.

Pour cela, la Chapelle a eu besoin de plusieurs transformations. Par conséquent, Michel-Ange devait d'abord peindre les fresques du plafond et de l'autel.

Le projet subirait d'autres modifications et concessions. Premièrement, après la mort du pape en 1513, le projet a réduit ses dimensions et, deuxièmement, la vision de Michel-Ange viendrait se heurter aux attentes des héritiers du pape.

En 1516, un troisième contrat est rédigé et le projet connaîtra deux autres modifications en 1526 et 1532. La résolution finale a déterminé que le tombeau ne consisterait qu'en une façade et qu'il serait situé dans l'église de San Pietro in Vincoli, à Rome.

Moïse

Malgré tous les revers, et malgré le fait que peu du rêve se soit réalisé, Michel-Ange a travaillé intensément sur le projet du mausolée pendant trois ans.

Ainsi, de 1513 à 1515, Michel-Ange a sculpté quelques-unes des œuvres les plus emblématiques de sa carrière, et l'une d'entre elles, la MoïseAujourd'hui, il exige la visite de chaque voyageur.

le Moïse C'est l'une des sculptures comparables à la Pietà du Vatican dans la perfection technique. Cette sculpture et la série des Les prisonniers ou alors Des esclaves elles étaient destinées à décorer la tombe pariétale.

Dans cette sculpture, le personnage et le regard terrible du personnage ressortent (Terribilità). Tout comme le David, exprime une vie intérieure intense, une force qui transcende la pierre dont la figure a été extraite.

Imposant, tout en caressant sa longue barbe détaillée, Moïse semble garantir par son regard et son expression que ceux qui enfreignent la loi seront punis, puisque rien n'échappe à la colère divine.

Voir également analyse du Moïse de Michel-Ange.

Les prisonniers ou alors Des esclaves

Une série de sculptures connues sous le nom de Prisonniers ou esclaves, ils sont sortis de cette intense période de travail.

Deux de ces travaux sont terminés, le Esclave mourant et le Esclave rebelle. Tous deux sont actuellement au musée du Louvre à Paris. Ils étaient destinés à être placés sur les pilastres de l'étage inférieur.

La sensualité du Esclave mourant, dont la position exprime l'acceptation, pas la résistance à la mort. Face à cela, le Esclave rebelle, avec un visage brut, un corps contorsionné et une position instable, il semble refuser de se soumettre et semble avoir du mal à sortir de prison.

Quatre autres œuvres découlent de cette période et magnifient le concept de la non fini. La force expressive est impressionnante, comme vous pouvez voir comment l'artiste a libéré les personnages des blocs de pierre massifs.

En laissant les œuvres inachevées, elles fonctionnent comme des allégories d'un des thèmes qui ont accompagné et tourmenté toute la vie et l'œuvre de Michel-Ange: le corps comme prison de l'âme.

8. Tombes de Lorenzo et Giuliano de Medici

En 1520, Michel-Ange est engagé par Léon X et son cousin Giulio de Médicis, futur pape Clément VII, pour construire une chapelle funéraire à San Lorenzo, à Florence, où les tombes de Lorenzo et Giuliano de Médicis.

Au début, les projets excitaient tellement l'artiste qu'il garantissait avec ferveur qu'il serait capable de les faire en même temps. Mais plusieurs problèmes se sont posés et le projet de rêve s'est perdu en cours de route.

Le concept imaginé par Michel-Ange avait pour principe l'intégration de l'architecture, de la sculpture et de la peinture. Mais les peintures n'ont jamais été faites.

Alors qu'il travaillait sur les tombes, une révolution éclata à Florence contre les Médicis eux-mêmes et, face à ce scénario, Michel-Ange arrêta les travaux et se rangea en faveur des rebelles.

Lorsque la révolte fut maîtrisée, le Pape lui pardonna à condition qu'il reprenne le travail, et Michel-Ange continua le travail.

Lorsque Michel-Ange quitta définitivement Florence en 1524 pour Rome, il laissa le travail inachevé et les sculptures qu'il avait faites furent plus tard placées à leur place par d'autres gens.

Ce qui nous est parvenu jusqu'à aujourd'hui, ce sont deux tombes pariétales jumelles, placées face à face. D'un côté, le tombeau de Lorenzo, représenté dans une position passive et contemplative, pensant, presque comme si le vrai Lorenzo de 'Medici était vivant.

De l'autre côté, Giuliano, qui fut en son temps un glorieux soldat. Il est activement représenté, en armure et doté de mouvement. La jambe gauche évoque la volonté de soulever la silhouette colossale et puissante.

Aux pieds des deux se trouvent deux allégories, la Nuit et le Jour (tombeau de Laurent de Médicis), le crépuscule et la aube (Tombeau de Julien de Médicis).

le Jour et la aube sont des figures masculines et les Nuit et le crépuscule ce sont des figures féminines. Les visages des allégories masculines sont inachevés, non polis.

9. Le dernier Pietàs

Miguel Ángel a atteint les dernières années de sa vie doté de force physique et du besoin de travailler, mais il a porté beaucoup de regrets et de tourments.

Il est arrivé à la conclusion que pendant une partie de sa vie il avait parcouru un mauvais idéal, l'idéal de beauté et de perfection dans l'art et l'idée qu'à travers cet art il atteindrait Dieu.

Ainsi, dans ses dernières années, il se tourne vers son autre passion, le divin, et c'est peut-être pourquoi ses dernières œuvres ont le même thème et sont restées inachevées.

La Pietà et la Pietà Rondanini sont deux marbres inachevés, très expressifs et inquiétants, surtout le Rondanini.

Comme une allégorie de tout l'esprit souffrant et turbulent que Michel-Ange a porté toute sa vie, surtout dans ces dernières années, il a sculpté ses propres traits sur le visage de la Vierge portant le fils mort dans la Pietà Rondanini.

L'artiste abandonne ainsi l'idéal de beauté humaine qui l'a marqué toute sa vie, et exprime sa conviction que ce n'est que dans l'abandon total à Dieu que l'on peut trouver bonheur et paix.

Michel-Ange mourut en 1564 à l'âge de 89 ans, en pleine utilisation de ses capacités physiques et mentales.

Le pape voulait l'enterrer à Saint-Pierre, à Rome, mais avant sa mort Michel-Ange exprima son souhait d'être enterré à Florence, d'où il était parti en 1524.

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(Texte traduit par Andrea Imaginaire).